파워, 심포닉, 프로그레시브 메탈 좋아합니다.
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Angra, Stratovarius, Kamelot, Dark Moor
Rhapsody, Luca Turilli, Nightwish, Epica, Ancient Bards
Savatage, Dream Theater, Symphony X, Shadow Gallery, Superior, Evergrey, DGM, Darkwater

Turilli / Lione Rhapsody , Zero Gravity , Rebirth and Evolution
이 세 가지는 루카 투릴리와 파비오 리오네가 새롭게 합작하여 만든 이번 앨범을 수식하기 위해 모두 필요한 수사입니다. 본디 2017년 랩소디 20주년을 기념하며 랩소디의 역사를 고별하기 위해 6개월을 계획했던 투어가, 상업적 이해관계에 따라 해를 거듭하여 진행되었고, 이는 엉겹결에 루카와 파비오에게 새로운 시작을 위한 동기부여가 되었습니다. 원래 이들이 새롭게 시작하려 했던 밴드의 이름은 Zero Gravity였습니다. 그러나 뉴클리어 블라스트 관계자는 아예 새로운 밴드로서 밑바닥에서 시작하려면 어려울 것이라며 이들의 브랜드인 '랩소디'라는 이름을 계속 가져갈 것을 권유하였고, 그래서 일전에는 루카 한 사람의 랩소디(Luca Turilli's Rhapsody)였던 것이 루카와 파비오 두 사람이 이끄는 랩소디로서 Turilli / Lione Rhapsody가 되었습니다. 사실 20주년 라인업이 그대로 밴드 멤버로 이어진 셈이라 납득할만도 하죠. 원년 멤버 중 핵심 두 사람이 뭉친 새로운 랩소디는 오랜 팬들에겐 그야말로 폭발적인 이슈였을 것입니다.
루카와 파비오가 내세운 캐치 프레이즈는 Rebirth and Evolution, 재탄생과 진화입니다. 이들은 다른 랩소디로서 새롭게 탄생했지만, 음악적 방향성은 기존에 하지 않았던 완전히 새로운 것을 하겠다고 선언하였습니다. 단순한 파워 메탈을 만드는 것은 스튜디오에서 쿵짝쿵짝하면 금방 되는 일이지만 파워 메탈 밴드들이 천지에 널린 마당에 그건 스스로를 속이는 짓이라는 파비오의 단호한 메시지. 그래서 이들은 이번 작품에 파워, 심포닉, 프로그레시브 메탈에 오페라, 아트 록, 일렉트로닉, 민속음악 등 많은 요소들을 결합하였으며, 이들 스스로도 랩소디의 전통은 3~4할 정도 들어있을 것이라고 공언할 정도로 새로운 색채가 가득 채워졌습니다.
