고딕 메탈의 새로운 정의

90년대 들어 Paradise Lost, My Dying Bride 등등을 필두로 한 몇몇 밴드들이 고딕 메탈을 탄생시킨 이후 고딕 메탈은 기존의 데스-둠 메탈 스타일에서 벗어나 독자적인 노선을 걷게 되었다. 한편 미국의 Type O Negative나 스웨덴의 Tiamat, 노르웨이의 Theatre of Tragedy같은 밴드들 또한 독자적인 고딕 메탈 스타일을 정립해나갔고, 고딕 메탈의 발전에 기여했다. 90년대 중후반 전성기에 다다랐던 고딕 메탈은 시간이 지나며 점차 쇠락하는 모습을 보여주었다. 이후 많은 밴드들이 해체하거나 혹은 탈 메탈 내지는 심포닉 메탈로 변화하면서 고딕 메탈은 점차 ‘고인물화’되는 경향을 보여주었다. 물론 Draconian처럼 2000년대 이후 주목받기 시작한 밴드들도 몇몇 있기는 했지만, 현재 고딕 메탈은 90년대 그 당시부터 활동해온 밴드들 위주로 명맥을 이어가고 있는 수준이다.

이러한 와중에 혜성처럼 등장한 Tribulation은 고딕 메탈의 새로운 방향성을 제시해 주었다고 봐도 무방할 만큼 이전까지와는 다른 독특한 고딕 호러풍 스타일을 구축하는 데 성공해냈다. 본래 블랙/스래쉬적 요소가 일부 가미된 데스 메탈 밴드로 시작한 이들은 1집 The Horror로 상당한 호평을 받으며 매니아들의 눈길을 끌었었다. The Horror는 자국 스웨덴의 Repugnant(현재는 록 스타급으로 성장한 Ghost의 Tobias Forge가 조직했던 밴드이다.)와 Morbid Angel, Necrophobic, Merciless등의 고전적 스타일을 계승한 으스스한 분위기의 데스 메탈로 강렬한 인상을 남겨 주었었다. 한편 4년여 만에 발표했던 2집 The Formulas of Death에서는 전혀 다른 스타일로의 변화를 꾀했다. 1집의 과격하고 직설적인 스타일 대신 보다 프로그레시브/사이키델릭적으로 변화한 2집은 전에 없던 독특한 스타일로 더욱 독자적인 영역으로 파고들어갔던 작품이었다.

다시 2년이 지나 발매한 3집 Children of the Night에서는 또다시 확 변한 스타일을 보여주었는데, 이번에는 기존의 보컬 스타일과 으스스한 분위기 정도만을 남기고 실질적으로는 고딕/헤비 메탈에 가까운 스타일로 환골탈태를 선보였다. 이 앨범은 90년대부터 꾸준히 이어져 온 기존의 어떠한 고딕 메탈 스타일과 비교해 보더라도 뚜렷한 차이점들을 지니고 있다. 우선 데스-둠 계열에서 갈라져 온 전통적인 고딕 메탈과는 물론이고, 심포닉 고딕 계열이나 심지어 Type O Negative같은 독특한 개성을 지녔던 부류와 비교해 봐도 상당한 차이점을 보여주었다. 그렇다면 이 앨범의 뿌리를 찾기 위해서는 어디로 거슬러 올라가야 할까? 그 해답은 80년대 고딕 록의 대부 The Cure에 있다고 본다.

초기엔 포스트 펑크 밴드로 출발하여 80년대 Pornography, Disintegration등의 명반을 발표하며 고딕 록을 대표하는 밴드로 자리잡게 된 The Cure는 이후 고딕 메탈 전반에 직·간접적인 영향력을 떨쳤다. 하지만 고딕 메탈이 독자적인 장르로 떨어져 나온 이후 고딕 메탈 밴드들은 굳이 고딕 록까지 거슬러 올라가는 대신 이미 정립된 고딕 메탈 내에서 영향을 받는 경향이 많았다. 그러나 이 앨범의 경우에는 기존의 고딕 메탈 밴드에 대한 영향력보다도 대선배인 The Cure의 영향력이 보다 직접적으로 느껴지는 사운드를 들려주었고, 이에 ‘고딕 메탈’로서는 전에 없던 새로운 스타일의 창조를 가능케 했던 것이다. 실제로 이들은 The Cure의 One hundred years를 커버한 적이 있는 만큼 The Cure가 이 앨범에 미친 영향력은 크다고 볼 수 있겠다.

한편 고딕적 색채 밖으로는 이들은 앞서 언급한 올드스쿨 데스 메탈 선배 밴드들과 마찬가지로 자국 스웨덴의 블랙 메탈 밴드 Watain의 영향을 복합적으로 받은 것 같다고 느껴졌다. 그리고 여기에 1, 2집을 거치며 쌓아온 자신만의 개성이 더해졌으며, 음악 외적으로는 고전 고딕 호러 영화들과도 상당한 연관성을 지닌다고 생각한다. 하지만 가장 중요한 것은 이러한 장르를 넘나드는 다양한 영향을 바탕으로 하여 전에 없던 독창적이고 신선한 고딕 메탈을 만들어냈다는 것이다.

음산한 건반 멜로디와 함께 시작하는 Strange Gateways Beckon은 이내 비장미 가득한 전개로 1, 2집과는 전혀 다른 새롭게 태어난 스타일의 느낌을 단번에 확인시켜준다. 또한 유려한 멜로디의 솔로와 처절한 분위기로 강렬하고도 독특한 첫인상을 남겨 준다. 한편 보다 템포를 올리는 Melancholia는 본작에서 가장 캐치한 매력을 뽐내는 킬링 트랙으로, 연이어 등장하는 매력적인 멜로디로 단번에 빠져드는 마력을 뿜어낸다. 또한 중반부에서 분위기를 점차 고조시킨 뒤 잠시 잔잔해졌다가 솔로가 터져 나오며 다시 감수성을 폭발시키는 잇따른 전개는 그야말로 최고라고 말할 수 있겠다. 한편 The Cure의 Love Song 같은 느낌도 주며 그들의 영향력을 체감할 수 있는 곡이기도 했다.

3번째 곡 In the Dreams of the Dead는 조용하게 시작했다가 이내 강렬한 전개로 돌입하며, 마찬가지로 처연함이 느껴지는 멜로디와 분위기, 그리고 자연스러운 완급조절이 돋보이는 역동적인 구성 모두 인상적이었다. 마찬가지로 4번 트랙 Winds또한 처절한 감수성과 지루하지 않게 이끌어나가는 전개가 돋보인 훌륭한 곡이었다.

한편 앨범의 정중앙에 위치하는 연주곡 Själaflykt는 고딕 호러풍의 비장미를 극대화시키며 앨범의 품격을 더욱 높여 주는 곡이었다. 특히 클린톤 기타와 키보드의 적절한 활용이 깊은 인상을 남겨 주었다. 6번 The Motherhood of God는 Melancholia와 함께 앨범 내에서 가장 캐치한 곡으로, 도입부부터 The Cure를 연상시키는 몽환적인 멜로디로 귀를 사로잡는다. 이후로도 빈틈없는 전개와 완벽한 마무리까지 어느 하나 흠잡을 곳 없는 또 하나의 킬링 트랙으로서의 존재감을 과시했다.

반면 잔잔한 분위기로 전환되는 Strains of Horror에선 1집 The Horror의 8번 트랙 Seduced by the Smell of Rotten Flesh에서 사용했던 부드럽고도 음산한 멜로디를 활용하여 고딕 호러풍의 느낌을 더욱 강조했다. 또한 후반부에서 멋드러진 솔로가 터져 나오며 쓸쓸한 감수성을 더욱 북돋아 주는 등 이 곡 역시 후반부의 킬링 트랙이라고 할 수 있는 명곡이었다. 한편 2, 6번 곡과 마찬가지로 보다 캐치한 면모가 두드러지는 Holy Libations역시 매력적인 리프들과 탄탄한 짜임새로 거장의 여유마저 느낄 수 있었다.

마지막을 준비하기 위한 짤막한 연주곡인 Cauda Pavonis도 단순한 필러 트랙으로 취급하기엔 워낙 매력적인 분위기가 마음에 들었다. 마지막 곡 Music from the Other는 다시 한번 비장미 넘치는 도입부로 마무리에 어울리는 장중한 분위기를 조성하며, 처연하고 처절하지만 동시에 은은한 분위기 속에서 강렬한 클라이맥스와 함께 앨범을 끝맺었다.

