STRATOVARIUS FOREVER!!!
OPETH FOREVER!!!

그리스 요안니나에서 결성된 VIC는 빈티지한 사운드를 세련되게 풀어내는 밴드이다. 퍼즈 톤을 앞세운 기타의 음색이 고전적인 블루스를 선사하면서도, 2010년대 후반의 포스트락에서 들을 수 있는 풍성한 공간계와 모던한 클린톤이 청자를 계속 일깨워준다. 전통적인 밴드 세션의 구성에 백파이프와 클라리넷을 동원하여 포크 락의 색채를 더한 것은 이미 현대 헤비니스 뮤직에서 그리 참신한 시도라고 할 수는 없으나, 주어진 도구를 악곡과 어울리게 만드는 재주는 충분히 특기할 만한 사항이다. 늘어지게 읊조리는 보컬은 가창력을 앞세워 청자를 홀리기 보다는 사이키델릭한 분위기를 선도하는 연주에 자연스럽게 얹혀있으며, 몇몇 구간에서는 슬럿지 메탈에서 들을 수 있을 만한 스크리밍을 들려주기도 한다. 여러모로 모던 헤비니스 뮤직에서 시도해왔던 모든 것들을 적절히 배합한 앨범이 아닐 수 없다. 블루지한 노트로 시작하는 초반부의 타이틀 곡과 Part V는 9분, 10분에 달하는 러닝타임이 전혀 지루하지 않도록 리듬과 세션의 톤을 바꿔가면서 청자를 압도한다. 이어지는 Dance of Night는 처연한 백파이프 반주를 곁들여 토속적인 측면을 더하고 있으며, 인트로와 타이틀 곡의 멜로디를 변주하는 방식으로 긴장감을 끌어올린다. 앨범 중반부에 있는 Millennium Blues는 트랙의 타이틀에 걸맞게 간단한 리듬에 블루스 리프를 얹어서 시작하다가, 후반부에 속도를 높이고 강렬한 기타 솔로를 삽입하여 터뜨리는 고전적인 방식을 선보인다. 모던 블루스를 원하는 하드 록 매니아나, 포스트록, 스토너 메탈을 좋아하는 청자에게 자신있게 권할 수 있는 작품이다. ... See More

전작인 Winter's Gate에서 서사적인 구성과 서정적인 멜로디로 디스코그라피의 정점을 찍은 Insomnium이 새로운 멤버와 함께 또 다른 도약을 준비하고 있다. 프론트맨이자 메인 송라이터인 Niilo Sevänen은 자신이 하고 싶어하는 음악에 대해 'furious and yet melodic metal with many acoustic passages - catchy music which still had many layers and some complexity so it was fun for us to play'라고 표현한 바 있다. 지금까지 내놓은 밴드의 작업물을 고려했을 때, 그의 작곡 철학은 20년이 다 되어가도록 일관성있게, 그러나 지루하지 않게 흘러온 것이 분명하다. 이 앨범은 Kalmah, Omnium Gatherum과 마찬가지로 자신들의 영역을 확실하게 구축한 밴드가 결코 매너리즘에 빠지지도, 비약적인 모험을 하지도 않았다는 것을 증명하고 있다. 무엇보다도 핀란드 파워 메탈의 팬이라면 쌍수를 들고 환영할만한 Jani Liimatainen이 새롭게 들어와 앨범 작업을 같이 했다는 것도 특기할 만한 사항이다. 혹시나 악곡의 진행이 Sonata Arctica의 초중기 앨범처럼 가벼워 질지도 모른다는 걱정은 기우에 불과하다. 선공개된 Valediction의 첫 리프부터 굉장히 무거운 톤을 들려주고 있으며, Jani의 서정적인 클린 보컬은 애절하고 속도감있는 밴드의 음악에 깊이 스며들어 전혀 위화감을 주지 않는다. 특히 이 곡은 박사후과정이 끝나 연구교수의 길을 걷게 된 Ville Friman의 유산으로, Insominum 특유의 완급조절이 완벽하게 드러나있는 스피디 넘버이다. Jani는 앨범 중후반부 트랙 작곡에 참여했는데, Shadow of the Dying Sun에 비해 큰 변화는 없지만 분위기가 약간 밝은 편이다. The Offering은 예전 Ephemeral에 비견될만큼 멋진 선율을 들려주고 있으며, 영화같은 뮤직비디오로 호평받은 Pale Morning Star는 The Promethean Song을 연상시키지만, 인트로와 브릿지는 가볍게, 그리고 클라이막스는 더욱 무겁게 구성하여 극적인 효과를 주고 있다. In Mourning, Barren Earth, Be'lakor의 음악처럼 프록 멜데스의 영역에도 한 발 걸친 느낌을 받은 청자들이 많지만, 결국 이 앨범은 멜데쓰 본연의 맛을 결코 잃지 않았다. 본작은 Niilo의 철학 그대로, '맹렬한 선율과 다층적이고 약간은 복잡한 구성'이 혼재된 멋진 멜데쓰 앨범이다. ... See More