몇 가지 부각되는 점은 좀 더 프로그레시브 메탈적인 변박 패턴이 강조(1번 트랙 도입부의 7/8변박, 4번 트랙의 3/4박 도입부와 5/4박 후렴, 9번 트랙의 7/4-6/4-4/4-4/4 도입부)되고, 세계 각국의 민속 사운드, 그리고 보헤미안 랩소디로 대표되는 퀸의 음악을 파워 메탈 안에 녹여내려는 시도입니다. 이를 구현하고 있는 파비오 리오네의 보컬은 그야말로 일품이며, 일전에 여기 계신 어떤 분이 말씀하셨던 대로 파비오를 가장 잘 살리는 건 루카 투릴리라는 평에 매우 공감하게 됩니다.
이번 앨범의 또 하나의 강점은 사운드 포징과 믹싱. 전작에서 스테레오가 감당치 못하던 오케스트라는 어느 정도 절제되어 적정선에서 밀도를 채우면서도, 루카 투릴리 특유의 역동적인 감각이 여전히 유지되고 있습니다. 그리고 다운 튜닝을 활용하면서 이전보다 훨씬 헤비해진 기타와 이를 통해 저음 고음 모두 선명한 사운드로 전개되는 멜로딕한 프레이즈, 자리를 지키면서도 간간히 전방으로 나서며 듣는 재미를 부가하는 베이스와 탄탄한 드러밍으로 밴드 사운드가 매우 굳건합니다. 밴드+오케스트레이션의 밸런스는 가히 역대 최고라 할 수 있을 정도. DGM의 시모네 물라로니가 엔지니어링, 믹싱, 마스터링을 담당하였는데 미들 사운드를 강화하여 부드러우면서도 뭉게지지 않은 선명한 사운드를 보여줍니다.
가사 측면에서는 루카 투릴리의 악명 높은 라틴어가 거의 절삭되었고 한 곡에 여러 언어가 폭격하는 곡들이 없어졌습니다. 라틴어는 10번 트랙의 제목인 명사 Arcanum이 유일하고 해당 곡은 순수 이탈리아어입니다. 오페라 풍의 두 곡(보너스 트랙 포함 3곡)만 이탈리아어이고 나머지는 모두 순수 영어라서 전작의 허벌나게 높았던 진입장벽은 개선되었습니다. 수학, 기하학, 심리학, 초심리학 등의 소재를 차용했는데 이것들은 모두 새로운 시작을 하는 투릴리/리오네 랩소디 자신들을 노래하는 컨셉트라고 합니다.
그래서 이 앨범의 장르를 무엇이라 해야 하는가? 사실 좀 어려운 문제입니다. 너무 많은 것을 한 번에 우겨박았기 때문에, 이는 신선한 시도라 하겠지만 여러 가지가 섞여나오면서 종잡을 수 없게 되면 인상이 흐릿해진다는 단점이 있고 이는 몇몇 청자들에게도 지적되는 문제 같습니다. 연대기적 사운드를 기대했던 올드팬들은 Phoenix Rising, D.N.A. 나올 때 반응에서 얼추 볼 수 있다시피 이 현대적인 감각과 난해한 소재의 음악을 납득하지 못하는 경우도 종종 보입니다. 물론 이 사운드에 매우 만족한 저는 이번 작품을 프로그레시브 심포닉 (심포닉 프로그레시브가 아니라) 메탈이라 칭하고 싶습니다만, 계속해서 새로운 것을 시도하는 이들이 다음 작품에서도 과연 랩소디 전통의 심포닉을 이어나갈지는 미지수입니다. 그러나 이번 작품은 독립 이후 루카 투릴리의 작품 중 단연 최고라 생각됩니다.