앨범 전반적으로 고딕 메탈 특유의 어둡고 처연한 느낌이 깔려 있으면서도 비교적 캐치하고 빠른 템포의 Melancholia나 The Motherhood of God같은 곡으로 기존의 고딕 메탈 스테레오타입과도 뚜렷하게 구분되는 면모를 보여주었다. 또한 단순히 립서비스가 아니라 진심으로 버릴 곡 하나 없는 수준의 뛰어난 완성도가 돋보이는 곡들로 채워져 있으며, 완급조절에도 힘써 한 시간 가까운 앨범 내내 지루함을 느낄 수 없었다. 여기에 고딕 호러 영화를 연상시키는 으스스하고 비장미 넘치는 독특한 분위기와 멜로디 등으로 독보적인 개성을 보여주기도 했다.

앞서 언급했듯 이 앨범은 The Cure의 고딕 록 스타일에 상당한 영향을 받은 것 같았으며, 보컬 등은 Watain같은 밴드의 영향력이 느껴졌다. 그뿐 아니라 1, 2집을 거쳐 오며 쌓아온 이들의 노하우가 곳곳에서 녹아들어 있었다. 보다 직설적인 데스 메탈 스타일을 추구했던 1집이나 사이키델릭적 면모가 두드러졌던 2집에서도 이 앨범의 성향과 다르지 않은 고딕 호러적인 특성을 찾아볼 수 있는데, 이러한 점들이 복합적으로 모여 탄생한 것이 이 앨범이었다고 생각한다.

이 앨범이 갖는 가치는 2010년대 이후 그야말로 ‘고인물화’가 진행되고 있는 고딕 메탈 장르에 하나의 신선한 충격으로 다가올 수 있다는 점이다. 정통 데스-둠 계열 고딕이든 심포닉 고딕 계열이든 고딕 메탈은 여전히 신선한 시도가 계속되어오고 있는 여타 익스트림 메탈 장르에 비해 더욱 정체된 경향을 보여주고 있다. 이러한 시점에서 등장한 이 앨범은 데스-둠 기반 고딕이나 심포닉 고딕 모두와도 차별화되는 뚜렷한 개성을 지니고 있는 작품이었다. 다시 말해 The Cure가 정립한 고딕 록 스타일의 느낌부터 시작해서 블랙, 데스 메탈 밴드들의 영향력을 고루 흡수한 이들의 성향이 모두 녹아들어 탄생한 새롭고 독창적인 고딕 메탈이었던 것이다.

그리하여 이들은 전에 비해 더욱 큰 성공을 거두었으며, 그리하여 후속작이자 최근작인 4집 Down Below에서 이들만의 고딕 메탈 스타일의 정립을 이루어내고 다시 한번 좋은 평가를 받았다. 또한 이들은 작년 Arch Enemy와 함께 투어를 돌 정도로 성장했으며, 현재까지도 활발한 활동을 이어가고 있다. 한편 이들의 파격적인 변화와 성공은 다른 밴드들에게도 상당한 영향을 미친 것으로 보인다. 작년 데스 메탈에 서던 록 등의 면모를 더한 파격적인 시도로 호평받았던 Chapel of Disease의 3집이나, 프로그레시브적 면모를 더욱 강조했던 Horrendous의 4집 같은 경우를 예로 들 수 있겠다.

마지막으로 이들을 더욱 주목하게 만드는 추가적인 요인은 이들이 아직 30대 초반의 젊은 나이라는 것이다. 드러머를 제외한 세 명의 원년 멤버들은 2001년 고작 12~13세 무렵의 어린 시절부터 밴드의 전신이었던 Hazard라는 스래쉬 메탈 밴드를 결성했었고, 2004년부터 Tribulation으로 이름을 바꾸어 활동해왔다. 이처럼 이들은 20여 년 가까이 오랫동안 함께해 왔으면서도 여전히 30대 초반의 비교적 젊은 나이이기 때문에 앞으로도 그동안의 경험을 바탕으로 더욱 발전할 가능성은 얼마든지 존재한다고 봐도 무방할 것 같다.

결국 이 앨범은 90년대 초 이래 20년 이상 이어져 온 고딕 메탈의 스테레오타입에서 근본적으로 벗어난 독창적이고 신선한 작품이었다. 여기에 앨범 자체의 완성도 또한 딱히 흠잡을 데 없이 출중했던 만큼 작품성과 독창성 모두를 잡아낸 2010년대 최고의 메탈 앨범 중 하나라고 생각한다.

100/100

P.S. 메킹에는 이 밴드의 3, 4집 장르가 각각 데스, 테크데스로 등록되어 있는데 수정이 필요해 보입니다. ... See More

‘한국판 OOO'라는 수식어를 넘어서

국내 록/메탈 밴드들에게 가장 흔히 뒤따른 수식어 중 하나는 일명 ‘한국판 OOO', 즉 해외 유명 밴드의 사운드를 현지화시키는 데 성공했다는 표현일 것이다. 이러한 표현은 대개 세계 굴지의 밴드들에 맞먹는 음악을 국내에서도 구축했다는 칭찬으로 받아들여지지만, 어떻게 보면 이는 결국 그러한 밴드들이 이미 정립한 스타일에서 벗어나지 못했다는 비판으로 볼 수도 있다.

이에 많은 국내 밴드들은 해외 밴드들에게는 없는 자신만의 스타일을 구축하기 위해 실험을 이어갔다. 그중 일부 밴드들은 국악으로 눈을 돌렸고, 이 결과 록/메탈과 국악의 크로스오버 혹은 국악과 한국의 전통적 소재에 영향을 받은 작품들이 탄생했다. 하지만 이러한 시도들은 쉽게 빛을 발하지 못했다. 물론 새드 레전드나 도깨비 같은 밴드가 독특한 한국적 정서를 담아내며 훌륭한 음악을 선보이기는 했지만, 오직 소수의 팬들만이 그들의 음악을 알아주었을 뿐이었다(물론 이는 익스트림 메탈의 장르적 한계라고 볼 수도 있기는 하다). 극히 드물게 故 신해철의 ‘Into The Arena’같은 곡이 국내에서 상당한 파급력을 발휘하는 경우가 있었으나, 국악과 록/메탈의 결합은 쉬운 일이 아니었다.

이러던 와중에 말 그대로 혜성처럼 등장했던 잠비나이는 몇 년 사이에 단순히 록/메탈과 국악의 크로스오버뿐 아니라 퓨전 국악 전반에 걸쳐 귀감이 되었다. 정규 1집 ‘차연’이 제 10회 한국대중음악상 최우수 크로스오버 부문에서 수상했고, 정규 2집 ‘은서’는 해외에서도 상당한 주목을 받으며 잠비나이의 이름을 알려 나가고 있다. 이들은 국내뿐 아니라 글래스톤베리, 헬페스트 등 해외의 굵직한 음악 페스티벌을 비롯해 여러 국가에서 활발하게 활동해오고 있으며, 특히 지난 2018년 평창 동계올림픽 폐막식 무대에 서기도 했다.

이처럼 국내에서 대중적으로 주목받기 이전에 해외에서 이미 입지를 차곡차곡 쌓아오고 있는 이들은 지난 6월 정규 3집 ‘온다’로 컴백해 건재함을 알리는 동시에 보다 새로운 면모를 보여주었다. 이전 앨범들과 마찬가지로 상당한 호평을 받고 있는 이번 작품은 1, 2집에서 보여준 잠비나이만의 특색에 이전과는 또 다른 시도가 돋보인 앨범이었다.

첫 번째 곡 ‘Sawtooth’는 이전 1, 2집과 마찬가지로 앨범의 포문을 여는 킬링 트랙이다. 다만 3분 남짓했던 ‘소멸의 시간’이나 ‘벽장’과는 달리 7분이 넘어가는 이 곡은 우선 조용하게 시작했다가 해금을 비롯한 악기들이 점차 모습을 드러내며 분위기를 고조시켜나간다. 이후 잔잔하면서도 스산한 분위기 속에서 곡이 진행되다가 갑자기 격렬한 기타 리프가 터져 나오며 분위기가 절정에 달한 후 곡이 마무리된다.

앨범 발매 이전 가장 먼저 공개되었던 ‘Square Wave’는 잠비나이의 곡들 중에서 비교적 접근성이 높다고 할 수 있는 곡으로, 부드러운 여성 보컬과 몽환적인 분위기가 인상깊은 트랙이다. 다만 유독 이 곡은 기타 톤이 어딘가 어색하다는 느낌이 들기도 했지만, 그 점만 제외하면 역시 좋은 곡이었다. 한편 불안정한 도입부가 두드러지는 세 번째 곡 ‘사상의 지평선’은 처절하게 울부짖는듯한 해금의 연주와 차곡차곡 쌓아 올리는 기타 리프의 조화가 인상적이었다.

