Ennio Morricone부터 The Chasm까지

미국의 2인조 밴드 Tempel은 본래 고등학교 친구들이 모여 결성한 5인조 밴드였다. 하지만 졸업 이후 멤버들이 저마다 각자의 삶을 살아가게 되면서 결국 이들은 기타리스트 Ryan Wenzel과 드러머 Rich Corle로 이루어진 2인조 밴드로 개편되어 활동해 오고 있다. 또한 이들이 처음부터 보컬리스트가 없는 연주 밴드를 만들었던 것은 아니고 단지 새로운 보컬을 찾고 싶지 않았기에 현재까지도 보컬 없는 밴드가 되었다고 한다.

이들의 1집 On the Steps of the Temple은 2005년에서 2009년 사이에 작곡되었으며 그 이후로도 첫 녹음 이후 재녹음 작업 등의 수정을 거쳐 2012년에 자체적으로 발매되었다. 이후 그들은 라이브나 홍보 작업을 전혀 하지 않았음에도 이들의 음악에 매료된 Prosthetic Records 측의 연락으로 계약을 하게 되었고, 그 덕분에 1집 On the Steps of the Temple의 CD/LP 제작 및 발매가 가능할 수 있었다. 그리고 1집 이후 약 3년 뒤 발매된 2집 The Moon Lit Our Path은 지구 반대편 한국에서도 비록 작지만 매우 순도 높은 호평을 받으며 팬들을 만들어 낼 정도로 더 큰 성과를 거두었다.

당연한 것이겠지만 이들의 가장 큰 특징은 보컬과 가사가 존재하지 않는 연주 밴드라는 것이다. 물론 메탈 장르 내에서 연주 밴드란 단지 그것만으로 그렇게까지 큰 개성을 부여하는 것은 아니다. 우선 비교적 가장 가까이 있는 밴드로 앳모스퍼릭 슬럿지 내지는 포스트 메탈로 불리우는 Pelican이 이들의 선배 격이라고 볼 수 있으며, 연관성은 적지만 좀 더 시간을 거슬러 올라가면 드론 메탈 밴드 Earth나 Marty Friedman, Jason Becker 등의 솔로 앨범들까지 메탈 연주 앨범으로 언급해 볼 수도 있겠다. 또한, 최근에는 젠트 계열에서도 연주 앨범을 주력으로 삼는 밴드들 또한 어렵지 않게 찾아볼 수 있는 만큼 단순히 연주 밴드라는 것만으로는 이들만의 색깔을 표현하기 어려울 것이다.

그렇다면 이들만의 개성은 무엇인가? 요약하자면 이들 역시 2010년대에 두각을 나타냈던 몇몇 밴드들과 마찬가지로 장르의 경계를 깨부수고 색다른 조화를 이루어 내며 자기들만의 사운드를 구축했다는 것이라고 이야기할 수 있겠다. 인터뷰에서 기타리스트 Ryan이 밝혔듯 이들의 음악적 뿌리는 매우 다양한 방향으로부터 비롯되었는데, Opeth, Deathspell Omega, Drudkh, Pig Destroyer, The Chasm, Enslaved, Pelican, Genesis, Rush, 그리고 Pink Floyd에 이르기까지 이들에게 영향을 준 음악은 실로 무수하다. 더 나아가 이들은 2집 The Moon Lit Our Path에서는 Ennio Morricone의 영화음악에 대한 깊은 영향력까지 언급하기도 했다.

좀 더 구체적으로 이야기하면 이들의 음악은 분위기를 중시하면서도 짜임새 있고 다채로운 구성이 돋보이는 연주력을 보여주었고, 이를 통해 독특한 감수성을 표현하며 듣는 재미 또한 잡아냈다는 점에서 그 실력과 개성을 모두 높이 평가할 수 있다. 특히 이번 2집은 기타리스트 Ryan이 아내에게서 선물 받은 8현 기타를 사용하여 녹음했는데, 그의 말에 따르면 8현 기타를 사용한 주요 목적은 낮은 튜닝을 활용한 헤비하고도 멜로딕한 리프를 사용하면서도 젠트의 형식에서 벗어난 독창적인 스타일을 확립하기 위해서였다고 한다. 이러한 의도가 어떠한 결과를 낳았는지는 각각의 곡을 들어보면 보다 확실히 체감할 수 있을 것이다.

앨범을 시작하는 첫 번째 곡 Carvings In The Door는 가장 캐치한 리프들이 많이 녹아들어 있는 곡이다. 8현 기타의 육중한 사운드로 진득하고 무거운 분위기를 만들어냄과 동시에 귀에 쏙쏙 박히는 리프들로 청자에게 단번에 강렬한 첫인상을 남겨 준다. 또한 쉴 틈 없이 꽉꽉 들어찬 곡 구성으로 8분 가량의 대곡 진행을 지루할 틈 하나 없이 마무리하며 잊을 수 없는 첫 인상을 남겨 주었던 첫 번째 트랙이었다. 특히 곡 후반부에서 분위기가 클라이맥스로 치닫는 부분은 그야말로 앨범의 백미 중 하나였다.

한편 이어지는 The Moon Lit Our Path는 좀 더 분위기를 중시하며, 제목 그대로 칠흑 같은 어둠과 그 속에서 길을 비추는 달빛이 공존하는 느낌을 조성하며 앨범 커버의 이미지를 청각화하는 느낌을 주었다. 하지만 좀 더 분위기 위주로 곡이 진행된다고 해서 단지 평탄하고 무난한 전개로 이어지는 것이 아니라 변칙적인 구성을 통해 완급조절을 하여 늘어질 염려를 원천봉쇄했다. 그 예로 중반부의 그루브함이 느껴지는 브레이크다운과 후반부의 유려한 리드 기타 플레이 등으로 다채로움을 더했다. 또한 물 따라 바람 따라 가는 듯한 자연스러운 곡의 흐름을 통해 뚜렷한 곡의 기승전결을 표현해냄으로써 10분 가까이 되는 대곡을 금세 끝내버리는 인상을 받았다.

12분이 넘어가는 세 번째 곡 Descending into the Labyrinth역시 특유의 무겁고 어두침침한 분위기와 강렬한 리프들이 공존하는 곡이다. 반면 이 곡에서는 어쿠스틱 기타와 솔로를 활용하거나 톤에 변화를 주기도 하는 등 앞선 곡들과 몇몇 다른 면모를 지니고 있는데, 앨범의 중반부를 지나는 무렵에서 분위기를 환기하여 뻔하고 예측 가능한 전개에서 벗어나는 역할을 해 주었다. 또한 곡 후반부에서 서정미 또한 불러일으키며 분위기를 차차 고조시켜나가다가 묵직한 리프로 자연스러운 분위기의 전환을 이끌어내는 부분은 그야말로 압도적이었다.