랩소디 전통의 과거와 현재의 가교 Phoenix Rising
타이틀 트랙이자 이들의 노련한 사운드 감각과 새 시도가 어우러지는 Zero Gravity
드림시어터적 샘플 활용 등 프로그레시브성이 부각되는 Fast Radio Burst
파비오의 성악 창법이 제대로 부각되는 오페라풍의 Amata Immortale
퀸의 랩소디식 재해석 I Am
웅장함의 절정이자 작곡가 주세페 베르디에 대한 헌정곡 Arcanum (Da Vinci's Enigma)

Best Tracks - Zero Gravity (3) , Arcanum (Da Vinci's Enigma) (10) ... See More

루카 투릴리의 랩소디 그 두 번째 작품. 여느 때와 달리 3년이라는 기나긴 텀을 두고 발매되었습니다. "시네마틱 메탈"이라는 슬로건은 계속되어 이번 작품에서는 전작이 무색할만큼 놀라운 사운드를 보여주고 있습니다. 이 작품은 루카 투릴리에게 있어서 맥시멀리즘의 결정체입니다. 물론 그것은 양면성을 내포합니다. 극도의 웅장함, 그것은 지나쳐서 피곤함을 유발하기도 하고, 컨텐츠의 현학성과 난해함 역시 역대 커리어 사상 최고조를 찍습니다. 앨범 전체의 컨텐츠를 이해하기 위해선 성경의 요한계시록, 장미십자회, 아나하타 차크라, 그리스 신화, 반지의 제왕, 구약 이스라엘의 역사, 북유럽 창조신화 등에 대한 이해와 라틴어, 이탈리아어 소양이 필요합니다. 어지간한 프로그레시브 메탈 뺨치는 난이도입니다.
루카 투릴리가 표방하는 이 시네마틱 메탈과, 흔히 메탈씬에 포진해있는 심포닉 메탈과 차이를 구분하자면, '공간감'을 기준으로 볼 수 있습니다. 심포닉을 키보드에 부속된 부수적인 포맷으로 삼고 밴드 사운드를 정면으로 미는 사바타지나 심포니 엑스, 그들에게 영향을 받은 앙그라나 카멜롯 같은 경우 심포닉 사운드가 사운드의 후방과 행간을 채워줌으로써 밀도 있는 음악을 형성하고 있고, 나이트위시나 에피카 같은 경우에는 오케스트라가 전방에 튀어나와 밴드를 집어삼킬 정도의 사운드를 내는데, 선배 밴드들의 특징을 잘 흡수한 에피카 같은 경우는 밴드와 오케스트라의 힘 균형이 매우 잘 맞춰져 있고, 양쪽 모두가 하릴없이 전방으로 튀어나오며 매우 꽉 들어찬 느낌을 선사합니다.
그런데 이 앨범을 들어보면 오케스트라의 선율이 분명하게 들려오는 게 아니라 멀리서 흐릿흐릿하게 들려온다는 인상을 받는데, 이 앨범의 사운드가 보다 넓은 공간, 거리를 상정하고 있다는 것을 보여줍니다. 그렇기에 이 앨범은 그 사운드를 담아내기에는 공간이 모자라서 묻힌 사운드가 있었거나, 아니면 공간은 충분했지만 산출물을 출력할 음향이나 믹싱의 문제 등 엔지니어링의 한계로 아쉬운 앨범이라 하겠습니다. 사실 더 넓은 공간을 상정했을 때 루카 투릴리가 내는 아이바네즈의 얇은 기타 톤은 별로 힘을 못 쓰는 것 같다는 약점도 느껴집니다. 이번 앨범에서 제법 기타가 두꺼워졌는 데도 말입니다.
그럼에도, '시네마틱 메탈'이라는 제목에 걸맞는 영화적인 사운드는 전작의 상승가도를 계승하여 발전에 발전을 거듭했고, 그 절정을 보여주는 것이 마지막 트랙의 후렴과 3부입니다. 처음 들었을 때 '내가 블록버스터 영화를 보고 있는 게 아닌가' 착각할 정도로 실로 영화 같은 사운드를 들려줍니다. 아무 이유없이 웅장한 것이 아니라 '시네마틱'이라는 명분으로 다가오는 웅장함은 웅장함을 넘어서 청자를 집어삼키는 '압도'를 보여준다는 것이 이번 앨범의 강점. 루카 투릴리는 이 앨범을 통해 비록 한계가 있기는 하지만 심포닉 메탈의 새로운 포맷을 창조했다 또는 시네마틱 메탈이라는 새로운 장르를 창조했다고 할 수 있습니다.
그리고 이 작품을 통하여 자신이 지휘할 수 있는 사운드의 정도를 체험해본 루카 투릴리는, 4년 뒤 실로 완전체에 가까운 작품을 만들어냈습니다. ... See More

약 5년 전 대학 선배로부터 드림시어터를 추천 받으면서 2집 Images and Words와 더불어 추천받았던 앨범. 이미 랩소디를 통해 스토리라인이 있는 컨셉트 앨범은 익숙했기에 어렵지 않게 접근할 수 있었습니다. 이 당시만 해도 드림시어터는 대단하긴 한데 복잡하고 서커스한 연주만 하는 밴드 정도로 제게 인식되어 있었는데 이 앨범 듣고 그 생각이 산산조각 났습니다.