2번 곡에 이어 이번에는 혼성 보컬을 시도한 ‘검은 빛은 붉은 빛으로’는 광기 어린 연주와 보컬이 서로 주고받으며 잠비나이만의 독특한 개성을 잘 드러낸 또 하나의 킬링 트랙이었다. 다섯 번째 곡 ‘나무의 대화’는 13분이 넘어가는 대곡이다. 확실하지는 않으나 2010년 발매된 EP ‘잠비나이’의 마지막 곡이었던 ‘나무의 대화 2’를 리메이크한 것 같았다. 곡은 우선 잔잔한 분위기 속에서 조용하게 흘러가며 판소리스러운 보컬이 등장해 분위기를 끌어올리며, 이후 후반부 전개에서 조금씩 고조되는 분위기로 은은한 전개를 펼쳐나간다.

쓸쓸한 분위기 속에서 시작하는 ‘작은 위로가 있는 곳에’는 곡 후반부의 연주 파트에서 처연한 감수성을 한 번 더 폭발시키며 훌륭한 끝맺음을 선보였다. 그리고 짤막한 전주곡 이후 이어지는 마지막 곡 ‘온다’는 거문고와 드럼이 비장한 분위기를 만들어내며, 다시 한번 혼성 보컬이 등장해 더욱 스케일을 키웠다. 이후로도 분위기를 이어가며 웅장한 분위기 속에서 유종의 미를 거두며 앨범을 마무리했다. 특히 분위기가 최고조에 달하는 마지막 클라이맥스 부분이 깊은 인상을 남겨 주었다.

앨범 전체적으로 볼 때 이번에도 역시 잠비나이만의 특색이 잘 드러나는 음악을 들려주고 있었다. ‘Sawtooth’나 ‘온다’ 같은 눈에 띄는 킬링 트랙과 전반적인 분위기와 구성 모두 지난 앨범들과 마찬가지로 뛰어났다. 이번 3집에서 눈에 띄는 새로운 시도는 가장 먼저 보컬 스타일의 변화를 들 수 있겠다. 우선 ‘Square Wave’처럼 처음으로 여성 보컬이 주도하는 곡들이 등장했고(물론 1집의 수록곡인 Grace Kelly에서 여성 보컬을 사용한 적 있기는 하지만 이번 앨범과 같은 적극적인 방식은 처음이었다), 여기에 혼성 보컬 또한 활용하는 등 전반적으로 보컬이 차지하는 비중이 상대적으로 커졌다는 것을 알 수 있었다. 또한 ‘나무의 대화’처럼 10분이 훌쩍 넘는 대곡을 비롯하여 구성 면에서도 다소 변화를 주었다.

그리하여 전작에 비해 부분적으로는 보다 밝고 부드러운 인상을 주었지만, 여전히 무시무시하고 광기 어린 측면 또한 부각되었다. 개인적으로는 2집 '은서'를 약간 더 좋게 들었지만, 이번 작품 역시 전 세계에서 오직 잠비나이만이 구사하는 독특한 스타일을 잘 살려낸 올해의 수작 중 하나라는 데에는 의심이 없다. 초기 스타일을 유지하는 것도 좋지만, 이런 식으로 조금씩 변화를 주는 것 역시 지속적으로 새로움을 추구함으로써 보다 나은 음악을 위해 노력하는 것으로 보였기에 계속 변화를 거듭하는 이들의 실험정신을 높게 평가하고 싶다.

이들이 이룬 가장 큰 성취는 앞서 서두에서 언급한 소위 ‘한국판 OOO’라는 훈장 겸 낙인에서 탈피했다는 것이라고 생각한다. 이때까지 국내에서도 많은 록/메탈 밴드들이 우수한 음악을 들려주었지만, 먼저 등장한 해외 뮤지션들의 그림자에서 벗어나기란 쉬운 일이 아니었다. 그리하여 해외의 선배들이 시도하지 않았던 국악과의 크로스오버를 통해 독자적인 음악을 추구하려 했지만, 이 또한 쉬운 일은 아니었다. 하지만 잠비나이가 마침내 전 세계에 둘도 없는 국악과 록/메탈 사운드의 크로스오버를 성공적으로 이루어 냄으로써 가장 한국적이면서도 동시에 세계적인 스타일을 정립해냈다. 그리하여 ‘한국판 OOO’라는 수식어 없이 오직 ‘잠비나이’라는 이름을 당당히 알려 나가고 있는 것이다.

‘가장 한국적인 것이 가장 세계적인 것이다’라는 말은 뻔하지만 본질적인 의미를 담고 있다고 생각한다. 아무리 기존 해외 예술가의 스타일을 본받아 비슷한 수준의 작품을 만들어낸다고 하더라도 그에 대한 평가가 웬만해서는 본래의 스타일을 넘어서기 어렵다고 본다. 따라서 단지 내수를 위한 것이 아니라 해외에서도 먹히는 것을 만들기 위해서는 반드시 차별화가 필요한 것이다. 물론 이러한 차별화의 방식은 무척 다양한 방식으로 이루어질 수 있지만, 방법이 많다고 해서 결코 쉬운 일은 더욱 아니다. 하지만 결국 잠비나이는 국악과 록/메탈 사운드를 절묘하게 결합함으로써 마침내 차별화를 이룩해내는 데 성공했고, 현재도 조금씩이기는 하지만 꾸준하게 그 명성을 넓혀가고 있다,

이러한 잠비나이의 성공은 단지 국내의 록/메탈 장르뿐 아니라 퓨전 국악 전반에 걸쳐 경종을 울릴 만한 본보기가 될 수 있다고 생각한다. 한 가지 아쉬운 점은 이들이 아직까지도 국내에서 크게 주목을 받지 못하고 있다는 것이다. 심지어 작년 평창 동계올림픽 폐회식 무대에 서기도 했던 이들이 여전히 대중의 주목을 받지 못하고 있는 이유는 사실 간단하다. 애초에 퓨전 국악이든, 포스트 록이든 간에 잠비나이의 음악 스타일 자체가 현재 대중의 트렌드와는 가능한 한 멀리 떨어져 있기 때문이다. 그럼에도 이들은 이번 3집 ‘온다’를 통해 갑작스럽게 대중 친화적 방향으로 노선을 트는 것이 아니라 여전히 독자적인 스타일의 정립과 확대에 몰두해 있음을 증명했다. 그리하여 이들은 지금 이 순간에도 조금씩 입지를 다져나가며 독보적인 음악적 위치를 향해 한 걸음 한 걸음 나아가고 있는 것이다. 앞으로도 이들의 진보가 계속될 수 있기를 바란다.

94/100 ... See More

90년대의 끝, 올드스쿨의 종말?

80년대 중후반 무렵 서서히 탄생하기 시작한 데스 메탈은 80년대 말 이후 스래쉬와는 또 다른 독자적인 장르로의 길을 걷게 되었다. 90년대에 들어서는 본격적으로 장르의 세분화가 이루어지며 다양한 데스 메탈 밴드들이 저마다의 개성과 실력을 뽐냈다. 한편 이러한 올드스쿨 데스 메탈의 사조 중에서 소위 ‘뉴욕 데스’라고도 불리는 밴드들 또한 데스 메탈의 세분화와 발전에 크게 기여했다. 그중에서도 Immolation과 Incantation은 올드스쿨 데스의 거목으로 추앙받으며 현재까지 그 명성을 이어오고 있다.

이번 리뷰의 주인공인 Immolation은 1988년도에 결성하여 30년이 넘도록 꾸준히 활동해오고 있는 베테랑이다. 이들은 정규 데뷔작 Dawn of Possession로 올드스쿨 데스의 한 획을 그었으며, 이후 5년여 만에 2집 Here in After로 복귀하여 본격적으로 이들만의 독자적인 데스 메탈 노선을 개척해나가게 된다.

90년대 후반에 접어들며 데스 메탈 밴드들은 정체와 매너리즘에서 벗어나기 위해 변화와 새로운 시도를 해나갔는데, 이러한 방향성은 밴드마다 다르게 나타났다. 프로그레시브 노선을 탄 Death나 더욱 전위적인 시도를 택한 Gorguts, 자신만의 개성과 스타일 확립에 몰두한 Vital Remains와 The Chasm등 많은 밴드들이 변화를 꾀하며 데스 메탈의 가지들을 뻗어나갔다. 한편 2집 Here in After부터 본격적으로 더욱 뒤틀리고 기괴한 데스 메탈로의 변화를 꾀한 Immolation은 3집 Failures for Gods를 거쳐 4집 Close to a World Below에서 그 변화의 정점에 도달하게 되었다.