무거운 어쿠스틱 기타의 선율과 키보드가 조화를 이루며 시작하는 네 번째 곡 Tomb of the Ancients는 곧이어 이어지는 진득한 전개로 초반부터 감탄을 자아내게 만든다. 이후로는 거친 연주가 이어지며 착착 감기는 리프와 격렬한 드럼의 질주가 계속되고, 한 치의 빈틈도 허용하지 않는 빽빽한 구성과 깔끔한 마무리까지 자연스럽게 이어진다. 한편 곡 후반부에서 흘러나오는 멜로디 중 일부는 The Chasm의 연주곡 Procession to the Infraworld의 리프들 중 하나와 매우 유사했는데, The Chasm의 영향을 직접적으로 볼 수 있는 부분이기도 했다.

마지막 곡 Dawn Breaks over the Ruins 또한 짤막한 어쿠스틱 파트로 시작했다가 곧이어 고조된 분위기 속에서 곡이 진행된다. 앨범을 마무리하는 마지막 곡답게 곡 전반적으로 한껏 달아오른 분위기를 선보이되, 중반부에서 한 번 잠시 가라앉으며 클라이맥스를 예고하는 전개를 보여준다. 이후 선보이는 마지막 클라이맥스에서는 마치 일렁이는 태양이 떠오르는 듯한 강렬한 인상을 주며 넘쳐흐르는 비장미 속에서 완벽한 마무리를 선사했다. 또한 이 곡의 분위기와 형식은 Ennio Morricone의 불후의 명곡 The Ecstasy of Gold를 연상시키기도 했다.

전체적으로 8현 기타를 활용하여 1집 On the Steps of the Temple보다도 더욱 무게감 넘치고 다채로운 사운드를 만들어내고 있었으며, 더욱 진보한 면모를 보여주기도 했다. 또한 라이브를 하지 않는(사실상 할 수 없는) 밴드의 특징을 역이용해 최대 4~5대의 기타를 동시에 등장시키는 등 라이브를 포기한 대신 음원 그 자체의 꽉 차고 풍성한 느낌을 극대화시켰다. 또한 스튜디오 엔지니어가 본업인 기타리스트 Ryan Wenzel은 자신의 스튜디오에서 직접 녹음을 작업을 진행했으며 덕분에 더욱 깔끔하고 의도한 그대로의 사운드 및 분위기를 도출해 낼 수 있었다.

수록된 다섯 곡 모두 저마다의 뚜렷한 색채와 최상의 완성도를 선보였으며, 전반적인 분위기 역시 전성기 Opeth나 굴지의 블랙 메탈 밴드들과 비교해 봐도 전혀 부족함이 없으면서 자신만의 개성 또한 보여주고 있었다. 그뿐 아니라 머리를 절로 흔들게 만드는 리프들로 보컬 없이도 듣는 재미를 충족시켜 주었다. 더욱이 8현 기타를 활용한 압도적인 무게감을 선보이면서도 젠트 계열 등 기존의 8현 기타를 사용하는 밴드들과는 상당히 다른 방식, 즉 상대적으로 고전적인 방식을 활용한 특색을 보여주기도 했다. 게다가 보컬이 없다는 점을 역이용하여 강렬하면서도 듣기 편하게 만들었다는 점 역시 당연하지만 분명한 특색 중 하나라고 본다. 때문에 이 앨범은 음악에 집중하며 감상해도 좋고 다른 일을 할 때 배경음악으로 틀어놓아도 좋은 다방면의 매력을 지니고 있다고도 생각한다.

앨범 커버 역시 지금껏 본 앨범 커버 중 가장 인상적이었던 커버 중 하나였다. 이는 보컬과 가사 없이 오직 연주로만 승부를 봐야 하는 이들 음악의 특성상 앨범 커버가 음악의 이미지에 끼치는 영향은 훨씬 클 수밖에 없기에 더욱 신경을 쓴 결과일 것이리라. 커버는 Lucas Ruggieri라는 미국인 미술가가 담당했으며, 먼저 밴드 멤버들이 앨범의 제목과 컨셉을 그에게 알려준 뒤 그가 이를 바탕으로 그려낸 것이라고 한다. 또한 소장 중인 앨범 내에는 앨범 커버 부분을 포함한 커다란 전체 일러스트가 포함되어 있는데, 이 속에서 앨범 수록곡들의 제목과 분위기를 하나하나 찾아볼 수 있다는 점 또한 시각적 예술과 청각적 예술의 시너지 효과를 불러일으키고 있었다.

그리하여 이러한 앨범 커버의 분위기와 완벽하게 어울리는 이들의 음악은 그야말로 연주 앨범의 일대 혁명으로 불러도 좋을 만큼 훌륭했다. 연주 앨범으로서 이 앨범이 이루어낸 성과는 매우 인상적이라고 이야기할 수 있을 것이다. 보통 연주 앨범의 경우 보컬이 없다는 점에서 오는 심심함이나 혹은 그 점을 보완하려다 무리수를 두는 경우가 주요한 문제라고 볼 수 있다. 가장 적절한 예시로 The Chasm의 최근 앨범 A Conscious Creation from the Isolated Domain - Phase I 을 들 수 있을 것이다. 비록 개인적으론 이 앨범의 새로운 시도 역시 높이 평가하며 상당히 좋게 듣기도 했지만, 이전 앨범들에서 종종 등장했던 연주곡들과도 사뭇 다른 스타일로 더욱 실험적인 시도를 했으나 결과적으로 이전 앨범들에 미치지 못하는 평을 받기도 했다. 이러한 결과는 단순히 앨범 내에 연주곡을 몇 곡 끼워 넣는 것과 앨범 전체를 연주곡으로만 만드는 것의 뚜렷한 차이를 단적으로 보여주는 사례라고 생각한다. 이처럼 앨범 전체가 보컬 없이 연주로만 구성되었다는 것은 단지 일반적인 곡에서 보컬 파트를 빼놓은 것 그 이상의 무언가를 요구하며, 보컬의 빈자리 또한 채우는 것이 연주 앨범의 가장 큰 과제이다.

그리하여 유명한 기타리스트들은 화려하고 테크니컬한 솔로들로 연주 앨범을 채우거나, 슬럿지/포스트 메탈 밴드들은 분위기를 적극 부각시켜 굳이 보컬이 필요 없는 음악을 추구하기도 했다. 하지만 이들의 경우 분위기도 분위기지만 근본적으로 짜임새 있는 리프들의 구성을 통해 보컬 없이도 강렬한 인상을 남기는 제 3의 길을 찾아낸 것이다. 다시 말해 이 앨범은 마치 The Call of Ktulu, Stream of Consciousness, Procession to the Infraworld같은 명 연주곡들로만 구성된 독자적인 메탈 앨범이라는 점에서 독보적인 특수성을 지니는 것이다. 비유하자면 Metallica가 The Call of Ktulu같은 곡으로 가득 찬 연주 앨범을 만든 셈이다. 그만큼 이 작품의 색깔과 완성도는 가히 독보적이라고 말할 수 있을 것이다.