전작인 Vertikal에 결코 꿀리지 않는 작업물을 들고 돌아왔다. 신디사이저를 이용한 사운드스케이핑이 상당한 비중을 차지했던 전작에 비해, 이번에는 고전적인 밴드 사운드에 슬럿지 메탈의 톤을 앞세웠다. 여러모로 2010년대 후반의 서구권 포스트락에 가까운 음악을 선보이고 있는데, 이번에도 강렬한 하쉬 보컬에 미들템포로 일관하여 악곡이 담백하다. 타이틀 곡으로 뽑힌 3번트랙부터 5번트랙까지는 앨범의 중반부를 완벽하게 장악하고 있는데, 퓨너럴 둠의 박자보다는 어느정도 그루브가 있는 리듬을 배치하여 긴 러닝타임에 청자가 지치지 않게 만들었다. 또한 하나의 트랙이 갖추는 구성이 그리 복잡하지 않고, 곡 내부에서 키보디스트가 앞으로 나서지 않은 채 탄탄하게 뒤를 받쳐주고 있다. We Feel the End에서 클린보컬을 감싸는 밴드 사운드는 비록 가벼운 톤에 메이저 코드를 다소 삽입하여 청자가 이 장르에 기대하는 감성을 깨는 것 같지만, 여느 둠 메탈 밴드가 선사하는 어두운 분위기에 못지않은 우울함과 몽환을 제공한다. 이미 Post-Metal씬에서는 연륜을 자랑하는 밴드이지만, 이제는 Eternal Kingdom 이전의 악곡으로부터 한층 진화하여 완전하게 독보적인 영역을 구축했다는 것을 여실히 드러내는 앨범이다.

We Lost The Sea는 최근 포스트록씬에서 주목받는 밴드로, 강렬한 둠/슬럿지 메탈의 사운드와 더불어 텔레캐스터의 청명한 클린톤을 앞세워 어둡고 진중한 음악을 들려준다. 동종계열에서는 Godspeed You! Black Emperor, Cult of Luna, Explosions in the Sky와 악곡의 궤도가 유사하나, 엄연히 이들만의 색채가 두드러지며, This Will Destroy You, Paint the Sky Red, Russian Circles, If These Trees Could Talk와 같이 서정적인 멜로디를 들려주다가 육중한 디스토션 사운드로 전환하는 변화무쌍한 진행에 능하며, 밴드 특유의 나락으로 떨어지는듯한 느낌은 2010년대 포스트록과 Deafheaven을 위시한 Post-Black/Shoegaze진영이 선사하는 것에 못지 않다. 본작은 2013년 작고한 보컬리스트 Chris Torpy에 대한 헌정의 의미가 깊은 앨범으로, 별도의 보컬을 두지 않은 첫 번째 연주 앨범이며, 전세계적으로 호평을 받은 바 있다. 포스트록의 전통적 문법중의 하나로, 밴드는 상실과 애도, 희망과 같이 처연하고 애절한 테마를 청자에게 전달하려 하는데, 본작 또한 인류 역사의 비극적인 실화를 배경으로 각 트랙을 작곡하여 어느정도 컨셉트 앨범의 구성을 갖추었다. Bogatyri는 우크라이나 토속설화에 등장하는 세 명의 기사로, 밴드는 체르노빌 원자력 발전소 사고 당시 방사능 누출을 막기 위해 목숨을 내던진 세 명의 소련인이 보인 용기를 기리기 위해 어둡고 몽환적인, 그러나 강렬한 리프를 10분 이상 반복하여 청자를 프리피야트의 깊은 곳으로 안내한다. 이어지는 3번 트랙은 자국인 오스트레일리아의 전설적인 다이버 David Shaw의 마지막 입수에 관한 것으로, 그는 다른 잠수사의 시신을 건져내기 위해 작전에 들어갔다가 사망했다. 그는 이 과정을 카메라에 모두 담았고, 이후 동료들이 이를 입수하여 공개한 바 있는데, 트랙에는 해당 영상에 등장하는 다이버의 숨소리와 물소리가 담담하게 삽입되어 처연한 느낌을 준다. 연작으로 공개된 Challenger는 너무나도 유명한 챌린저 호의 비극을 주제로 삼았다. Part 1에는 미국의 작가인 William S. Burroughs가 나로파 대학에서 했던 연설이 샘플링되어 있으며, 작가는 자각몽에 대한 자신의 경험을 바탕으로 우주 여행을 하려는 인류가 어떤 위치에 서 있는지에 대한 의견을 밝힌다. 그의 담백한 어조는 인류의 위험한 도전과 숭고하고 안타까운 비극앞에서 더욱 애절한 느낌을 선사하지만, 결코 감정의 극단적인 발산을 유도하지 않는다. 단일 스트리밍으로서 유례없는 조회수를 기록한 이 챌린저 연작은 앞의 두 곡과 유사한 사운드스케이핑을 들려주지만, 총 28분에 달하는 러닝타임이 결코 지루하지 않아 앨범의 말미를 장식하기에 손색이 없다. 2010년대 후반에 등장하는 수많은 서구권 포스트록/메탈 음반들 중에서도, 가장 사색적인 멜로디를 무겁게 쏟아내는 작품이 아닐 수 없다. ... See More