이 앨범은 음악 평가 사이트인 Rateyourmusic에서 2000년대 이후 지금까지 발매된 모든 데스 메탈 계열 앨범들 중에서 가장 우수한 평가를 받고 있으며, Metalstorm, Metal-Archives, Spirit of Metal, AllMusic 등 각종 커뮤니티에서도 하나같이 매우 높은 평가를 받고 있다. 더욱 의미 있는 점은 80년대 후반~90년대 초 결성한 소위 올드스쿨 데스 메탈 밴드들 중에서 2000년대 들어 발매한 작품이 밴드의 디스코그래피에서 가장 높은 평가를 받는 경우가 매우 드물다는 것이다. 그렇다면 이 앨범의 성공 비결은 무엇이었을까?

첫 번째 곡 Higher Coward는 음산한 인트로로 괴이쩍은 분위기를 보여준 뒤 이내 파괴적인 사운드로 돌입한다. 이들의 2, 3집과 유사하면서도 한층 더 격렬하고 기괴한 느낌을 내고 있으며, 좀 더 전면에 배치된 드럼과 독특한 레코딩으로 더욱 강한 인상을 남겨 준다. 또한 곡 중반부에서 전환이 이루어지며 보다 그루브한 리프로 고개를 절로 들썩이게 만드는가 하면, 이어지는 혼란스러운 솔로로 기괴한 면모를 되살린다. 이러한 개성 넘치는 작곡은 원년 멤버 기타리스트인 Robert Vigna의 기여도가 매우 컸다. 마찬가지로 원년 멤버인 보컬 Ross Dolan의 걸쭉한 목소리 또한 연주와 딱 맞아떨어지며 듣는 재미를 더했다. 이어지는 Father, You're Not a Father는 강렬한 리프와 기묘한 조화를 이루는 리드 기타 연주로 불안정한 느낌을 부각시키며, 이들의 트레이드마크 중 하나라고 할 수 있는 피킹 하모닉스를 적극 활용한 리프로 기괴한 매력을 덧붙인다. 이후로도 사악함이 물씬 풍기는 분위기 속에서 곡이 전개되며 도발적인 곡명만큼이나 임팩트 있는 킬링 트랙의 면모를 입증했다.

한편 3번 트랙 Furthest from the Truth는 한층 더 난폭한 연주로 시작하고, 마찬가지로 피킹 하모닉스를 활용한 중독성 넘치는 리프가 돋보인다. 추가로 효과음을 더해 좀 더 악랄한 느낌을 내기도 했다. 다음 곡 Fall from a High Place도 마찬가지로 불경스럽기 짝이 없는 전개를 이어나가며, 작살나는 드러밍이 돋보인다. 특히 그루브함과 기괴함이 공존하는 기묘한 마력을 지닌 리프들과 마구 조지는 듯하면서도 훌륭한 솔로가 인상 깊었다. 5번 곡 Unpardonable Sin역시 진득한 리프들과 혼란스러운 전개로 청자를 휘어잡았고, 죽여주는 도입부를 선보이는 Lost Passion또한 끈덕진 진국 데스 메탈 곡이었다. 상대적으로 가장 짧은 곡인 Put My Hand in the Fire도 여타 곡들 못지않은 파괴력을 보여주었다.

그리고 대미를 장식하는 마지막 곡 Close to a World Below는 유일하게 8분대에 달하는 대곡으로, 이들 최초의 7분 이상 되는 대곡이기도 하다. 앞선 곡들과는 사뭇 다른 인트로와 함께 시작하는데, 마치 지옥도가 펼쳐지는 듯한 엄청난 비장함과 스케일을 느낄 수 있어 이전까지와는 다른 한층 더 강렬한 충격을 안겨 준다. 이후로도 비교적 덜 혼란스러운 대신 보다 비장미가 느껴지는 직설적인 전개를 펼쳐 나가며 좌중을 압도한다. 특히 기타 솔로 파트 이후에 리드 기타와 도입부가 되풀이되는 부분은 그야말로 에픽함의 극치에 다다른 부분이었다고 생각한다. 그 뒤로는 맛깔나는 아웃트로가 반복되며 앨범을 마무리했다.

앨범 전반적으로 볼 때 이들이 2, 3집에서 시도한 실험이 더욱 진일보한 결과를 낳았다고 생각한다. 기존 데스 메탈의 난폭하고 과격한 특징은 그대로 유지하면서도 더욱 기괴하고 혼란스러운 스타일로 한 층 더 매니악한 사운드를 만들어낸 것이 이들이 시도한 실험의 요지였다. 먼저 작곡 면에서는 불협화음과 복잡한 박자를 통해 어지럽고 기이한 느낌을 극대화하면서도 때로는 그루브함 넘치는 면모가 공존해 완급조절에 힘썼고, 각종 효과음들을 활용해 더욱 불경스러움을 더했다. 또한 마지막 곡 Close to a World Below과 같이 비장미를 조성하기도 하는 등 총체적으로 데스 메탈의 진보를 엿볼 수 있기도 했다.

추가로 작곡 이외에도 기타 톤과 사운드 믹싱 등 보다 복합적인 측면에서 전에 없는 독특한 느낌을 주었는데, 이전까지의 둔탁하고 차가운 느낌과는 다른 보다 날카롭고 뜨거운 인상을 남겼다. 비유를 들자면 1~3집의 느낌은 차갑고 어두운 지옥의 모습을, 이 앨범은 커버 아트처럼 불타는 지옥을 형상화한 것 같은 느낌이 들었다. 결국 이 앨범은 지난 2~3집을 거쳐 오며 올드스쿨적인 기반에 더해진 실험적인 시도가 마침내 만개한 작품이었다고 생각한다. 그랬기에 이 앨범은 데스 메탈의 근본을 지켜나가면서도 그 영역을 넓혀나간 기념비적인 앨범이라고 봐도 무방하지 않을까 생각해 본다.

결론적으로 이들은 정석적이면서도 약간의 개성을 더한 클래식인 1집으로 시작해 본격적인 변화의 시작을 알린 2집과 그 연장선이었던 3집을 거쳐 마침내 이 앨범으로 독보적인 스타일의 완성시켰다. 요약하자면 복잡하고 기괴함이 돋보이는 작곡, 그리고 개인적으로 작품의 특색을 더욱 부각시켜준 프로듀싱이 독창성과 완성도를 모두 잡은 앨범의 성공 포인트였다고 생각한다.

실제로 2000년대부터 두각을 나타낸 많은 데스 메탈 밴드들이 이들의 영향을 많이 받았다. 일명 Immolation과 Incantation이 낳은 자식으로도 불리는 Dead Congregation같은 밴드는 물론이고, Ulcerate나 Portal처럼 기괴하고 혼란스러운 데스 메탈 사운드를 더욱 발전시켜나간 부류 역시 Immolation의 영향력 하에 있다고 볼 수 있다. 추가로 중~후기 Behemoth의 웅장하고 에픽한 느낌을 주는 블랙큰드 데스 메탈에도 적지 않은 영향을 주었다고 생각한다. 한 가지 예시를 들자면 이 앨범의 마지막 곡 Close To A World Below의 인트로와 Behemoth의 Daimonos와 Ov Fire and the Void의 인트로 리프를 비교해 볼 수 있겠다.

결국 이들의 성과는 2~3집을 거쳐 오며 지속적으로 진행해온 변화를 기반으로 하여 더욱 파격적인 변화를 이끌어냄으로써 데스 메탈 본연의 가치를 훼손하지 않으면서도 한 층 더 발전한 형태의 데스 메탈을 창조해내는 데 성공했던 것이라고 생각한다. 따라서 이 앨범은 100% 올드스쿨적인 앨범은 아니지만, 올드스쿨적인 기반 하에 새로운 시도를 결합함으로써 기존의 틀에서 살짝 벗어나고 더욱 발전된 스타일을 만들어낸 명작이었다고 생각한다.

여담이지만 내달 최초로 내한공연을 갖는 Immolation에 대해 조금만 더 이야기해보자면, 이들의 음악은 5집 Unholy Cult를 끝으로 반종교적 테마에서 벗어나 정치·사회 등 인간 사회의 어두운 이면에 대해 다루게 되었다. 이러한 변화의 원인은 보컬 Ross Dolan의 충격적인 경험에서 비롯되었다. 그것은 다름 아닌 9/11 테러로, 그 또한 테러의 피해자였던 것이다. 그는 당시 현장에 있었고, 9/11 테러로 가족을 잃었다. 이런 크나큰 충격 이후 그는 가치관 변화를 겪고 결국 음악의 방향 또한 반종교적 테마에서 인간사 전반에 대한 주제로 바뀌게 된 것이다.