앞서 언급했듯이 이들의 사운드는 Ennio Morricone와 Pink Floyd부터 The Chasm과 Deathspell Omega에 이르는 광범위한 영향력 하에 만들어진 것이었기에 실로 다채롭고 독특한 스타일을 구사하고 있다. 물론 이들 이전에도 연주로만 이루어진 메탈 앨범들은 존재해왔고, 특히 슬럿지/스토너/드론/포스트 메탈 계열 장르에서 연주로만 승부를 보는 밴드들이 제법 있었다. 하지만 그러한 밴드들과 이들의 가장 큰 차이점은 이들의 다채로운 대곡 구성과 무거우면서도 거침없이 몰아치는 리프들의 연속, 독특한 분위기가 한데 어우러졌다는 점을 들 수 있겠다. 다시 말해 이들만의 강점은 프로그레시브한 면모 속에서도 돋보이는 맛깔나는 리프 진행과 육중한 무게감과 공존하는 환상적인 분위기가 모두 어우러져 적절한 조화를 이루었다는 것으로 이야기할 수 있겠다.

그리하여 프로그레시브한 구성과 앳모스퍼릭 슬럿지 내지는 포스트 메탈적인 분위기, 스래쉬/데스 풍의 착착 감기는 리프들, Opeth류의 서정미와 비장미가 공존하는 강렬한 연출, 그리고 Drudkh같은 블랙 메탈의 느낌을 전부 이 하나의 앨범에서 느낄 수 있었다. 결국 이 앨범도 2010년대를 빛낸 다른 적지 않은 작품들과 마찬가지로 장르적 틀에 구애되지 않고 다양한 스타일을 녹여내며 자신만의 독특한 스타일을 만들어낸 부류로 해당된다고 말할 수 있을 것이다.

물론 이러한 흐름을 이미 앞선 음악가들이 이룩해놓은 것들을 적절히 배합한 것에 불과하며 새로움이 부족하다고 비판할 수도 있겠지만, 분명히 이것들도 ‘새롭다’라는 것이 중요하다. 인도의 커리가 일본과 한국에서 카레로 바뀐 것이나, 중국의 자장몐이 한국의 짜장면이 된 것처럼 원본에서 영향을 받아 만들어진 것이라고 해도 얼마든지 독립적이고 새로운 저만의 가치를 지닐 수 있는 것이다.

게다가 이 과정은 결코 쉬운 것이 아니다. 장르 간 융합은 조금만 잘못하면 매우 어색해지기 쉽기 때문에 훨씬 더 폭넓은 이해와 깊은 고찰이 필요하다. 또한 이를 통해 기성 밴드들의 사운드와는 또 다른 분명한 자신만의 사운드를 만들어내는 것은 더욱 어려운 일이고, 이것들을 모두 성공적으로 완수해낸 음악만이 장르적 한계를 넘어선 우수한 작품으로 평가될 수 있다. 때문에 이러한 리스크들을 이겨내고 탄생한 작품들은 새롭지 않다고 비난받을 것이 아니라 오히려 더욱 높이 평가할 만한 가치가 있다고 본다.

채 100년이 되지 않는 록과 메탈의 역사 속에서 수많은 위대한 밴드들이 흥망성쇠를 거듭해오며 음악의 가지를 현재까지도 계속 뻗어 나가게 만들고 있고, 서로가 서로에게 영향을 주고받음으로써 새로운 가지들도 계속 돋아나고 있다. 비록 최근의 매탈 장르가 전반적으로 침체된 것처럼 보일지라도, Tempel을 포함한 여전히 많은 밴드들이 저마다의 새로운 길을 개척하며 활로를 찾아 나가고 있다. 비록 아직까지는 이러한 흐름이 완전히 새롭게 느껴지지 않을지라도, 이러한 일련의 과정은 분명히 크고 작은 혁신의 길로 이어진다고 믿어 의심치 않는다.

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그 지위는 잃었을지라도 그 이름까지 잃어버린 건 아니기에

영국의 작곡가 Gustav Holst의 관현악 모음곡 “The Planets"는 1914년부터 1916년 사이에 작곡되었으며, 1918년 비공개 초연을 거쳐 1920년에 최초로 공개 초연이 이루어졌다. 총 일곱 개의 섹션으로 구분되는 이 곡은 개별 섹션마다 각각의 행성 이름과 그에 해당하는 그리스·로마 신화의 신들을 의미하는 표제가 붙어 있다. 또한 Holst 본인이 이 곡을 작곡하게 된 계기가 천문학이 아닌 점성술에 기반한 것이었기에 곡의 순서 역시 행성 배열 순서가 실제 태양계의 배열 순서와 다소 다르고, 지구와 당시 발견되지도 않은 상태였던 명왕성은 빠진 일곱 개의 행성을 포함하고 있다.

곡이 발표된 당시까지만 하더라도 당대를 주름잡던 유명 작곡가들에 비하면 딱히 엄청난 반향을 일으키지는 못했으나, 20세기 중반 이후 천문학과 우주 과학 기술이 비약적으로 발전하면서 현대에 이르러 명곡 반열에 들게 되었다. 특히 이 곡은 현대 작곡가, 특히 영화 음악 작곡가들이나 록 밴드들에게도 지대한 영향을 미쳤다. John Williams나 Hans Zimmer같은 영화음악계의 거장들이 ‘화성’을 차용하기도 했고(누구나 한 번쯤은 들어봤을 스타워즈 시리즈의 The Imperial March가 바로 그 결과물이다.), 프로그레시브 록의 대가 King Crimson은 ‘화성‘을 편곡한 The Devil's Triangle이라는 곡을 만들기도 했다. 또한 국내에서도 밴드 넥스트가 ’화성’을 커버하기도 했으며, ‘목성‘의 경우 한때 MBC 뉴스데스크 배경음악으로 사용된 바 있는 만큼 “The Planets"의 위상은 현대에 들어 더욱 올라가 현재는 대중들에게 익히 알려져 있는 클래식 명곡으로 남아 있다.

그리고 이 곡이 공개 초연된 지 딱 100년이 지난 2020년, 그리고 Black Sabbath에 의해 본격적으로 메탈이 성립되기 시작한 지 반세기가 지난 올해 두 명의 원맨 밴드에 의해 “The Planets"는 새롭게 재창조되었다. 그리스의 Spectral Lore와 미국의 Mare Cognitum가 협업한 결과물 Wanderers: Astrology of the Nine이 바로 그것이다.

Ayloss(본명 Chris Dir)의 Spectral Lore와 Jacob Buczarski의 Mare Cognitum은 2000년대 이후 Darkspace를 필두로 소위 ‘스페이스 블랙 메탈’ 내지는 ‘코스믹 블랙 메탈’이라고 불리는 부류 중에서도 실력과 개성 모두를 갖춘 원맨 밴드들이다. 먼저 Spectral Lore의 경우 보다 거칠고 날것의 블랙 메탈 사운드와 엠비언트에 기반하면서도 때때로 아방가르드에 가까운 독특한 면모가 나타나는 독창적인 음악 세계를 보여주고 있으며, 한편 Mare Cognitum은 좀 더 깔끔하고 프로그레시브한 구성이 존재하는 매우 독자적인 사운드를 정립했다. 비록 Spectral Lore가 몇 년 더 일찍 활동을 시작하기는 했으나 두 밴드 모두 2014년의 정규 앨범에서 더욱 진일보한 모습을 보여주며 이쪽 계열 원맨 밴드로서의 독보적인 존재감을 과시하게 되었다. 그리고 2013년에는 두 밴드의 태양을 테마로 한 스플릿 앨범이자 공동 작곡한 곡이 담겨있는 Sol(라틴어로 태양을 뜻한다)을 발표하며 이때부터 이미 두 밴드 사이의 밀접한 관계를 보여주기도 했다.