Overture 1928은 지금도 드림시어터 투어에서 셋리스트의 오프닝으로 자주 선정될만큼 전개가 뛰어나며 2집의 메트로폴리스 Pt.1의 선율을 이어 받는 기타 솔로로부터 이어지는 서정적인 분위기가 일품. 거기서 자연스럽게 이어지는 Strange Deja Vu까지, 초반부의 호흡을 사로잡은 뒤 이어지는 테크닉의 향연.
그리고 Home에서 시작되는 데카당스한 분위기에서 최고의 기악곡 Dance of Eternity 뒤로 One Last Time-Spirit Carries On은 최고의 발라드 라인. 그리고 치정극의 비극적 결말을 그려낸 Finally Free의 아이러니한 분위기 속 기타 솔로는 필링에 매우 충만합니다.

그리고 마지막의 노이즈는 다음 작의 The Glass Prison으로 이어지며 이들의 명반 뒤를 잇는 퍼즐 놀이가 시작되죠. 명실상부 중반기 드림시어터의 시작을 알리는 작품이자 중반기 최고의 작품.

엘가로드 연대기의 성공적인 마무리를 지었다는 것만으로도 높은 평가를 받을 만한 가치가 있는 작품입니다. 중간에 활동 중지 기간 등 슬럼프가 있었음에도 돌아와서는 단 1년 만에 3장의 챕터를 훌륭한 작품들에 녹여냈으며, 이 앨범도 이전과는 다른 신선한 느낌으로 존재감을 표출합니다.

사운드의 전반적인 궤도는 지난 The Frozen Tears of Angels와 유사합니다. 밴드 연주를 전방으로 내세우고, 오케스트레이션은 후방에 포진되어 있습니다. 그리고 이전작에서 보여줬던 프로그레시브한 연주는 이번 작품에서 보다 적극적인 모습을 보입니다. 엘가로드 연대기 1부 작품들의 스케일이 점차 커지는 구성을 보였다면, 2부 작품들은 오히려 반대의 흐름을 보이는데, 그러면서 이들의 연주력은 더욱 진화하고 있다는 것이 좋은 점.

오케스트레이션 대신 시작부터 튀어나오는 기타가 인상적인 인트로, 이어서 상당히 인상적인 리프를 보여주는 타이틀 트랙, 베토벤 소나타에서 선율을 따왔으며 이탈리아어로 된 최초의 달리는 곡 Tempesta di Fuoco, 사막의 황량하고 공포스런 분위기를 몽환적으로 구사한 Ghosts of Forgotten World, 스크리밍 창법과 프로그레시브한 연주로 공격성을 보여주는 Aeons of Raging Darkness, 인트로의 오케스트라와 합창으로 분위기를 단번에 사로잡는 I Belong to the Stars, 기교적인 도전을 이뤄낸 Tornado까지, 각 곡들의 개성이 넘칩니다.

마지막 곡 Heroes of the Waterfalls' Kingdom은 장장 19분 40초를 5부로 나누어 민속적 분위기의 1부, 자유연합과 블랙 오더의 충돌을 비장하게 그려낸 2부, 그 틈을 타 하-쿠운으로 달려가 일식 직전 타노를 부활시키려 분주한 백룡의 기사단을 긴장감 있는 기타 아르페지오로 묘사하는 3부, 일식과 함께 부활하는 네크론의 일곱 악마와 맞서는 기사단원들과 타노의 최후의 전투와 그 결과를 그려낸 4부, 그리고 마지막 어둠의 비밀이 밝혀지며 신성하고 희망적인 결말로 나아가는 5부까지. 처음 들으면 진짜 한 편의 영화를 보는 듯한 긴장감이 넘칩니다.