올드스쿨에 대한 단상

90년대 초까지만 해도 잘나갔던 ‘올드스쿨’ 데스 메탈 밴드들은 시간이 지나며 90년대 중~후반 이후 점차 정체되는 모습을 보여주었다. 적지 않은 밴드들이 이전만 못 한 작품을 발표했고, 혹은 공백기에 접어들거나 아예 해체하는 경우도 많았다. 물론 몇몇 밴드들은 새로운 시도를 통해 반등을 하는 경우도 있었지만, Immolation처럼 90년대 초의 발매작보다도 더 높은 평가를 받는 경우는 드물었다.

이 앨범에서 유추해본 것처럼 특정 음악 장르의 발전은 이런 식으로 이어질 수도 있다고 생각한다. 2016년 발표되어 장르적 완성을 이루어냈다고 평가받는 Vektor의 Terminal Redux와 Insomnium의 Winter's Gate도 마찬가지로 기존 장르의 틀을 완전히 깨부수지는 않되 전에 없던 새로운 시도와 자신만의 개성 등을 넣어 호평을 이끌어 냈듯이 Close To A World Below 역시 데스 메탈이라는 틀 하에서 좀 더 색다른 시도를 통해 성공할 수 있었던 것이다. 마찬가지로 대표적인 메탈 명반들인 Painkiller, Rust in Peace, Symbolic, Reign in Blood, Filosofem, Blackwater Park 등등도 밴드의 초기 노선과는 다르게 다소 변화를 줌으로써 더욱 성공적이고 기념비적인 위치에 자리할 수 있었던 것처럼 말이다.

올드스쿨이라고 해서 반드시 오래된 것만 따라야 한다는 것은 아니다. 올드스쿨이라고 해서 변화와 진화가 금지되어야 하는 것 또한 아니다. 오히려 변화가 없다면 정체로 이어지고 결국 소멸로 이어지게 된다. 따라서 올드스쿨 스타일을 추구한다고 해서 과거에만 집착한다면 그 시절을 흉내내는 것은 가능할지언정 결코 그 시대를 뛰어넘는 것은 불가능하다고 생각한다. Vektor가 다른 리바이벌 스래쉬 밴드들에 비해 더욱 호평받고 큰 주목을 받을 수 있었던 것은 그들이 단지 과거 고전 스타일을 따라가는 것에 그친 것이 아니라 고전 스타일을 기반으로 하여 자기들만의 새로운 가치를 창출해 내는 데 성공했기 때문이다. 이들도 마찬가지로 올드스쿨 스타일에만 집착하지 않고 조금씩 변화하며 지속적으로 새로움을 추구했기 때문에 이 앨범처럼 기념비적인 작품을 만들어 낼 수 있었고, 이후로도 수준급의 작품들을 발매해오며 현재까지 굳건히 서 있을 수 있었다고 생각한다.

98/100

참고자료
https://www.metalblast.net/interviews/immolation-interview/
https://www.youtube.com/watch?v=ZZr_e7DEm0E
https://www.youtube.com/watch?v=MM6WA2EBzvw ... See More

Naas Alcameth, 이 남자를 주목하라

2000년대 들어 Deathspell Omega를 비롯한 몇몇 밴드들이 블랙 메탈 장르에 일대 파란을 불러일으킨 이후 블랙 메탈은 기존의 세컨드 웨이브 블랙과는 상당히 다른 방향으로 나가게 되었다. 또한 2010년대에 들어서는 이러한 성향이 더욱 극대화되며 많은 밴드들이 타 장르와의 적극적인 결합을 통해 블랙 메탈의 새로운 가지를 여러 방향으로 뻗어 나가게 만들어가고 있다. 물론 여전히 별다른 수식어를 붙이지 않은 ‘블랙 메탈’이라는 범주 내에서 자신만의 스타일을 보여주는 밴드도 많이 있지만, 이러한 밴드들 중에서도 상당수가 기존의 블랙 메탈 하면 떠오르는 이미지에서 탈피해 전에 없던 새롭고 다양한 스타일을 보여주고 있다.

한편 최근 몇 년 사이 매우 활발한 행동을 이어나가고 있는 미국의 Naas Alcameth(본명은 Kyle Earl Spanswick) 또한 최근 블랙 메탈의 흐름에서 주목할 만한 인물로 떠오르고 있다. 이번 리뷰의 Nightbringer를 시작으로 Akhlys, Bestia Arcana, Excommunion, Aoratos 등등 여러 밴드를 동시다발적으로 조직, 운영하고 있는 그는 2017년에만 3장의 정규 앨범을 발표하는 등 그야말로 광폭 행보를 이어나가고 있다. 이러한 그의 다양한 활동에 있어 모체 역할을 하는 밴드인 Nightbringer는 사실 올해로 결성 20년 차에 달할 정도로 상당히 연식이 있는 밴드이다. 하지만 Nightbringer의 정규 1집은 불과 10여 년 전에 나왔고, 이후 본격적으로 이름을 알리며 활발한 활동을 이어나가게 된 것은 2014년 발표한 4집 Ego Dominus Tuus 이후부터라고 봐도 무방할 것이다. 본작을 통해 자신만의 스타일과 개성을 정립한 뒤 2015년 발표한 Akhlys의 The Dreaming I가 호평받으며 더욱 탄력받은 그의 파죽지세는 2017년 Nightbringer, Excommunion, Bestia Arcana가 각각 한 달 간격으로 정규 앨범을 발표함으로써 정점에 달했다. 그리고 지난 3월 그의 새로운 프로젝트인 Aoratos의 정규 데뷔작이 발표되며 여전히 진행 중인 그의 광폭 행보를 과시했다.

이러한 최근의 다양한 활동을 가능케 했던 이 Nightbringer라는 밴드의 음악은 제법 특색 있는 블랙 메탈을 들려준다. 일단 초기 Emperor의 고전적인 심포닉 블랙에서 영향 받은 면모가 일부 나타나면서, 거대한 스케일을 부각시켜주는 심포닉/앰비언트 요소와 모던 블랙 특유의 깔끔함과 비장미가 공존하고 있다. 또한 오컬티즘을 표방하는 그리스의 Acherontas나 노르웨이의 Dødsengel 같은 몇몇 언더그라운드 블랙 밴드들과의 접점 또한 일부 느껴진다. 하지만 종합적으로 이들의 색채는 고전적인 세컨드 웨이브 블랙과 비교해도, Deathspell Omega 이후의 모던 블랙 밴드와 비교해도 상당히 다른 뚜렷한 개성을 보여주고 있다고 볼 수 있겠다. 상대적으로 고전적인 면모가 강했던 정규 1집에서부터 조금씩 고유의 색채를 드러내기 시작했던 이들은 2집 Apocalypse Sun과 3집 Hierophany of the Open Grave를 거치며 더욱 기괴하면서도 거대한 스케일을 자랑하는 스타일로의 진화를 꾀했으며, 본작에 이르러 그 정점에 달했다.

본 앨범은 전반적으로 대곡적 구성과 심포닉, 앰비언트 요소를 결합해 조성하는 장대한 분위기로 청자를 압도하며, 쥐어짜내는 스크리밍 보컬과 그에 못지않게 높고 기괴한 트레몰로 리프들로 더욱 기이한 느낌을 만들어내고 있다. 이러한 스타일은 단순한 반기독교주의, 사타니즘을 넘어서 선악을 초월한 ‘어둠’이라는 개념에 대한 철학, 오컬트적 접근을 추구하는 이들의 성향에 걸맞은 음악이라고 본다.

첫 번째 곡이자 앨범의 인트로 역할을 하는 Prayer of Naphal은 무시무시한 다크 앰비언트 사운드로 분위기의 운을 띄우는 역할을 하고, 곧이어 이어지는 Et Nox Illuminatio mea in Deliciis Meis는 본작을 대표할만한 킬링 트랙이다. 먼저 무게감 있는 도입부로 눈길을 끈 뒤 곧이어 폭발적인 전개로 단번에 귀를 사로잡으며, 이들의 트레이드마크라고도 할 수 있는 기괴한 리드 기타 플레이로 더욱 혼란스러운 느낌을 극대화했다. 또한 9분에 달하는 대곡답게 적절한 반복과 변주를 섞어 가며 더욱 몰입감 있고 자연스러운 전개를 펼쳐나감으로써 특유의 에픽함을 극대화했던 훌륭한 곡이었다.