한편 두 밴드 모두 2016년 이후로는 정규 앨범을 발매하지 않고 스플릿이나 신규 프로젝트 등으로 간간히 모습을 드러내며 다음 정규 앨범을 원하는 팬들의 애간장만 타들어 가게 만들고 있었다. 그러던 와중 마침내 올해 1월, 2013년의 스플릿 Sol 이후 이 두 밴드가 다시 힘을 모아 만들어낸 Sol의 후속작이자 태양계의 행성들을 테마로 한 무려 두 시간에 달하는 거대한 작품이 공개될 예정이라는 소식이 들려왔고, 지난 3월 마침내 앨범이 발매되었다. 또한 발매 직후 LP 버전이 전부 매진될 만큼 팬들의 높은 기대감을 충족시켜주기도 했다.

앨범은 엄밀히 말하면 스플릿 앨범이지만 마지막 두 곡은 Ayloss와 Buczarski의 협업으로 탄생한 곡들이며 앨범 전체가 태양계의 행성들을 주제로 한 컨셉 앨범이기 때문에 작년 핀란드의 Oranssi Pazuzu와 Dark Buddha Rising이 협력하여 만든 Waste of Space Orchestra의 Syntheosis처럼 일종의 콜라보레이션 앨범이라고 봐도 무방할 것이다.

Mare Cognitum의 Jacob Buczarski에 따르면 이 작품은 분명히 Gustav Holst의 행성 모음곡에 영감을 받아 탄생한 작품이지만, 그들은 단순히 Holst의 발자취를 따르기보다는 좀 더 독자적인 자기들만의 “The Planets”를 만들고 싶었다고 한다. 그리하여 그들은 개별 곡명에 행성의 이름과 함께 행성을 상징할만한 단어를 병기하여 Holst가 보여준 형식을 따르면서도 실제 음악에 있어서는 전혀 새로운 음악을 탄생시킴으로써 완전히 새로운 행성 모음곡을 만들어냈다. 과거 다른 밴드나 작곡가들이 Holst의 음악을 차용하거나 혹은 저마다의 커버 버전을 만든 것에 비해 이들의 경우 전반적인 형식만을 빌려오되 그 내용물은 완전히 다르다는 점에서 뚜렷한 특징을 보여준다. Buczarski가 인터뷰에서 농담조로 언급한 대로 “우리는 Holst가 완전히 싫어할 만한 것을 만들어냈다.”라고 한 것처럼 이들은 재해석을 넘어선 재창조에 가까운 시도를 감행했던 것이다.

2 CD, 3 LP 구성으로 총 115분에 달하는 거대한 작품인 이 앨범은 개별 곡들이 각각의 행성들을 상징하며, 수성~해왕성의 여덟 곡은 두 밴드가 각각 네 곡씩 따로 맡았고, 두 밴드의 공동 작업물인 ‘명왕성’만 두 개의 파트로 나뉘어 있다. Holst의 “The Planets”와 마찬가지로 이 작품 역시 Wanderers라는 제목 그대로 점성술 적인 면모를 부각시킨 작품이다. 그래서인지 트랙 리스트를 보면 화성과 금성, 그리고 해왕성과 천왕성의 순서가 실제 태양계 행성 순서와는 반대로 되어 있는 것을 볼 수 있다. 다만 이는 고심 끝에 앨범의 음악적 구성과 흐름을 위해 곡들의 순서를 의도적으로 바꾼 것이라고 Buczarski는 밝혔다.

원맨 밴드답게 녹음과 믹싱 작업 등 모두 Ayloss와 Buczarski가 각각의 파트를 홀로 마무리했으며, 다만 공동 작업한 ‘명왕성’의 두 파트는 Buczarski가 마스터링을 담당했다. 또한 보는 사람을 홀리는 듯한 앨범 커버는 Panegyrist라는 신예 아방가르드 블랙 메탈 밴드의 멤버 Elijah Gwhedhú Tamu의 작품인데, 그는 최근 Spectral lore를 비롯한 I, Voidhanger Records 소속 밴드들의 커버를 연이어 맡으며 존재감을 키워가고 있는 인물이다. 또한 앨범 커버는 요소 하나하나가 상징적인 의미를 갖고 있는데, 몇 가지만 예로 들자면 중앙 위쪽의 빛나는 형상은 태양을 상징하며 각각의 작은 성배들로 태양의 빛이 도달하여 행성들을 비춘다는 것을 의미한다. 또한 큰 성배를 감싸고 오르다가 마치 연기가 되듯이 흩어지는 두 마리의 뱀은 우주의 조화와 불화, 그리고 해체를 통한 재창조의 시작을 의미하며, 아래쪽의 인간 형상은 인간의 존재에 대한 내적 고뇌를 상징한다고 한다.

앨범의 가사는 제목처럼 각각 행성들이 지니고 있는 점성술적 특징에 기반하여 각각의 행성들을 신화적, 절대적 존재로 그려내고, 이와 대비되는 나약한 여행자인 인간의 모습 또한 묘사하기도 한다. 또한 각각의 행성에 맞는 그리스·로마 신화의 신을 보다 직접적으로 테마로 삼은 곡들도 찾아볼 수 있으며, 특히 그리스 출신인 Spectral Lore의 곡들에서 이러한 면모가 두드러진다. 물론 가사가 대부분 시적, 상징적으로 표현된 경우가 많기 때문에 이에 대한 해석은 청자에 따라 더욱 다양할 수 있을 것이며, 이번 리뷰에서의 해석은 단순한 개인적 의견임을 밝힌다.

Mercury (The Virtuous)

수성을 상징하며 대장정의 시작을 알리는 Spectral Lore의 곡이다. 곡은 아득한 우주 공간으로 출발하는 듯한 느낌의 분위기로 시작한다. 곧이어 트레몰로 기타 리프와 더블 베이스 드러밍이 더해지며 분위기를 층층이 쌓아가다가 보컬의 절규와 함께 본격적인 시작을 알린다. 거칠고 격렬한 블랙 메탈 특유의 느낌과 함께 비장미를 조성하는 리프가 공존하며 어지러우면서도 신비감을 느끼게 해 준다. 특히 곡의 시작 부분부터 보컬이 등장하기까지의 부분은 마치 우주선의 이륙을 묘사한 듯한 느낌을 주며 거대한 앨범의 시작을 알리기에 완벽했던 도입부였다. 가사는 한없이 나약하지만, 그럼에도 미지의 영역으로 발을 내딛는 인간의 열망과 잠재력에 대해 이야기하고 있다.