Heritage를 기점으로 시작된 Opeth의 후기작은 여기서 완성된다. Watershed 앨범이 발매된 이후에도, 마이클은 예전의 스타일을 고수한 곡들을 몇 개 작업해 놓았고, 이른바 Watershed 2.0이 될 만한 헤비니스를 구상했다고 밝힌 바 있다. 그러나 밴드는 결국 Heritage라는, 다분히 과거로의 회귀에 가까운 것을 선택했고, 데스메탈의 색채는 모두 버려졌다. 최근의 인터뷰에서 그는 데스메탈을 계속 듣고는 있지만, Morbid Angel 이후 데스메탈에서 아무런 영감을 얻지 못한다고 털어놓았다. 과거에는 무거운 디스토션 리프와 광폭한 그로울링으로 극단적인 헤비니스를 추구할 수 있다고 여겼지만, 이제는 그렇지 않다는 것이다. 그런 의미에서, 밴드의 후기작은 메탈 음악이 선사하는 고전적인 공격성을 배제함으로써 오히려 헤비니스에 가까이 다가가려 하는 모순을 드러내었다고 볼 수 있다. 즉, Opeth의 후기작은 공격성을 배제한 채 고전적 메탈의 원류가 되었던 또 다른 '고전'에 닿으려 했다.

마이클이 Pink Floyd, Black Sabbath, Jethro Tull, Camel과 같은 올드스쿨과 스웨디시 팝에 관심이 많다는 것은 익히 알려져 있는 사실이며, 밴드의 후기작은 이러한 고전을 재해석함과 동시에 기존의 메탈 음악, 혹은 Opeth가 짧게는 Deliverance, 길게는 Watershed까지 이어온 익스트림 프록메탈의 궤도에서 얻었던 헤비메탈의 질감을 미세하게, 그러나 확연히 느껴지도록 입히는 작업이다. 이제는 익스트림 프록, 혹은 프로그레시브 메탈 자체를 뉴스쿨의 영역에서 바라보기 힘든 시대가 되었으니, 오랫동안 메탈 음악을 들어온 청자들은 이러한 작업을 올드한 것과 더 올드한 것의 조합이라고 느낄 가능성이 높다. 청자의 입장에서, 그가 음악을 얼마나 오랫동안, 깊게 들었는지에 따라 이 조합은 모순적인 힘을 더 크게 드러낸다. 올드스쿨 팬은 70년대의 음악이 그리우면 그것을 들으러 가면 되는 것이지, 굳이 마이클이 내놓는 '동인지'를 읽을 이유가 없다. 프록메탈과 2000년대 익스트림 메탈의 팬들은 강렬한 사운드를 얻기 위해 Djent를 듣거나, 테크니컬/브루털 데스메탈을 찾으면 된다. 이도저도 아니라면 90년대의 2세대 블랙메탈로 돌아가면 그만이지, 멜로트론에 하몬드 오르간만 나오고 전혀 '익스트림'하지 않은 Opeth의 음악을 찾아 들을 이유가 없다. 이처럼 Heritage이전의 Opeth에 대한 향수를 거부하는 것은 힘든 일이다. 하지만 그러한 향수를 진하게 품고서라도, 이 밴드가 건네는 '쫀듸기'맛에 나름대로 의미가 있다면, 그것이 무엇일지 생각해보는 것도 음악을 즐기는 하나의 방식일 것이다. 더불어, 밴드는 최초로 모국어와 영어반을 함께 내는 시도를 했다. 자국에서 밴드가 가지는 위상을 생각할 수도 있겠지만, 작곡자로서 마이클이 노랫말에 담을 수 있는 진정성을 한층 높이는 기회가 되었을 것 같다.