한편 갑작스럽게 시작하는 다음 곡 Lantern of Eden's Night또한 마찬가지로 특유의 혼란스럽고도 비장함이 넘치는 전개로 듣는 이의 혼을 쏙 빼놓는다. 전반부의 정신이 나간듯한 트윈 기타의 트레몰로 리프들과 중반부의 강렬하고 비장미가 느껴지는 전개, 그리고 무겁게 곡을 마무리하는 후반부에 이르기까지 구조적으로도 상당히 인상 깊었던 곡이었다.

한편 비교적 짧은 곡인 Things Which Are Naught에서도 폭발적인 전개로 에너지를 지속적으로 뿜어내고 있었고, 5번 트랙 I Am the Gateway는 코스믹 호러적인 분위기를 내는 소름끼치는 도입부로 다시 한 번 귀를 사로잡았다. 물론 이후로도 강렬하고 깔끔한 전개를 펼쳐나가며 마무리까지 적절하게 해내는 모습을 보여주었다. 반면 6번 곡 Call of the Exile는 오컬트 느낌이 물씬 풍기는 다크 앰비언트 트랙으로, 후반부를 위해 쉬어가는 곡이다.

7번 곡 Where Fire Never Dreamt of Man는 키보드를 적극 활용하여 보다 특색 있는 면모를 보여주는데, 키보드의 멜로디 자체는 서정적이라고 볼 수도 있지만 오히려 음산하고 기괴한 느낌을 더욱 부각시키는 효과를 톡톡히 해냈다. 8번째 트랙 The Witchfires of Tubal-Qayin도 수준급의 리프와 구성을 보여주는 곡으로, 딱히 문제 있는 곡은 아니었지만 앨범의 구성과 곡의 위치 특성상 상대적으로 임팩트가 덜한 편이었던 곡이었다.

그리고 9번 Salvation Is the Son of Leviathan (Alabas in Memoriam)도 다크 앰비언트가 주를 이루는 곡으로, 분위기 자체는 훌륭하나 이미 한 시간 가량을 내리 들어온 시점에서 어쩔 수 없이 지루함을 느낄 수도 있는 단점이 존재했다. 하지만 대미를 장식하는 마지막 곡 The Otherness of Being에서 유종의 미를 거두는 데에 성공했다. 12분이 넘어가는 거대한 곡답게 도입부부터 잔뜩 무게를 잡으며, 곡이 3분대에 돌입한 후 본격적으로 시작되는 전개는 앞서 느꼈던 비장미와 웅장함을 극대화한 본작의 백미 중 하나였다. 비록 이 곡의 경우 반복적인 면모가 보다 강하게 드러나기는 했으나, 장대한 전개가 워낙 강렬하게 느껴져서 대미를 장식하기에 부족함이 없었던 곡이라고 본다.

전체적으로 이 앨범은 고전적인 초기 Emperor의 심블랙 스타일에 이들의 특색과 모던한 요소가 상당 부분 가미된 블랙 메탈 대작이라고 볼 수 있겠다. 또한 특유의 청량감마저 느껴지는 스크리밍 보컬, 기괴함을 부각시키는 리드 기타 플레이, 공포감과 스케일을 극대화하는 앰비언트/심포닉 요소의 활용, 적절한 반복과 변주를 활용한 대곡 구성 등이 돋보였다. 여기에 모던 블랙 특유의 깔끔한 프로듀싱으로 접근성을 높였으며, 아랍어에 히브리어까지 가사에 사용하고 여기에 각종 관용구도 덧붙여 더욱 심도 있는 컨셉을 잡기도 했다. 또한 David Herrerias의 커버 아트 역시 본작의 기괴하고 무시무시한 음악과 딱 맞아떨어지며 더욱 눈길이 가게 만들어 주기도 했다.

총체적으로 이 앨범은 Nightbringer와 그 리더인 Naas Alcameth의 역량을 잘 보여주는 훌륭한 작품이었다고 본다. 비록 70분이 넘어가는 대작이다 보니 중후반부에 살짝 늘어지는 느낌이 전혀 없지는 않았지만, 전반적으로 뛰어난 완성도와 특출난 개성 모두가 돋보였던 앨범이었다. 2010년대 들어 급성장하고 있는 아이슬란드와 동유럽 등지의 블랙 메탈 밴드들과 함께 모던 USBM에서 빼놓을 수 없는 인물, 밴드로 떠오르고 있는 Naas Alcameth와 Nightbringer의 마력을 한껏 체감할 수 있는 작품인 것이다.

97/100 ... See More

봄, 여름, 가을, 겨울, 그리고 언젠가 다시 찾아올 봄

2003년 경(윤태경, 鏡)에 의해 결성된 오필리아는 스스로를 ‘몽환락’ 밴드로 칭하며 숱한 멤버 교체 끝에 2010년 데뷔작 ‘당신의 환상을 동정하라’를 발표하며 세상에 모습을 드러내었다. 고딕 및 둠 메탈뿐 아니라 슈게이징, 포스트록적인 면모가 복합적으로 드러나는 이 앨범은 발매 10주년을 바라보는 지금까지도 그 가치를 알아주는 이들에게 숨겨진 명반으로 기억되고 있다.

서-본-결의 구성을 취하고 있는 이 콘셉트 앨범은 러닝 타임이 80분에 육박하는 대작으로, 한 개의 CD에 담아낼 수 있는 거의 최대치를 담아내고 있다. 또한 개별 곡명 앞에 1월부터 13월까지의 달 이름을 붙임으로써 시간과 계절의 흐름, 그리고 순환을 표현하고 있으며, 앨범을 관통하는 핵심 소재는 꿈과 환상이라고 볼 수 있다. 이번 리뷰에서는 개별 곡에 대한 감상 및 가사의 내용에 대해 먼저 이야기한 뒤, 앨범에 담긴 상징적인 의미들과 작품의 음악적 가치와 의미에 대해 다루는 순으로 적어볼 것이다.

몽환적인 인트로로 앨범을 시작하는 1월 몽중몽 뒤의 2월 거울호수는 대개 앨범 초반부의 곡들이 그렇듯 캐치하면서도 강렬한 인상을 남겨 주는 앨범의 대표곡이다. 무게감 있는 디스토션 기타와 공존하는 건반의 부드러운 멜로디로 단번에 귀를 사로잡으며, 평온하고도 몽환적인 분위기로 꿈의 한복판에 있는듯한 느낌을 자아낸다. 한편 가사를 살펴보면 앨범에 등장하는 화자인 ‘나’는 내면의 슬픔과 고독을 지닌 존재로, 기나긴 꿈의 환상 속으로 빠져들기 시작한다. 잔잔하게 읊조리는 메인 보컬 유이(Yui)의 목소리는 곡의 분위기와 완벽하게 어울리며 몽환적인 느낌을 더욱 배가시켜주고 있었다. 반면 이러한 보컬 스타일이 가사전달력이 떨어진다고 말할 수도 있겠으나, 개인적으로는 이런 목소리가 꿈이라는 흐릿하고 모호한 무의식의 영역이 주는 느낌을 더욱 잘 살려냈다고 생각한다. 특히 이러한 면모는 이후에 간간히 등장하는 남성 보컬의 속삭임과 그로울링 등에서 더욱 부각되었다.

3월 봄에서는 제목 그대로 봄의 따스한 느낌을 부각하며 몽환적인 분위기를 이어나간다. 생명의 활기가 넘치는 봄을 그려내면서도, 그 속에서 부조화를 느끼는 ‘나’는 고독 속에서 무력감에 빠진다. 또한 앞서 언급한 남성 보컬이 등장하며 몽환적인 느낌을 더욱 부각하는 한편, 곡 전반에 걸친 잔잔한 서정미로 은은한 매력을 보여주었다. 또한 4월 마음에서는 한발 더 나아가 록 사운드를 배제하는 대신 더욱 몽환적인 분위기를 발전시키며 더욱 큰 무력감에 빠지는 자아를 표현했다.

본(本)의 시작을 알리는 5월 깊은물속은 앞선 분위기를 이어받아 곡을 느리고 은은하게 전개시켜나가며 무력감과 고독 속에서 스스로를 물속으로 내던지며 모든 것을 잊어버리고 무의식으로 빠져드는 모습을 그려낸다. 더욱이 스렁스렁 이라는 우리말을 이용한 후렴구와 무거운 그로울링이 등장하는 등 다양한 보컬 스타일이 등장해 듣는 재미를 더해주었다. 마찬가지로 6월 밤의노래 역시 조용한 속삭임과 그로울링을 오가는 남성 보컬이 더해지며 보다 어두운 느낌을 조성하기도 했다. 또한 가장 무겁고 장중한 둠 메탈적인 분위기를 만들어냄으로써 더욱 깊고 어두운 무의식의 세계로 파고드는 것 같은 인상을 남겨 주었다.

