(심포닉) 파워, 프로그레시브 메탈 좋아합니다.
스래시, 멜로딕 데스 메탈 조금 듣습니다.

Favorite Band - Rhapsody
Favorite Artist - Luca Turilli

파워 메탈 입문 - Rhapsody의 Emerald Sword
프로그레시브 메탈 입문 - Dream Theater의 Images and Words (1992)
멜로딕 데스 메탈 입문 - Children Of Bodom의 Follow the Reaper (2000)
스래시 메탈 입문 - Rage의 Black In Mind (1995)

Rhapsody Of Fire의 13집이며, 네피림 제국 사가의 두 번째 앨범입니다. 파비오 리오네의 탈퇴 이후 새로운 보컬 쟈코모 볼리의 영입과 재녹음반 발매 이후 참 말이 많았던 이 거장 밴드의 수장 알렉스 스타로폴리는, 투릴리/리오네 랩소디의 출범과 어우러지는 기존 밴드에 대한 거센 역풍에도 개의치 않다는듯 의욕적으로 신보를 이어나갔고, 네피림 제국 사가의 두 번째 작품까지 나와야 랩소디 오브 파이어의 전망을 알 수 있을 것 같다는 전작에서의 평을 다시금 회고해보니, 그 전망은 일단 긍정적입니다.

첫 싱글 곡 I'll Be Your Hero가 공개되었을 때 제가 느꼈던 감상은 "보컬 쟈코모 볼리가 이제 밴드에 잘 녹아들었구나"였는데, 이러한 느낌이 앨범 전체에서도 잘 드러나고 있습니다. 기존 랩소디 오브 파이어식 심포닉 파워 메탈이 파비오 리오네의 중후한 보컬과, 그 보컬의 음색에 맞는 묵직한 오케스트라와 파비오의 취향이 고려된 프로그레시브한 터치였는데, 쟈코모 볼리는 그보다 더 시원한 파워 메탈 보컬이고, 이에 걸맞게 전체적으로 사운드의 경량화가 이뤄졌습니다. 그러면서도 Abyss of Pain II 같은 헤비한 터치 위에 심포닉에 힘을 빡준 대곡을 배치하면서 랩소디의 역사성 역시 잊지 않는 모습입니다. 전체적으로 음악에 조급함보다 여유가 자리잡으면서 기량이 유감없이 발휘되고 있다는 느낌입니다.

루카 탈퇴 이후 랩소디 오브 파이어에서 가장 아쉽게 느껴졌던 건 사실 보컬보다 전 로베르토의 기타였는데, 이번 작품에서 로베르토가 보여준 기타웍은 전작들에 비하면 진보했습니다. 투릴리/리오네 랩소디의 Zero Gravity (Rebirth and Evolution)가 보여준 획기적인 변화 중 하나가 저음 튜닝을 통한 헤비니스의 도입과, 그 와중에 기타웍의 선명도가 대폭 올라간 점인데, 이 작품에서 로베르토의 기타 또한, 달리는 곡들에서는 옛 랩소디의 얄싸한 리프 톤에서부터, 묵직한 곡들에서는 헤비하고 선명한 톤을 배치하면서 오케스트레이션이 가미된 심포닉 파워 메탈에서 기타가 묻히지 않게 했다는 점은 긍정적입니다.

앨범의 전체적인 면을 두고 총평하자면, 드디어 알렉스 스타로폴리가 하고 싶던 랩소디 오브 파이어식 사운드가 자리를 잡았다는 느낌입니다. 루카 투릴리는 언제나 폭발적인 오케스트레이션의 활용으로 심금을 멎게하는 음악을 추구했고 이 때문에 랩소디 오브 파이어를 나온 뒤에는 언제나 오케스트레이션 중심의 음악을 해나갔는데, 알렉스는 그와 반대로 헤비 메탈이 중심이 되고 오케스트레이션은 부가 요소로 하는 방향을 고수하고자 했습니다. 다만 그 방향성의 산출이 Dark Wings of Steel, Into the Legend, The Eighth Mountain 등의 결과물 속에서 왔다갔다한 면이 있었는데, 이제야 비로소 균형있게 자리했습니다. 이 작품은 Into the Legend에서 에픽 서사를 가미하고 쟈코모 볼리의 보컬에 맞게 사운드 최적화를 이뤄냈다 보면 딱입니다.