아무래도 한번에 와닿는 트랙들이 없어서 접근성이 좋지는 않은 앨범입니다만, 상술했듯 엘가로드 연대기의 성공적인 마무리만으로도 고평가할만 하며, 연주는 전혀 흠 잡을 데가 없는 앨범입니다. 이 앨범의 진짜 진가는 아무래도 이들이 노래한 다크 시크릿 사가와 현실의 알레고리가 좀 더 규명이 될 때 평가될 수 있지 않을까 합니다. ... See More

"심포닉 파워 메탈"의 무게 중심이 "심포닉"으로 옮겨가는 기점에 있는 작품입니다. 사실 파워 메탈에서 실제 오케스트라를 채용하는 방법은 여러가지 위험성을 안고 있습니다. 그건 모든 심포닉 메탈 밴드들의 숙제이죠. 오케스트레이션과 밴드의 비중을 적정선에서 조율하는 것이 그 과제인데, 랩소디의 이 작품은 최초로 풀스코어 오케스트라를 동원하였기에, 이전의 세션 단위와 사운드 포징의 난이도는 달랐을 것입니다. 이번 작품은 랩소디의 이후 작품들과 비교해봐도, 가장 빵빵한 사운드를 보여주고 있는데, 밴드 연주를 제외한 나머지 공간을 오케스트라가 모조리 채워넣고 있기 때문입니다.

이 앨범의 방향성을 가장 잘 보여주는 부분이 2번 트랙 Unholy Warcry의 서주. 선명한 멜로디의 리프가 튀어나와 주도하는 대신, 기타는 파워 코드로 낮게 깔리고 오케스트라의 웅장한 리드와 합창의 동반을 통해 오케스트라와의 합주가 이 앨범의 핵심 요소임을 각인시켜줍니다. 그럼에도 파워 메탈적 색채를 잃지 않고, 무려 3부분으로 나뉜 정교한 기타 솔로를 보여주며, 다른 곡들에서도 기타와 키보드의 솔로 대결을 통해 밴드 연주적으로도 화려한 느낌을 주고 있습니다.

오케스트라와 합창, 그러면서도 파워 메탈적 연주의 향연을 가장 잘 집약시켜주는 트랙이 6번 트랙 Erian's Mystical Rhymes입니다. 랩소디 사상 최고로 웅장한 인트로, 오케스트레이션과 맞물리면서도 기타는 다이나믹한 리프와 프레이즈를 구사하면서, 8비트 단위로 박자를 비트는 연주에, 그 동안 잘 부각되지 않았던 베이스 솔로를 필두로 솔로 배틀까지 모두 보여주고 있습니다. 라이브에서도 자주 연주될 정도로 밴드지향적인 곡으로, 개인적으로 이 앨범에서 베스트로 꼽는 곡.

그리고 마치 짧은 오페라에 교향곡 한 악장 정도가 절묘하게 섞인듯, 오케스트레이션과 밴드 연주가 주고 받는 모습을 보여주는 9번 트랙 Scared Power of Raging Wind는 이들의 네오 클래시컬 터치가 최고로 부각되어 있으며, 11번 트랙 Shadows of Death는 앨범의 마무리를 앞두고 정신없는 솔로 배틀로 귀를 즐겁게 해줍니다.

이전보다 콤팩트한 곡 구성과 멜로디 대신 좀 더 웅장함에 힘을 줘서 약간 느슨해지거나 부담스런 면모가 있는 것은 분명합니다만, 이들의 음악적 지향성에는 가장 가까운 모습을 보인 앨범이라 생각합니다. 다만 이후로 평가가 떨어지는 것은 이들이 이어나가는 엘가로드 연대기 2부의 플롯 자체도 이전에 비해 루즈하기 때문일 것입니다. 다크 시크릿 사가의 주요 플롯은 반지의 제왕과 상당한 유사점을 두고 있습니다. (사우론-네크론, 절대반지-7번째 흑서, 이실두르-에리언, 아라고른-다거, 이라스-간달프, 모르도르-블랙 오더 / 펠렌노르 평원의 전투-FCTE의 대규모 전투_9번 트랙 2부, 모란논 평원의 전투-하-쿠운의 마지막 전투_9번 트랙 4부 등) 다만 줄거리 자체가 별로 없기 때문에 서사에 기승전결의 완급이 부족하고 루즈하다는 점이 이 다음 작품 Triumph or Agony에서 집중적으로 표출되고 있죠. ... See More