반면 7월 허우적은 가장 몽환적인 분위기를 조성해 마침내 무의식의 끝에 도달해 모든 슬픔도 고통도 잊어버리는 경지에 다다른 ‘나’를 표현한다. 개인적으로 이 곡의 분위기 메이킹은 분위기가 인상적인 이 앨범 내에서도 가장 독보적인 수준이었다고 느꼈다. 곡의 가사처럼 끝이 보이지 않는 물속으로 서서히 가라앉는 듯한 느낌을 완벽하게 구사해냈다고 본다. 또한 곡 후반부에서 분위기가 살짝 변한 뒤 유려한 기타 솔로가 등장하는 부분 역시 본작에서 손꼽을 만한 최고의 순간 중 하나였다. 이후 몽환적인 분위기를 이어받아 곡 간 다리 역할을 하는 8월 안개숲에서 ‘나’는 자아를 완전히 망각하게 된다.

한편 햄릿의 등장인물이자 이들의 밴드명이기도 한 9월 오필리아는 존 에버렛 밀레이의 명화 오필리아를 청각화한듯한 곡으로, 건반과 현악기를 적극 활용해 쓸쓸함과 처연함이 극에 달한 느낌을 만들어내며 잊을 수 없는 깊은 인상을 남겨 준 곡이었다. 또한 직전 곡 8월과 매우 자연스럽게 연결되며 앨범의 유기적인 구조를 더욱 강조하는 등 구조적인 측면에서의 뛰어남을 보여주기도 했다.

마지막으로 결(結)을 시작하는 10월 정적은 제목처럼 고요한 분위기로 아무것도 남지 않은 정적의 순간을 묘사한다. 그리고 유일하게 10분이 넘어가는 본작 최대의 대곡 11월 동상이몽에서 마침내 ‘나’는 꿈에서 깨어나게 된다. 모든 고통과 고뇌를 잊어버리고 홀로 평온을 찾을 수 있었던 순간을 준 꿈이었지만, 결국 모든 꿈에는 끝이 있기 마련, ‘잔인한 아침의 햇살’이 영원할 것만 같았던 잠을 깨우게 된 것이다. ‘나’는 잔인한 현실에서 벗어나 계속 꿈을 꾸고 싶어하지만, 잔인한 현실은 결국 달콤했던 환상으로의 영원한 도피를 허용하지 않았다. 이처럼 꿈과 환상에서 깨어나 다시 현실을 직시하게 된다는 절정의 부분답게 이 곡은 가장 변칙적이고 프로그레시브한 구성을 보여준다.

길었던 꿈에서 깨어난 화자는 잔잔한 연주곡인 12월 걷다 기억하다에서 그동안의 꿈과 환상을 기억하며 되짚어 본 뒤, 마침내 13월 원점에 도달하게 된다. 다시 출발지로 되돌아온 ‘나’는 쓸쓸함과 고독을 떨쳐내고 이전까지는 찾아볼 수 없었던 삶과 생명에의 의지를 발견하게 된다. 이 곡의 제목이 ‘원점’임에도 ‘1월’이 다시 붙는 것이 아니라 ‘13월’인 이유가 바로 이것에 있다고 생각한다. 화자는 꿈에서 깨어나 잔인한 현실의 출발선 앞에 서지만, 더 이상 쓸쓸함과 고독으로 고통받던 존재가 아닌 꿈과 환상을 통해 스스로를 재발견하고 재탄생하게 된 새로운 ‘나’로서 새로운 시작을 목전에 두고 있는 것이다. 물론 대미를 장식하는 곡답게 이 곡도 마찬가지로 훌륭한 면모를 보여주었다. 앨범 초반부와 겹쳐지는 수미상관적 구조와 함께 마치 미야자키 하야오의 영화를 떠올리게 하는 아련하고도 희망적인 분위기로 진한 여운을 남겨 주며 앨범을 완벽하게 마무리지었다.

이처럼 기나긴 꿈을 통해 삶의 교훈을 얻는다는 형식은 소설 구운몽이나 고사성어 남가일몽에 관련된 설화 등등 오래전부터 등장해왔다. 한편 이 앨범에서 그려진 꿈의 세계는 영롱한 호수와 따스한 봄부터 시작해 깊을 물속을 지나 한치 앞도 보이지 않는 안개숲에 이르기까지 다채롭게 나타난다. 앨범은 꿈이라는 환상의 세계에 빠져 있는 화자의 모습과 함께 시작된다. 내면의 깊은 슬픔과 고독을 지니고 있는 화자는 꿈속에서 봄의 따스함에 무력감과 공허함을 느끼며 덧없는 삶에 환멸을 느낀다. 이에 더욱 깊은 무의식의 깊은 물속으로 빠져들어 간 화자는 모든 것을 내버리고 마침내 평온함만을 느끼는 무의 상태에 들어선다. 하지만 어느새 다시 찾아온 잔인한 현실은 달콤했던 꿈과 환상의 세계를 무너뜨리고, 화자를 잠에서 깨어나게 만들어 버렸다. 하지만 화자는 꿈의 기억을 되돌아보고, 이를 통해 삶의 의지를 일으켜 세우는 것으로 앨범이 마무리된다.

이러한 앨범의 전개는 불교적 관점에서 해석해 볼 여지를 남겨 주고 있었다. 앨범 마지막에 목탁 소리가 흘러나오며 끝맺음을 한다는 당연한 점 외에도 본작에서 많은 불교적 영향이 느껴지는 소재를 찾아볼 수 있었다. 우선 앨범의 기본적인 구조는 월별로 흐르는 사계절의 흐름을 바탕으로 하여 이 속에서 방황하는 화자의 모습을 순차적으로 그려내고 있다. 그리고 이는 깨달음을 얻지 못한 존재는 끊임없이 괴로운 삶을 반복해 나간다는 것을 의미하는 불교의 기본 교의 중 하나인 윤회를 떠올리게 들었다. 그 예시로 3월 봄의 가사 중 일부인 “시간의 무심함과 인과의 굴레 속에 과거의 어리석음 그대로 반복하며 / 같은 자리를 맴돌며 달라지지 않는 나의 모습 멍하니 바라본다”라는 대목은 고(苦), 즉 삶의 괴로움을 극복하지 못한 채 윤회의 틀 안에 갇힌 화자의 모습을 보여주고 있었다.

또한 이 앨범의 구조를 살펴보면 언뜻 보기에 한 번의 꿈으로 끝나는 이야기라고 생각할 수도 있지만, 마지막 트랙 13월 원점에서 언급된 ‘기나긴 여행’, ‘수많은 나의 영혼’, 그리고 ‘영원한 순환’과 ‘끊임없는 소멸의 세계’등을 고려해 보면 꿈속이 그려지는 1월부터 11월에 이르는 부분은 오직 한 번이 아니라 수없이 반복된 꿈의 일부임에 불과한 것이라고도 추측해 볼 수 있다고도 생각한다. 또한 1월의 제목이 몽중몽이라는 점, 다시 말해 처음 꿈을 꾸기 시작한다는 것이 아니라, 꿈속의 꿈을 의미한다는 점에서 앨범의 시작은 꿈의 첫 시작이 아닌 이미 무수히 반복되어 온 꿈속 세계라는 윤회의 굴레의 한복판에서 시작된다고 볼 수도 있는 것이다.

이러한 무한한 순환은 비로소 화자의 깨어남에서 붕괴되고, 다시 현실 세계의 출발점으로 돌아온 화자는 비로소 새로운 자아를 찾고 진정한 새 출발을 목도하게 된다. 이러한 결말 역시 불교의 궁극적 구원인 열반에서 그 공통점을 찾아볼 수 있었다. 끊임없는 번뇌를 떨쳐내고 윤회의 굴레에서 벗어나는 것을 의미하는 열반과 꿈이라는 끊임없는 소멸의 세계 속에서 깨어나 내면의 슬픔과 고통을 내려놓고 삶의 의지를 다잡는 본작의 결말은 상당 부분 유사성을 지닌다고 느껴졌다. 마찬가지로 외부적 요인에 의한 인위적 구원 등이 아니라 화자 자신의 꿈속에서 행해진 고(苦)의 극복과 이를 통한 순환의 괴로움에서 탈피하는 점 또한 열반이라는 개념과 깊은 연관성을 보여주었다. 한 가지 유의할 점은 불교에서 열반은 반드시 죽음이 전제될 필요가 없다는 것이다. 열반에는 현세에서 깨달음을 얻는 현증열반이라는 개념도 존재하므로 이 앨범의 화자가 죽음을 거치지 않고 깨달음을 얻는다는 점과 열반을 비교해볼 수 있는 것이라고 생각한다.