Mars (The Warrior)

화성을 상징하는 Mare cognitum의 곡으로, 앞서 언급한 대로 음악적 구성을 위해 실제 태양계의 행성 배열과는 달리 의도적으로 금성과 순서를 서로 바꾼 곡이다. 한층 더 음산한 분위기의 인트로 이후 가히 폭발적인 전개로 청자를 단숨에 휘어잡으며, 부드러운 면모와 파괴적인 면모가 공존, 교차했던 Mare cognitum의 기존 스타일에서 가장 파괴적인 면모만 남아 그야말로 ‘전쟁의 신’ 아레스를 연상시키는 격렬한 흐름을 선보인다. 특히 곡 후반부와 클라이맥스 부분에서 분위기가 최고조에 다다르는 부분은 앨범 최고의 백미 중 하나라고 봐도 무방할 듯싶다. Holst의 “The Planets” 중 화성 섹션과 마찬가지로 각각의 행성들 중에서 가장 파괴적이고 격렬한 트랙이자, 가장 강렬한 첫인상을 남겨 주는 어마어마한 곡이었다. 가사 역시 모든 생명을 멸할 거대한 전쟁을 그려내고 있으며, 아레스의 쌍둥이 아들들이자 화성의 두 위성인 포보스와 데이모스 또한 언급된다.

Earth (The Mother)

우리가 살고 있는 지구를 상징하는 Spectral lore의 곡으로, 직전 곡과는 딴판인 부드러운 분위기 속에서 시작된다. 2014년 발매되었던 정규 3집의 느낌과 유사하면서도 또 다른 독특한 서정미를 구사해낸다. 한편 중반부로 접어들며 다시 거친 전개로 전환되면서 장르 특유의 비장미가 어린 분위기를 이끌어낸다. 또한 후반부에서 분위기가 극한으로 치달았다가 다시 가라앉으며 마무리되는 부분은 마치 우주 왕복선이 대기권을 돌파하며 고요한 우주 공간에 도달하는 것 같은 느낌을 주기도 했다. 한편 태양계에서 유일하게 인간이 생존할 수 있는 행성이자 인간의 고향인 지구에 대한 곡답게 가사는 따스한 난롯불, 그리고 어머니로 비유되는 고향 지구에 대한 그리움을 그려내고 있다. 또한 아들을 떠나보내면서도 언젠가 꼭 돌아올 것을 당부하는 어머니의 마음이 담긴 곡이기도 하다.

Venus (The Priestess)

화성과 순서가 뒤바뀌어 네 번째가 된 금성을 상징하는 Mare cognitum의 곡으로, 파괴적인 면모로 가득 차 있는 Mars (The Warrior)와는 달리 비교적 부드러운 면 또한 강조한다. 우선 다시 한번 비장미 넘치는 도입부로 귀를 자극하며, 이어서 조용하고 잔잔한 전개로 마음을 다잡는다. 물론 이후로는 다시금 절규하는 보컬과 거친 연주가 주를 이루지만, 그 속에서도 분명히 Mars (The Warrior)와는 뚜렷한 차이를 보이는 부드럽고 따스한 느낌을 느낄 수 있다는 것이 놀라움을 느끼게 만들었다. 똑같은 보컬 스타일과 격렬한 연주 속에서도 이렇게 다른 분위기를 낼 수 있다는 것에서 Mare cognitum의 저력을 다시 한번 느낄 수 있었다. 가사 역시 혼돈과 종말을 노래하는 Mars (The Warrior)와는 달리 어둠을 몰아내고 꺼지지 않는 빛을 밝히는 여신의 숭고한 자태와 힘을 그려내며 구원으로의 길로 인도해 줄 것을 바라는 마음을 담아내고 있었다.

Jupiter (The Giant)

목성을 상징하는 Mare cognitum의 곡이며, 태양계에서 가장 거대한 행성답게 단일 트랙으로서는 가장 긴 15분에 달하는 대곡이기도 하다. 스스로 빛을 내는 항성이 될 수 있었을 것이라고도 하는 거대한 목성의 이미지, 그리고 천둥과 번개의 신 제우스의 이미지와 어울리게 앨범 내에서 가장 길고 무게감 있는 곡이다. 더욱 진중하고 장엄한 느낌을 주는 메인 리프와 분위기로 일관성 있는 전개를 펼쳐나감으로써 목성의 웅장함과 거대함을 표현했다. 또한 클라이맥스 부분에서는 고조된 분위기로 강렬한 마무리를 선사하기도 했다. 가사는 끝없는 폭풍우와 번개가 지속되고 있을 것으로 추측되는 실제 목성의 가혹한 환경을 표현함으로써 이를 평온을 찾기 위해 끊임없이 고독 속에서 고뇌하는 절대적이고 거대한 신적 존재에 비유했다.

Saturn (The Rebel)

토성을 상징하는 Spectral lore의 곡이자, 두 번째 2CD의 시작을 알리는 곡이기도 하다. 또한, 앨범 내에서 가장 기묘하고 독특한 분위기를 지니고 있는 곡이다. 블랙 메탈 특유의 트레몰로 리프+블래스트 비트 난타가 배제된 곡이기도 하며, 베이스가 유독 눈에 띄는 곡이기도 하다. 간간히 아방가르드에 가까운 난해한 면모를 보이기도 했던 Spectral lore의 실험적인 측면이 부각된 곡으로, 기묘한 분위기와 난해하게 보이는 전개 덕에 다가가기 어려울 수도 있는 곡이지만. 겹겹이 쌓아가는 구성과 곡이 진행될수록 빛을 발하는 분위기로 은근한 매력을 뽐낸다. 특히 기타 솔로가 등장하기 시작한 부분부터 본격적으로 곡의 진가가 발현되고, 곡 전반적으로 우주 공간을 유영하는 듯한 자연스러운 전개 역시 인상 깊었다. 한편 이 곡은 로마 신화에서는 사투르누스, 그리스 신화에서는 크로노스로 불리는 농경의 신에 대한 가사를 담고 있는 곡이다. 아버지 우라노스의 지배에 반기를 들어 그를 몰아내고 권력을 얻었지만, 아버지와 마찬가지로 아들(제우스)에게 쫓겨나게 된 크로노스는 이후 현재의 이탈리아 지방으로 떠나 자신만의 도시를 건설해 군림했다고 한다. 헌데 이러한 신화와 전설이 로마에서는 농경과 문명을 가능케 해 준 황금기로 여겨진다고도 한다는 점에서 그리스 신화와는 차이를 보인다. 그리하여 가사는 그의 이단아적인 면모와 빼앗긴 권력에 대한 한탄과 복수심을 담으면서도, “Of pleasure gained without blood / Of love earned without domination” 라는 가사에서 알 수 있듯이 파괴와 약탈 대신 농경이라는 방법으로 새로운 방식의 평화를 불러온 그를 긍정하고 있기도 한다.

Neptune (The Mystic)

앞서 금성과 화성이 그랬던 것처럼 천왕성과 해왕성 역시 음악적 구성을 위해 순서가 바뀌었고, 그리하여 먼저 오게 된 이 곡은 해왕성을 상징하는 Mare cognitum의 곡이다. 이전 곡과는 달리 다시 특유의 격렬한 전개로 되돌아가 강렬한 모습을 보여준다. 또한 그러면서도 베일에 싸인 해왕성의 신비로운 면모와 동시에 차디찬 분위기를 그려냈다. 한편 이 곡은 Holst가 다루었던 행성들과 비교해 보았을 때 유일하게 부제가 ‘The Mystic’으로 동일한 곡인데, 이는 “The Planets"의 해왕성 섹션에서 개인적으로 가장 깊은 인상을 받았던 Jacob Buczarski가 Mystic이라는 단어가 해왕성과 너무나도 잘 들어맞는다고 생각해 그대로 놔둔 것이라고 한다. 가사는 목성과 마찬가지로 가혹한 환경, 특히 더욱 차디찬 공간을 그려내며, 또한 이 속에서도 지혜를 찾아 나서는 존재를 묘사하고 있다.