사운드의 구조적인 면에서는 안정적이지만, 아쉬운 점이 있다면 박력이나 임팩트 면에서입니다. 웅장한 오케스트라와 밴드가 치고 빠지면서 청자를 들었다 놓았다하며 고양감을 가미해주는 면이 전무합니다. 엘가로드 연대기 시절 작품의 초반부든 중후반부든 이런 서사적인 구조가 랩소디의 강점 중 하나였다는 걸 생각하면(대표적으로 On the Way to Ainor) 음악이 평면화되고 준수한 측면에서 머무를 뿐 그냥 물 흘러가듯 듣고 말게 됩니다. 그나마 기악 파트와 솔로잉이 강조된 Abyss of Pain II 정도가 인상에 남을 뿐. 만약 작곡 담당 알렉스와 작사 담당 쟈코모가, 이 네피림 제국 사가의 전개에 따라 음악이 그 서사적 분위기를 몰입시켜주는 데에 중점을 두고 있다고 한다면, 이 부분은 차기작에서 보완되길 소망합니다.

앨범 발매 직전 인터뷰에서 알렉스 스타로폴리는 이미 네피림 제국 사가 제3장에 들어갈 곡을 쓰고 있다고 말했습니다. 정말 뚝심하나만큼은 인정해줘야겠습니다. 시대를 풍미했던 밴드가 각자(루카 & 알렉스)의 이상과 현실적 상황에 의거하여 두 조각이 나고, 워낙 돈 드는 음악을 하다보니 2010년대 이후의 작품들은 각자 한계에 부딪혀가면서 절충과 타협을 거친 산물일지도 모릅니다. 그러나 어쨌든 2020년대까지 '랩소디'는 양가에서 모두 이어지고 있고, "나는 아직 할 수 있다. 할 게 많다"라고 말하는 이들의 자세에 대해, 청자로서 저는 결과물이 이전 작품과 비교해서 이게 어떻니 저게 어떻네하기 전에 리스펙을 먼저 표하지 않을 수가 없게 됩니다. 좋은 건 좋은대로, 아쉬운 건 아쉬운대로 말하지만 랩소디는 이어진다는 사실에 다시 한 번 리스펙, 그리고 응원을 표합니다. ... See More

개인적으로 이탈리아 출신 밴드 가운데 가장 최고인 밴드를 꼽자면 저는 당연히 랩소디(Rhapsody)를 선택할 것입니다. 이 밴드가 가진 컬러를 설명하자면 그야말로 끝이 없기 때문입니다. 그래서 항상 이탈리아의 밴드들을 이해하는 데 있어서 랩소디는 제게 가장 큰 비교 기준이었습니다.

Labÿrinth, Vision Divine, Secret Sphere는 이탈리아의 많은 프로그레시브 / 파워 메탈 밴드들 가운데 대표격으로 언급되는 팀들입니다. 이들은 랩소디와 커리어의 시작이 비슷하거나, 오히려 더 빠릅니다. 그럼에도 전 랩소디가 초창기에 보여준 강렬한 음악적 자양분(멜로딕 파워, 심포닉, 네오 클래시컬, 프로그레시브)과, 이로 인해 받은 거대한 임팩트로 인해 이상의 밴드들을 들었을 때 랩소디만큼의 감흥을 얻지는 못했고, 결국 이탈리아의 프록파워 씬은 모두 랩소디 이상의 음악적 역량을 보여주지는 못하는 것 같다고 단정지었습니다. 더 나아가서는 하위 호환 같다는 생각까지도 했었습니다.