종합적으로 이 작품은 꿈이라는 소재에 불교 사상에서 차용한 요소를 더해 인간 내면의 고통을 극복해나가는 과정을 그려낸 작품이라고 이야기해 볼 수도 있겠다. 사실 본작의 부클릿 뒷면을 살펴보면 알 수 있듯 이 앨범은 니체, 라캉의 철학부터 시작해 일본 만화, 애니메이션에 이르는 광범위한 영향을 받아 탄생한 작품이다. 하지만 니체 역시 불교 철학에 상당 부분 영향을 받기도 했으며, 본 앨범에서 다루어지는 많은 소재와 이야기의 흐름 등이 불교적인 측면에서도 충분히 해석해 볼 만한 여지가 있다고 생각하기에 이러한 방향으로 리뷰를 하게 된 것이었다. 게다가 전반적인 가사가 다채로운 비유와 상징적 표현으로 가득 차 있기 때문에 보다 넓고 다양한 시각에서의 해석이 가능하리라고 받아들이기도 했다. 조금 더 사족을 붙이자면 본작과 마찬가지로 사계절의 흐름을 소재로 활용하며 불교 사상과 결합했던 한국 영화 “봄, 여름, 가울, 겨울, 그리고 봄”의 존재 또한 이 앨범을 불교적 측면에서 바라보는 계기가 되기도 했다.

아무튼 이 앨범에 있어서 ‘꿈’이란 ‘끊임없는 소멸의 세계’로 볼 수 있을 것 같다. 사람이 꿈을 꾸게 되는 순간 현실 세계와는 다른 꿈의 세계, 다시 말해 환상의 세계가 그 순간 탄생하게 된다. 이러한 꿈의 세계 속에서 남들에게는 철저히 숨겨왔거나 혹은 자신조차 알지 못했던 무의식 속의 욕망, 기쁨, 고통 등의 희로애락이 발현되기도 한다. 하지만 이러한 꿈의 세계는 꿈에서 깨어나는 순간 흔적도 없이 사라지며 오직 기억의 단편으로 남는다. 따라서 꿈이란 매번 꿈을 꾸기 시작할 때 창조되어 잠에서 깰 때 소멸하는 하나의 소우주라고 바라볼 수 있는 것이고, 이 소우주 속에는 그 꿈을 꾸는 사람의 무의식 속 상념이 투영되곤 하는 것이다.

때때로 사람들은 현실 세계의 슬픈 기억이나 고통스러운 삶으로 인해 괴로워하곤 한다. 또한 꿈에서까지 그러한 괴로움이 발현되어 악몽을 꾸는 등의 더욱 큰 괴로움을 느끼기도 한다. 하지만 이와는 반대로 꿈을 통해 스스로 깨달음을 얻고 괴로움을 떨쳐내고 삶의 의지를 되찾을 수 있다는 것이 이 앨범이 전하고 있는 메시지가 아닐까 생각해 본다.

이제 다시 앨범의 음악 자체에 대해 이야기해보면, 우선 이 앨범에선 무척 다양한 음악 장르의 영향을 엿볼 수 있었다. Theatre of Tragedy, Draconian, Estatic Fear같이 서정적, 애상적인 둠/고딕 메탈 사운드부터 시작해서 프로그레시브 계열의 구조와 슈게이징 및 포스트록 장르의 몽환적 분위기 등에 이르는 광범위한 영향력 속에서 탄생한 작품이라고 봐도 무방할 것이다. 그렇기 때문에 이런저런 수식어를 길게 붙여나가는 대신 이들 스스로 ‘몽환락’이라는 간결한 단어를 선택했으리라고 본다.

앨범 전반에 깔린 몽환적이고 환상적인 분위기는 ‘몽환락’이라는 단어가 딱 들어맞을 정도로 훌륭한 수준이었다. 이러한 분위기는 기존 둠/고딕 계열 밴드뿐 아니라 더 나아가 본작과 같은 해 발매되어 모던 메탈 장르들에 지대한 영향을 미친 Alcest의 Écailles de lune과 비교해 봐도 부족함이 없는 정도였다고 생각한다. 더욱이 꿈과 환상이라는 소재에 초점을 맞추고 만들어진 작품답게 이 앨범에서 드러나는 몽환적인 분위기는 꿈이라는 환상의 세계를 묘사하는 데 가장 큰 기여를 했다고 생각한다.

또한 건반의 유려한 멜로디로 대표할 만한 작곡 역시 상당한 수준이었고, 개별 곡뿐 아니라 앨범 전체를 아우르는 유기적인 구성도 출중했다. 메인 보컬 유이와 간간히 등장하는 남성 보컬의 목소리 또한 나쁘지 않았다. 앞서 언급했듯이 모든 것이 흐릿하고 모호한 꿈의 느낌을 잘 살려냈다고 생각한다.

결론으로 ‘당신의 환상을 동정하라’는 음악적으로 완벽하게 꿈의 세계를 표현해낸 앨범인 동시에, 꿈이라는 무의식의 영역에 대한 다양한 상징적 의미를 내포한 숨겨진 명작이라고 생각한다. 이 앨범이 지니는 가치는 단순히 한국에서 이 정도 수준의 작품이 나왔다는 것에 그치는 것이 아니라 2010년대 들어 더욱 주목받고 있는 ‘여러 장르의 융합을 통한 새로운 스타일의 창조’라는 사조와도 잘 들어맞는 작품이라는 것에 무게를 두고 싶다. 더 나아가 록/메탈이라는 서양의 음악 스타일에 한국어 가사와 불교적 개념 등의 동양적인 가치관을 더해 서로 조화를 이루게 함으로써 보다 특색 있고 독창적인 음악을 탄생시켜냈다는 점 역시 높이 평가해 마땅하다고 생각한다.

하지만 안타깝게도 이 앨범은 소수의 매니아층에게만 알려진 이후 오필리아는 10년 가까이 되도록 새로운 창작 활동을 할 여건조차 만들지 못하고 있다. 잦은 멤버 공백과 여성 보컬의 부재, 그리고 예술 활동의 가장 큰 장벽 중 하나인 생계유지의 압박 등으로 인해 지난 2015년, 오필리아는 끝내 활동을 중단했다.

한편 2018년 4월, 오필리아는 팬들에게 아직도 음악 활동에 대한 열정이 살아 있음을 이야기했지만, 여전히 음악 활동이 불가능한 상태에서 벗어나지 못한 안타까운 사정을 토로했다. 또한 앨범 재발매 대신 Bandcamp에 음원을 업데이트함으로써 조금이나마 음악에 접근할 수 있는 경로를 넓혀 주기도 했다.

이러한 오필리아의 안타까운 이야기는 그들의 하나뿐인 정규앨범만큼이나 애상적인 이상과 현실의 괴리를 적나라하게 드러내고 있다. 오필리아의 처음이자 마지막 앨범으로 남아 있는 이 앨범이 발매된 지도 어느덧 10년을 바라보고 있다. 또한 오필리아가 활동을 중단한 지도 벌써 수년의 시간이 흘렀으며, 2019년 현재까지도 오필리아의 시계는 멈춘 채로 남아 있다.

개인적인 의견으로는 크라우드펀딩이라도 해서 이들의 음악 활동을 이어갈 수 있으면 좋겠다는 생각을 가지고 있다. 비록 이 앨범이 대중적으로 크게 어필할 만한 스타일과는 다소 거리가 있다고 할지라도 이 앨범을 통해 드러난 오필리아의 실력과 잠재력은 국내에서 보기 드문 정도의 수준이라고 보기 때문이다. 또한 록, 메탈의 불모지 내지는 무덤으로까지 여겨지는 국내에서도 여전히 꾸준하게 음악 활동을 이어오며 상당한 수준의 작품을 내주는 밴드들이 여전히 있는 만큼 오필리아 역시 언젠가는 반드시 새로운 음악과 함께 돌아와 주었으면 한다는 희망을 가져 본다.

앨범 속의 ‘나’와 마찬가지로 언젠가는 오필리아도 현실 세계의 제약과 괴로움을 극복하고 다시 한번 ‘원점’에 서서 새로운 출발을 할 수 있기를 간절히 바란다.

언젠가 다시 찾아올 오필리아의 봄을 위하여.

98/100
19.3.23 ... See More