Uranus (The Fallen)

천왕성을 상징하는 Spectral lore의 곡이다. 곡 초반부터 무거운 분위기 속에서 강렬하게 진행되는 이 곡은 그리스 신화의 신, 즉 우라노스에 대해 가장 직접적으로 다루고 있는 곡이기도 하다. 그 때문인지 가장 극적이고 변칙적인 전개가 두드러지며, 중반부에서 분위기가 최고조로 치달았다가 확 가라앉은 뒤 몽환적인 전개가 뒤를 잇고, 마지막으로는 도입부의 느낌이 되풀이되며 곡이 마무리된다. 한편 이 곡은 Spectral lore의 Ayloss가 개인적으로 가장 선호하는 곡이라고 밝힌 곡이며, 우라노스와 그의 아내 가이아에 대한 곡이다. 우라노스는 가이아를 사랑했지만, 그녀의 아들들을 증오했고, 그들에게 크나큰 고통을 주었다. 이에 우라노스는 반기를 든 아들 크로노스에게 거세되고 권력을 잃게 되는데, 이 곡의 가사는 이러한 신화의 내용을 다룸과 동시에 남성성의 종말을 시사하기도 하는 의미심장한 메시지를 담기도 했다.

Pluto (The Gatekeeper) Part I: Exodus though the Frozen Wastes

Spectral Lore 와 Mare Cognitum이 공동으로 작곡한 곡이다. 2013년 발매된 Spectral Lore와 Mare Cognitum의 스플릿이었던 Sol의 마지막 곡 Red Giant와 마찬가지로 가사가 없는 스페이스 엠비언트 트랙이다. 우선 조용하면서도 음산한 느낌으로 적막한 분위기를 만들어내며, 곡 후반부에서는 좀 더 신비로운 느낌을 서서히 만들어내며 두 번째 파트와의 연결점을 찾아 나간다. 메탈 앨범 내에 존재하는 엠비언트 곡의 특성상 존재감이 떨어질 수밖에 없다는 한계가 있기는 하지만, Part II와의 자연스러운 연결과 분위기 전환을 이루어 준다는 점에서 나름대로의 의의는 충분히 가지고 있는 트랙이라고 볼 수 있다.

Pluto (The Gatekeeper) Part II: The Astral Bridge

대장정의 마지막을 장식하는 이 곡 역시 Spectral Lore 와 Mare Cognitum의 공동 작업물이면서 실험적인 면모 또한 엿볼 수 있는 곡이다. 우선 전반부에서는 마치 또 다른 코스믹 블랙 메탈 밴드 Mesarthim처럼 전자음을 활용하여 더욱 독특한 느낌을 내면서도 이전까지 이어온 특유의 비장미를 여전히 발산해내며 환상적인 분위기를 다시 연출해낸다. 한편 중반부로 접어들며 분위기가 급격히 어두워지고 이내 데스 메탈적인 느낌도 나는 강렬하고 무거운 전개로 돌입한다. 또한, 클라이맥스 부분에서는 분위기를 고조시킨 뒤 서서히 가라앉히며 조용하게 여정의 끝을 맺는다. 가사는 마침내 태양계의 끝에 다다르자 태양, 심지어 신들의 영향력조차 사그라들고, 이에 마침내 한계를 넘어 다른 세계로 발을 내딛는 인간 자아를 그려낸다.

전반적으로 Spectral Lore와 Mare Cognitum 모두 각자 맡은 ‘행성’들마다 각기 다른 색깔과 매력을 지닌 곡들을 선보임으로써 태양계의 아홉 행성이 지닌 저마다의 개성을 독특하고 훌륭하게 표현해냈다. 물론 공식적으로 명왕성은 2006년 태양계의 ‘행성’ 지위를 박탈당했지만, 명왕성은 여전히 Pluto라는 이름으로 불리고 있으며 애초에 이들은 이 앨범을 제작함에 있어 점성술적, 신화적 등 정신적인 테마를 바탕으로 한 것이기에 명왕성을 작품 속에 포함시킨 것이라고 추측할 수 있다. 오히려 그들은 명왕성만 두 개의 파트로 구분하고 또 둘의 공동 작업물로 제작함으로써 일종의 특별 대우를 해 주었다. 이는 비록 인간에 의해 행성 지위는 박탈당했을지언정 여전히 태양을 돌고 있고, 우리에게 여전히 명왕성이라고 불리고 있는 명왕성에 대한 위로와 경외의 마음을 담아낸 것일지도 모르겠다.

이 앨범의 특징들 중에서 가장 먼저 이 작품이 스플릿 앨범이면서도 두 시간에 가까운 거대한 컨셉 앨범이라는 것을 이야기하지 않을 수 없었다. 보통 록/메탈 장르에서 컨셉 앨범은 대개 길어도 80분 이내인 경우가 많고, 특히 전반적으로 좋은 평가를 받은 작품들만 놓고 볼 경우 이러한 경향은 더욱 뚜렷해진다. 물론 Ayreon처럼 90~100분이 넘어가는 대작들을 연이어 성공적으로 만들어내는 특이한 경우도 있기는 하지만, 보통 컨셉 앨범이라고 해서 무조건 엄청난 러닝 타임을 자랑하는 대작은 아니고, 앨범의 러닝 타임이 길다고 해서 좋은 평가를 받는 경우는 더더욱 드물다. 오히려 지나치게 러닝 타임이 긴 컨셉 앨범을 시도하는 경우 역효과를 내는 경우가 많은데, 2시간 10분에 달했던 Dream Theater의 The Astonishing이나 무려 세 시간이 넘는 Therion의 Beloved Antichrist 같은 경우가 대표적이다. 두 밴드 모두 장르를 대표할만한 베테랑 밴드임에도 장편 영화의 러닝 타임에 맞먹는 컨셉 앨범으로 팬들의 전반적인 지지를 얻기에는 실패했다.

이러한 실패의 이유에는 다양한 원인이 있겠지만, 개인적으로는 러닝 타임이 길어질수록 청자가 지루함을 느끼고 집중력을 잃게 되기 쉽다는 것이 큰 요인 중 하나라고 본다. 보통 2시간 정도는 딱히 길다고 느껴지지 않는 영화와는 달리 음악 앨범의 경우 기본적으로 청각에만 의존하기 때문에 2시간 내외나 혹은 그 이상의 앨범은 당연히 아주 길게 느껴질 수밖에 없을 것이다. 일반적으로 (정규)음악 앨범은 짧으면 3~40분에서 길면 7~80분을 오가는 편이다. 이때 2시간짜리 앨범을 영화로 비유해 본다면 거의 4시간 내외의 작품이라고 봐도 무방할 정도로 길다고 이야기할 수 있고, 이를 통해 대작 앨범이 쉽게 지루해지고 완주하기가 어려워지는 이유가 필연적이라는 것을 이해하기 쉬울 것 같다. 또한 일반적으로 일부 그라인드코어 계열 장르를 제외하고 많아야 십수 곡으로 구성된 보통의 앨범에 비해 대작 컨셉 앨범들의 경우 수십 곡에 이르는 트랙으로 이루어져 있기 때문에 더욱 쉽게 산만해지고 개별 곡들이 주는 임팩트가 약화되기 쉽다는 위험도 지니기도 한다는 점에서 음악 앨범은 길면 길수록 그 완성도에 있어서 큰 위험도를 지닌다고 볼 수 있다고 생각한다.