이상의 세 밴드들로 대표되는 이탈리아 프록파워 씬의 통일된 테마는 하나 같이 스피디하면서 밝고 얇은 사운드의 파워(스피드) 메탈에 드림 시어터식 서정성과 구성미를 가미하는 시도였는데, 그래서 항상 멜로디가 별로다, 애매하다는 식의 평을 피할 수 없었습니다. 차라리 드림 시어터의 테크닉이나 연주 테마 쪽을 따와서 서커스를 하는 쪽이 더 어필하기 좋을 것 같다는 생각이 들게 만들었죠. 그런 점에서 심포니 엑스류 비르투오소를 적극 계승한 2000년대 후반부터의 DGM은 제가 이탈리아 밴드들 가운데 이제 랩소디 다음으로 손꼽는 픽이 되었습니다.

아무튼 이런 평을 견지하는 입장에서 래비린스와 시크릿 스피어가 올해 초에 신작을 냈습니다. 래비린스의 작품은 아직 다 듣지는 못했지만 기존의 노선대로 나아가는 모양인데, 시크릿 스피어의 작품은 듣고 꽤나 감탄했습니다. 드림 시어터, 심포니 엑스로 대표되는 정통 프로그레시브 메탈의 영향을 물씬나게 받은 이탈리아 파워 메탈 씬에서 DGM이 심포니 엑스를 계승한 밴드로서의 완성형을 보여주었다면, 시크릿 스피어의 이번 작품은 반대로 드림 시어터류 프로그레시브 메탈을 이탈리아식으로 완성형으로 융화시켰다는 느낌을 받았기 때문입니다.

사운드 면에서 기존의 무게감이 부족한 이탈리아식 남방 기타 톤보다는 밝고 명랑한 느낌을 유지하는 가운데 요즘 추세에 맞추어 헤비니스가 어느정도 가미되었습니다. 그리고 전작에서는 컨셉트 앨범 + 유기적 구성으로 승부를 보았는데 이번 작품에서는 변박 쇼를 DGM보다 더 적극적으로 구사하면서 드림 시어터류를 자연스럽게 흡수한 모습을 보여주었습니다. 그리고 후방에 은은하면서도 밀도 있게 오케스트레이션이 가미되었는데, 이를 통해 상향평준화된 현재 씬에 걸맞는 사운드 포징을 보여주고 있습니다. (너무 깔끔하길래 이 사운드 누가 만졌는지 알 것 같다는 느낌이었는데 역시나 DGM의 Simone Mularoni였습니다)

트랙들은 선공개된 앞트랙보다 오히려 중반부 트랙들의 리프 메이킹, 연주, 오케스트레이션 백킹, 멜로디 등 악곡 요소가 모두 상급입니다. 가장 손꼽는 곡은 6번 트랙 Against All the Odds입니다. 앞부분 듣고 이 밴드도 역시 옛날 식으로 계속 가나 싶었는데 트랙들을 하나 하나 들어갈 수록 관록이 더 붙었구나 느끼게 되더군요.

아무튼 예상 외로 높은 퀄리티로 나와 만족스럽게 들었던 작품입니다. Michele Luppi가 보컬로 남아 있었으면 더 빛나지 않았을까 싶으면서도, 오히려 루피의 목소리에 악곡의 미학이 더 묻혔을지도 모른다는 생각에 이르니, 이런 컬러의 보컬이 역시 프로그레시브 메탈 쪽에는 더 어울리는 것 같다고 생각을 정리하게 됩니다.

* Best Tracks
- The End of an Ego, Against All the Odds, Thank You, The Lie We Love ... See More

스웨덴의 프로그레시브 메탈 밴드 Evergrey의 정규 12집입니다. 에버그레이는 2020년 코로나19 펜데믹으로 인해 전세계 메탈 뮤지션들의 라이브 활동이 마비된 가운데, 그들이 할 수 있는 것은 창작 뿐이라는 생각을 실행으로 옮겨 앨범 발매를 이뤄낸 거장 밴드 중 하나입니다. 에버그레이가 북유럽 프로그레시브 메탈씬에서 갖는 위치를 생각해보았을 때 이들의 신작은 충분히 기대할만 했고, 또 기대에 부응한 음악을 들려주었다고 생각합니다.