사실상 현대 음악이 리프나 스케일과 같은 화성학적 요소만큼 사운드 메이킹에 더 유효한 방점을 찍고 있는만큼, 이들이 만들어 놓은 스튜디오 작업물의 장점에는 단순히 '훌륭한 악곡'만 있는 것이 아니다. 그럼에도 불구하고 악곡에 대한 언급을 하지 않을 수는 없으니, 선공개된 Dignity와 Heart in Hand의 사운드는 Heritage부터 Sorceress까지의 스피디 넘버들보다 더 깊고 풍부하며, 그로인해 향수에 사로잡혀있는 올드 팬들의 귀를 적어도 Ghost Reveries까지 끌어당길 수 있다고 생각하기 때문이다. 비록 D튜닝 기타의 무게감도, 짐승처럼 울부짖는 그로울링도 존재하지 않지만, 이 곡들은 나름대로의 헤비니스를 충실히 제공한다. Dignity의 초반부에 등장하는 기타 솔로는 Watershed를 연상케하며, Heart in Hand의 리프는 Opeth 특유의 그루브감을 그대로 선사하며 기타의 무게감도 그리 약하지 않다. 여러모로 후기작 중에서는 가장 강렬한 음악을 보여주고 있는 것이다. 이러한 무게감은 Charlatan에서도 드러나는데, Deliverance와 Harlequin Forest의 후반부에 등장하던 변박 리프가 드라이브를 강하게 얹은 베이스 라인을 입고 청자를 농락한다. 당연히, Martin Mendez와 Martin Axenrot의 악곡 진행 방식에 대해 감탄을 하지 않을 수 없다. 무엇보다도, Joakim Svalberg의 키보드 사운드가 앨범의 모든 곡을 조화롭게 지배하고 있다는 점에서 밴드의 하모니를 의심할 여지가 전혀 없다는 것을 다시 한번 느끼게 해준다. The Garroter에 등장하는 재즈 어프로치는 어둡기 짝이 없는 앨범의 분위기를 한층 고조시키며, Continuum은 심금을 울리는 가사와 처연한 멜로디, 그리고 담담한 보컬로 우리가 Opeth에게 바라던 것, Opeth라면 반드시 다듬어 내보일 수 있는 그 감성을 충분히 전달하고 있다.

In Cauda Venenum은 지금-여기의 익스트림 메탈이 가야할 길을 제시하지 않는다. 혹은 90년대의 헤비메탈과 밀레니엄 이후의 뉴메탈이 만들어야 했던, 어떠한 유토피아를 소급해서 내놓지도 않는다. 마찬가지로, 올드스쿨 뮤직으로의 과감한 회귀를 주장하며 무력하게 레트로토피아를 바라는 것도 아니다. 담담하게 과거의 유산을 끌어내어 담백하고 세련되게 풀어내고 있을 뿐이며, 이들은 그러한 유산을 즐겼던 세대 뿐만 아니라, 유산과의 시공간적 거리가 상당한 세대가 함께 얻어갈 수 있는 것에 대해 탐구하는 것이다. 나아가, 재해석된 유산을 수용하는 행위는 참신하고 '혁명적인' 태도라기보다는 담담한 (메탈)음악적 성찰에 가까울 것이다. ... See More