하지만 Spectral Lore와 Mare Cognitum은 두 가지 방법으로 이러한 위험을 극복해냈다. 먼저 이 작품이 스플릿 앨범이자 콜라보레이션 앨범이라는 점이다. 아무리 뛰어난 실력을 갖춘 아티스트라도 한 앨범을 두 시간짜리로 만들어버린다면 그 길이로 인한 지루함을 극복하기란 쉬운 일이 아닐 것이다. 또한 무난한 전개로 인한 지루함을 이겨내기 위해 매 곡마다 전혀 다른 수준으로 작곡을 하는 과감한 실험을 하는 것 역시 크나큰 리스크가 아닐 수 없을 것이다. 물론 이러한 요인들은 Spectral Lore와 Mare Cognitum 각각에게도 당연한 리스크였으리라. 그리하여 그들은 각각 네 곡씩을 담당하고 마지막 두 곡은 공동으로 작업한 뒤 앨범의 흐름과 구성에 맞게 배치함으로써 각각의 곡마다 변화무쌍한 모습을 보여주어 천편일률적이고 지루한 전개를 예방하는데 성공했다. 예를 들어 곡 순서에 있어서 같은 밴드의 곡이 연속으로 배치되는 경우를 최소화함으로써 비슷한 스타일이 되풀이될 우려를 최소화했다. 또한 개별 곡들에 태양계의 행성을 하나씩 대입시켜 각각의 곡들이 서로 전혀 다르게 느껴질 수 있다는 것에 대한 당위성을 자연스럽게 부여하기도 했다.

물론 이러한 일은 결코 쉬운 일이 아니었을 것이다. 모든 록/메탈 장르를 통틀어 두 밴드 또는 아티스트의 스플릿 또는 콜라보레이션 앨범이 본래 각자의 정규 앨범들을 상회하는 평가를 받는 경우는 극히 드물뿐더러 대개는 잘 해봤자 본전치기일 정도이다. 때문에 “사공이 많으면 배가 산으로 간다”라는 말처럼 합작을 만드는 것은 좀처럼 쉬운 일이 아니다. 그리하여 보통 밴드나 음악가들의 협업은 보통 피쳐링이나 프로듀싱에 그치는 경우가 많고 공동 작업물을 만들어 하나의 앨범으로 만드는 것은 드문 편이다. 아무리 이전부터 잘 알고 친하게 지내던 사이라도 함께 작곡을 하고 하나의 음악을 완성시킨다는 것은 상호 간의 훨씬 더 깊은 이해를 요구하는 작업이기 때문일 것이다.

한편 Spectral Lore와 Mare Cognitum은 2013년에 이미 공동으로 작곡한 곡을 포함한 스플릿 Sol에서 협력의 가능성을 보여주었다. Sol 역시 스플릿 앨범치고는 상당히 긴 러닝 타임을 자랑했지만, 두 밴드가 각각 한 곡, 그리고 공동으로 작업한 한 곡의 단 세 곡으로 이루어진 작품이었기에 이 작품에 비하면 구성 면에 있어서의 고민은 훨씬 적었을 것이다. 하지만 중요한 것은 이들이 그 당시부터 협업을 해옴으로써 이 작품과 같은 더욱 큰 규모의 협업을 가능케 할 기반을 마련해왔다는 것이다.

두 번째 이유는 앞서 잠깐 언급했던 곡과 행성을 일 대 일로 대입시킨 전략이었다. 물론 명왕성의 경우 두 개의 파트로 나뉘어 있기는 하지만, 나머지 모든 행성들은 각각 하나의 곡에 대입되어 있다. 이 방법이 유효했던 이유는 이미 언급했듯이 가지각색의 스타일을 지닌 곡들을 보여주면서도 그에 대한 충분한 당위성을 지닌다는 것인 동시에 전반적인 흐름 에도 신경을 썼기 때문이다. 즉, 각각의 행성들마다 서로 다른 면모를 보여주는 곡들을 하나하나 펼쳐나가면서도 중구난방의 전개가 아닌 오히려 팔색조 같은 매력을 느끼게 만드는 효과를 주었다는 것이다. 사실 당연한 것이겠지만, 저마다 뚜렷한 차이점을 지니고 있는 태양계의 행성들을 각각의 곡에 대입한다는 것 자체가 서사 위주로 진행된 기존의 컨셉 앨범들과는 상당히 다른 잠재력과 가능성을 가지고 시작한다는 것에서 차별화를 둘 수 있을 것이다.

또한 앨범 구성에 있어서 수십 개의 곡들을 나열하는 것이 아닌 딱 10개의 곡만을 수록하여 각각의 곡들이 저마다의 색을 보여주면서도 특정 곡이 다른 곡에 의해 묻혀 존재감을 상실해버리는 일을 방지했다. 그리고 곡 구성에 있어서도 대체로 10±2분 정도의 길이를 유지하여 특정 곡에 지나치게 비중이 쏠리는 일을 예방하고, 충분한 시간을 할애한 대곡 구성을 통해 각각의 곡이 가진 저마다의 특색과 매력을 뽐낼 수 있게 설정해 두었다.

물론 이들이 2013년도의 스플릿 Sol로 협력 경험을 쌓고, 각자의 이전 활동들로 음악적 경험들을 차곡차곡 쌓아왔다고 하더라도 이 작품은 결코 쉽게 탄생한 것이 아니었다. 이 작품의 녹음 및 믹싱 과정은 2016년부터 2019년까지 무려 3년 가까이 이어졌고, 둘 모두 서로 다른 대륙에 살고 있는 원맨 밴드였기에 작업은 각자의 국가에서 따로따로 이루어졌다. 때문에 두 밴드 모두 이 작품 작업 기간에는 꾸준히 활동해왔던 전에 비해 상대적으로 조용한 행보를 이어갈 수밖에 없었다. 더욱이 이런 원맨 밴드의 특성상 생계를 이어갈 직업은 따로 갖고 있는 경우가 대부분이기에 작업을 진행하는 것은 더더욱 쉬운 일이 아니었으리라. 실제로 Mare Cognitum의 Jacob Buczarski는 컴퓨터 프로그래머로서 일하고 있기도 하다.