에버그레이의 음악은 이전부터 다크 멜로딕 또는 프로그레시브 메탈로 정의 내려져 왔습니다. 북유럽 특유의 어둡고 차가우며 무거운 정서를 메탈의 원초적인 야성보다는 멜로딕하고 프로그레시브 메탈의 서정적인 어프로치로 담아냈기 때문입니다. 물론 출신지가 예테보리인만큼 그 사운드가 결코 헤비하지 않다고는 말할 수 없는 강력한 톤으로 무장했지만, 야성보다는 감정적 호소력에 강점을 보이는 리더 톰 잉글룬드의 보컬과, 적재적소에서 감정을 자극하는 키보드의 터치는 이들이 왜 프로그레시브 메탈 밴드인지를 잘 알려주는 장치이기도 합니다.

초창기 이들의 작품은 '반종교'적, 엄밀히 말하자면 종교라는 이름으로 자행되는 비이성적 행위에 초점을 두고 이를 비판하는 내용이 주류였고, 이런 메시지를 담는 음악에는 약간 스테레오타입처럼 느껴질 수 있는 강렬함과 파괴적인 이미지보다는 "어둡고 비참한 가운데에 치고 들어오는 통렬함"이라는 감정선으로 표현했습니다. 이들의 대표작인 Recreation Day나 The Inner Circle에서 느껴지는 바죠. 이후 음악성과 커리어에서 변화와 방황을 하던 2000년대 중반을 넘기고, 2014년부터 이어진 후반기 세 작품 Hymns for the Broken, The Storm Within, The Atlantic은 트릴로지로 모두 인생 일반에 대한 성찰을 담은 컨셉트 앨범입니다. 그러면서도 각각의 작품들이 비장함, 따뜻함, 음울함이라는 서로 다른 키워드로 앨범을 정의내릴 수 있는 색채를 지녔습니다.

이번 작품에는 뚜렷한 컨셉은 나타나 있지 않습니다만, 가사를 보면 위 트릴로지와 비슷한 테마를 바탕으로 곡이 쓰였으며, 가장 먼저 공개되었던 Forever Outsider나 Eternal Nocturnal 같은 트랙들을 보면 전반적으로 소외되고 음지에 있는 자아들을 위로하고 그들의 자의식을 고취시켜주는 내용입니다. 대부분의 에버그레이 곡들을 담당하고 있는 리더 톰과 드러머 조나스(Jonas Ekdahl)의 자의식이 어떻게 바뀌어왔는지를 짐작할 수 있게 하죠. 이에 걸맞게 악곡의 분위기도 이전보다 좀 더 부드러운 느낌을 주고 있습니다.

앨범의 트랙들은 음악적인 면에서 크게 세 분류로 나눠볼 수 있을 것 같습니다. 첫째, 헤비/파워 메탈 스타일의 거침 없는 곡들(01 Forever Outsider, 04 A Dandelion Cipher, 08 Escape of the Phoenix, 10 Leaden Saints, 11 Run), 두 번째로 이보다는 좀 더 차분한 분위기 속에서 감정선을 강조하는 좀 더 프로그레시브 메탈적인 곡들(02 Where August Mourn, 07 Eternal Nocturnal), 세 번째로 장중하고 무거운 분위기로 텐션을 가라앉히면서 서정을 부각시키는 곡들(03 Stories, 05 The Beholder, 06 In the Absence of the Sun, 09 You From You)입니다. 각각 1, 2, 3번 트랙들이 각각 스타일을 나눠서 선보여주므로 앨범이 단조롭지 않게 해주고 있습니다.

리더 톰은 인터뷰에서 곡들의 대부분을 자신과 조나스가 쓰지만, 다섯 멤버 모두가 하나의 완성된 에버그레이 앨범을 만드는 데 기여한다고 말했는데, 선공개된 곡들의 MV를 보면서 전 특히 기타리스트 헨릭(Henrik Danhage)의 솔로 연주를 통해 그 말을 실감했습니다. 개인적으로 그가 연주했던 기타 솔로 가운데 가장 인상깊은 솔로들이 이번 작품에 다 나왔는데(가장 기억에 남는 솔로는 14년 앨범의 대표곡 King of Error), Where August Morun과 Eternal Nocturnal에서 보여준 멜로딕함과 슈레더 스타일을 다 잡은 솔로를 말끔하게 보여준지라 그의 역량에 대해 집중하게 되었고, 감초같은 키보드 연주를 묵묵히 선보이는 리카드(Rikard Zander) 역시 훌륭한 멤버입니다.

조금 냉정하게 이야기하자면, 사실 에버그레이의 이 최신작이 거장의 아우라에 걸맞는 클라스냐 하면 자신있게 긍정하지는 못하겠습니다. 앞선 세 작품들에 비해 이 작품에서만 찾아볼 수 있는 개성은 상대적으로 부족해보이기도 하고, 이미 상향평준화된 (프로그레시브) 메탈씬에서 이 정도 음악은 천상계만 놓고 보면 평범하고 무난한 정도로만 느껴질 수도 있는 퀄리티입니다. 다만 제 취향에 있어서는 바로 전작인 The Atlantic보다는 약간 유려하고 서정성을 더 담근 이번 작품이 더 와닿기에 약간의 몰개성화는 감안할 수 있을 것 같습니다.

에버그레이의 꾸준한 모습을 기대하셨던 분들에게는 충분히 기대에 부응할 만한 수작이라 생각됩니다. 공홈에서 예약 구매한 앨범 빨리 도착했으면 좋겠습니다.

* Best Tracks
- Where August Mourn, A Dandelion Cipher, Eternal Nocturnal, Escape of the Phoenix ... See More

덴마크의 프로그레시브 메탈 밴드 Royal Hunt의 정규 15집입니다. 개인적으로 그 독창적이면서도 취향 저격하는 음악적 스타일과 덴마크 출신이라는 유니크함까지 겹쳐져, 로얄 헌트는 개인적으로 애착하는 밴드 중에 하나입니다. 그렇기에 코로나 시국 속에서도 새로운 작품을 낸다는 것에 매우 반가웠습니다. 그렇게 새 앨범이 작년 12월에 나왔고, 곧 국내에서도 Evolution Music을 통해 발매가 되었죠.

개인적으로 이 앨범에서 느끼는 감상은 '아쉬움'으로 압축할 수 있을 것 같습니다. 다만 나이트위시 때와 달리 맹비난을 하고 싶지는 않습니다. 이런 시국 속에서 앨범을 내주는 것 자체만으로도 수고로운 일이고 청자로서는 감사한 일이니 말입니다. 그러니 앨범에서 아쉬운 점만 몇 가지 짚어보자면,

첫 번째로 사운드. 프로그레시브 메탈에 원래 키보드로 금칠하는 데 일가견이 있는 밴드다보니 이번 작품에서 들리는 흐릿하고 눌린듯한 프로덕션은 이전에 비해 후퇴했다는 느낌이 들게 만듭니다. 개인적으로 로얄 헌트는 웅장하고 화려한 사운드가 트레이드 마크이면서도 프로그레시브 메탈 밴드로 보는지라 기타 사운드가 얼마나 앙드레의 키보드에 대응해주는가를 생각하면서 듣는데, 그 절정에 이르렀던 Fear나 Paper in Blood, Paradox II: Collision Course나, 로얄 헌트의 전형적 사운드가 무르익었던 Show Me How to Live나 A Life to Die For 등괴 비교해본다면 빈약하다는 느낌이 듭니다.

둘째로 D.C. Cooper의 보컬, 이 앨범의 감상이 별로라고 생각하게 만든 결정적인 요인입니다. 이전의 기름칠한 밀도 있는 목소리에서 가끔은 힘차게 고음을 질러주던 그의 보컬이 마치 힘겹게 쥐어짜는 듯한 보컬로 튀어나오니 심히 당황스러웠습니다. 이번 앨범에서 게스트들이 죄다 보컬이었던 것도 D.C. Cooper의 역량 저하로 인한 백업으로 불러온 건가 생각하게 만듭니다.

세 번째로 앨범 전체를 아우르는 전개가 필요한 컨셉트 앨범이면서도, '강강강'으로 각인시켜주는 임팩트 있는 파트를 찾아보기가 어렵습니다. 앨범 작업 실황 공개하면서 제 기대를 한껏 부풀어오르게 만들었던 기타 & 키보드 솔로 배틀은 첫 공개 곡이었던 The Art of Dying의 후반부에 나왔는데, 그마저도 싱글컷 되었을 땐 잘려서 나온 데다가, 그 파트를 듣기 위해 느슨한 전개의 곡을 5분 동안 듣고 있어야 합니다. 개인적으로 9집 Paradox II의 인트로 트랙 Principles of Paradox에서 보여준 점층적이면서도 강렬한 전개와, Hight Noon At the Battlefield의 말미에 난타식 유니즌이 보여준 파워 같은 강렬한 파트가 없는 게 아쉬운 점이었습니다.

물론 계속 곱씹어서 듣는다면 결국 D.C Cooper의 보컬만 빼면 물 흐르는듯한 전개 속에서 무난하게 들을법한 로얄 헌트의 작품 중 하나라고 여겨지리라 생각이 듭니다. 다만, 기대에 비해 첫 인상이 매력적이지 못했다는 점에서 '아쉬움'을 적극 표출하게 되는 작품인 것 같습니다. 저도 아래에 코멘트 달아주신 회원님 중 한 분의 말씀처럼, 로얄 헌트에게 이런 점수를 줄 줄은 몰랐습니다만, 이게 처음이자 마지막이 되길 바랄 뿐입니다. ... See More

미국 플로리다 출신 심포닉 파워 메탈 밴드 카멜롯의 11번째 작품이자, 밴드의 3대 보컬 토미 카레빅(Tommy Karevik)이 참여한 두 번째 앨범입니다. 전작 Silverthorn(2012)이 카멜롯의 과거와 현재 어느 한 곳에도 분명하게 발을 걸치지 않은 과도기적 성격의 작품이라면 이 앨범은 카멜롯 사운드의 전격적인 변화를 이룬 작품이며, 다양하고 현대적인 무브먼트를 흡수한 실험작의 성격도 띠고 있습니다. SF 스타일의 전자음, 피처링 아티스트를 동원한 그로울링 활용의 확대, 모더니티가 느껴지는 사운드 질감 등 이전과는 다른 이미지를 구축하고 있으며, 온갖 스타일을 버무린 카멜롯 최대의 맥시멀리즘이 느껴집니다. 또한 토미 카레빅의 가입 이후 세 작품 중 두 작품이 컨셉트 앨범인데 이 작품만 그렇지 않습니다. 따라서 개별 곡의 미학이 두드러지는 작품이고 곡마다의 개성이 뚜렷합니다.

앨범의 첫 두 트랙인 Fallen Star와 Insomnia부터가 기존 카멜롯의 스타일과는 굉장히 이질적인데, 이는 카멜롯 전성기의 시작인 The Fourth Legacy(1999)부터 바로 직전 작품이었던 Silverthorn까지와 비교해봤을 때 오프닝 트랙이 갖는 질주감 대신 차분한 비트에서 팝적인 어프로치와 멜로디를 얹는 곡들을 배치했기 때문입니다. The Black Halo(2005)의 1번 트랙인 March of Mephisto 역시 미들 템포 곡이었지만 2번 트랙인 When the Light are Down에서 다시 내달렸던 걸 생각하면 이례적인 트랙 배치입니다.

그리고 3번 트랙인 Citizen Zero는 굉장히 낯선 키보드 사운드 위에 묵직한 기타 리프, 오케스트레이션과 합창을 가미한 하이브리드 스타일의 곡인데 저는 굉장히 좋아하는 곡이지만 역시 기존의 카멜롯 사운드의 전형과 비교해보면 기괴하다고 느껴질 듯한 이미지를 선사하는 곡입니다. 선공개곡이기도 했던 4번 트랙인 Veil of Elysium에 가서야 전형적인 심포닉 파워 메탈식으로 내달리는 곡이 나오며, 이전의 카멜롯 스타일을 십분 활용하면서도, 저음부를 집중 공략한 도입부의 오케스트레이션이 인상적입니다.

발라드 트랙인 5번 Under Grey Skies는 플룻으로 시작하는 독특한 도입부와 더불어, 여보컬 Charlotte Wessel과의 듀엣으로 감미로운 서정성을 선사하는 곡입니다. 개인적으로 처음엔 그렇게 주목했던 곡이 아니었는데 라이브 앨범 나오기 전 공연 실황 비디오로 선공개된 걸 감상한 뒤론 급격히 선호도가 높아진 곡입니다. 6번 트랙 My Therapy는 전자음과 색다른 방식의 도입부 리프 이후 차분한 템포 위에서 하모닉스를 활용한 기타 연주로 알뜰하게 채운 곡으로 보컬과 기타의 퍼포먼스 역량이 집중된 곡으로 여러모로 카멜롯의 변화를 체험할 수 있는 곡 중 하나입니다.

개인적으로 선호하는 트랙들은 후반부에 몰려 있는데, 45초 가량의 오케스트레이션 도입부 Ecclesia에서 바로 이어지는 6/4박자 비트의 End of Innocence, 다이나믹한 리프와 비장한 선율을 여보컬과 주고 받는 Beautiful Apocalpyse를 지나면 앨범 최고의 명곡 Liar Liar (Wasteland Monarchy)가 나옵니다. 앨범 내에서 미세하게나마 가장 러닝 타임이 긴 곡으로 기타와 키보드, 오케스트레이션의 조화로운 사운드와 곡의 호흡 조절, 그리고 그로울링의 가미까지 본 앨범 내의 스타일을 집대성한 곡으로, 라이브 및 MV 축약 버전보다는 스튜디오 원곡을 무조건 듣기를 권합니다.

Here's to the Fall은 마지막 대단원인 Revolution을 앞두고 다시금 소강기에 들어서는 곡인데, 개인적으로는 없어도 무방한 곡이라고 생각합니다. Liar Liar - Revolution으로 바로 이어졌다면 앨범 전체의 후반부 클라이막스가 더 두드러졌을 거라 생각되네요. 다음 트랙 Revolution은 격정적인 인트로와 긴장감 있는 전렴 이후 피처링 아티스트 알리사 화이트(Alissa White-Gluz)의 그로울링을 포인트 삼아 공격적으로 밀어붙여 앨범 후반부의 절정을 찍습니다. 그리고 오케스트레이션으로 마무리하는 아웃트로 Haven.

다양한 스타일의 가미로 카멜롯의 근작 가운데서는 가장 높은 평을 받는 작품이지만, 정주행의 미학을 언급하셨던 분의 생각과는 달리, 전 이 앨범을 정주행하면서 듣는 편이 아니었습니다. 오히려 개별 곡의 개성과 파워가 더 돋보이는 작품이라 생각되어서 말입니다. 밴드는 이 앨범에서 도입한 갖가지 모더니티를 다음 작품 The Shadow Theory(2018)에서 하나의 컨셉트로 엮어냈는데, 2021년 중반에 나올 것으로 예상되는 차기 작품에서는 다시 이 앨범의 아성을 보여주는 작품이 나오기를 기대하며 재평을 마칩니다. ... See More