하지만 인고의 시간을 거쳐 마침내 탄생한 이 작품이 이루어낸 성과는 실로 값진 것이었다. 우선 음악 그 자체를 놓고 볼 때의 완성도는 이전 Spectral Lore의 III이나 Mare Cognitum의 Phobos Monolith와 같은 각자의 최고작들에 비견될만한 훌륭한 수준이었다. 먼저 Spectral Lore의 곡들의 경우 장르적 구속에 얽매이지 않는 특유의 독특한 개성을 여지없이 발휘하고 있었으며, 그러면서도 (블랙)메탈 본연의 기본기 또한 충족시키며 개성과 실력 모두를 잡아냈다. 또한 거친 연주와 보컬 속에서 타오르는 비장미와 잔잔하고 부드러운 부분에서 피어나는 서정미의 공존은 Spectral Lore의 실력과 가능성을 다시 한 번 각인시켜주기에 충분했다. 보다 직설적인 모습으로 확실한 첫인상을 안겨주며 완벽한 오프닝을 보여준 Mercury (The Virtuous), 특유의 독특한 서정미를 부각한 Earth (The Mother), 독특한 실험적 면모를 보여준 Saturn (The Rebel)과 극적 구성이 두드러지는 Uranus (The Fallen) 모두 저마다의 매력과 가치를 지니고 있었다.

마찬가지로 Mare Cognitum역시 이에 뒤처지지 않는 존재감을 과시하고 있었다. 일명 코스믹 블랙 내지는 스페이스 블랙이라고 불리는 이쪽 부류 내에서도 단연 독보적으로 프로그레시브하고 꽉 찬 구성을 통해 단순히 우주적 분위기를 조성하는 것 이상의 짜임새 있는 음악을 만들어내며 입지를 다진 그답게 이번 작품에서도 역시 실력을 어김없이 보여주었다. 이번 앨범에서는 이전 앨범들로부터 차곡차곡 쌓아온 그의 저력을 재확인하면서도 새로운 면모를 보여주는 데 성공했다. 폭발적인 화력으로 청자를 압도하는 Mars (The Warrior)와 이와 대비되는 부드러운 면모를 지니면서도 강렬한 비장미를 선사한 Venus (The Priestess), 목성의 이미지에 어울리는 웅장한 무게감을 조성해낸 Jupiter (The Giant), 차디찬 분위기 속에서도 신비함을 느끼게 만드는 Neptune (The Mystic) 전부 Spectral Lore만큼 곡마다 큰 차이를 보인 것은 아니지만 충분히 구별될만한 뚜렷한 개성, 그리고 그 자체적으로도 훌륭한 음악을 들려주었다.

마지막으로 둘의 합작품인 Pluto (The Gatekeeper) Part I & II의 경우 시너지를 만들어내는 둘 사이의 협동심과 양측 모두의 새로운 면모를 확인할 수 있었던 곡이었다. 특히 Part II: The Astral Bridge는 앨범 내에서 가장 뚜렷한 색채를 지니고, 전/후반부가 가장 극적으로 대비되는 곡이면서도 가장 기억에 남는 곡 중 하나일 정도로 강렬한 인상을 남겨주었다.

더 나아가 이 작품은 단지 음악뿐 아니라 그 컨셉과 가사, 그리고 앨범 커버에 이르기까지 모든 요소가 하나로 어우러져 하나의 정신적 체험이라고 봐도 좋을 정도로 마음 속 깊은 울림을 남겨 주었던 작품이었다. 앨범을 들으며 태양을 떠나 수성에서부터 명왕성에 이르며 태양계를 벗어나 미지의 세계로 돌입하게 되는 일종의 정신적인 여정을 체감할 수 있었다는 것은 이 작품이 Spectral Lore와 Mare Cognitum의 의도를 완벽히 살려냈음을 증명한다. 또한 마치 신화 또는 서사시처럼 각각의 행성을 절대적 존재로 묘사하고 이들을 거쳐나가며 여정을 이어가는 가사와 눈을 사로잡는 앨범 커버는 음악과 혼연일체가 되어 청자를 아득한 우주 공간으로 인도해주었다.

그리하여 이 작품은 태양계의 행성들을 테마로 하여 청자로 하여금 드넓은 태양계로 여정을 떠나게 만들어주는 정신적 체험을 선사한 대작이었다. 무려 두 시간에 근접한 거대한 작품임에도 상대적으로 지루함을 느끼기 어려울 정도로 짜임새 있게 만들어져 있고 곡들이 각양각색의 매력을 뽐내고 있었다. 물론 굳이 단점을 지적하자면 거의 완벽에 가깝다고 말할 수 있는 1 CD(1~5번 트랙)에 비해 2 CD(6~10번 트랙)의 곡들이 상대적으로 임팩트가 떨어진다는 말을 할 수도 있겠지만, 그래도 2시간에 달하는 음악 앨범이 지니는 위험성을 고려해 볼 때 이 정도면 충분히 훌륭했다고 보고 싶다. 특히 마지막 곡의 마무리나 전반적인 흐름에 있어서는 2 CD 부분 역시 출중한 편이었다고 볼 수 있겠다. 당연한 것이지만 이 작품은 컨셉 앨범답게 앨범 전체를 한 번에 쭉 들어야 그 가치를 제대로 느낄 수 있는 작품이다. 그래서인지 실물 앨범 구매 당시 부득이하게 2 CD 또는 3 LP로 나뉜 물리적 한계를 보완하고 청자의 편의를 위해서 무려 1.7GB에 이르는 디지털 음원을 함께 제공해 주기도 했다.

Holst의 “The Planets"가 공개 초연을 한지 딱 100년이 지난 올해 발매된 이 작품은 언뜻 보기에 클래식과 익스트림 메탈이라는 엄청난 괴리감을 두고 있는 것 같지만, 근본적으로 두 작품의 의도와 효과는 유사하다고 볼 수 있을 것 같다. 태양계 행성들과 그들의 점성술적 가치에 대한 경외가 담긴 묘사를 통해 청자에게 그 위용을 표현해 줄 뿐 아니라 음악을 통한 정신적 체험을 이끌어낸다는 것이 그 이유이다. Holst의 곡이 처음 발표되었을 때의 반응은 딱히 엄청난 수준까지는 아니었지만, 시간이 흐르면서 이제는 영화음악과 록/메탈 등 타 장르에 이르는 광범위한 영향력을 지닌 명작으로 추앙받고 있다. 그리하여 Spectral Lore와 Mare Cognitum역시 Holst의 음악에 깊은 인상과 영감을 받아 이 작품을 만들어낸 것이다.

하지만 이 앨범은 이전까지 다른 아티스트들이 보여주었던 단순한 커버나 리메이크 등과는 그 궤를 달리하는 작품이다. 이들은 그저 Holst의 음악을 재구성하는 것에 그치지 않고 전혀 새로운 형태로 재창조함으로써 분명히 영향을 받되 자신들만의 독자적인 작품을 창조하는 데 성공해냈다. 그리고 이 작품은 Holst의 곡과는 또 다른 방식으로 태양계의 행성들에 대한 경외를 표현함으로써 청자에게도 색다른 경험을 안겨 주었다.

이처럼 예술 작품은 시간의 흐름에 따라 그 평가가 달라지기도 하고, 다른 예술가들에 의해 끊임없이 재생산되기도 한다. 또한 이러한 재생산 과정은 단순한 커버부터 시작해 완전히 새로운 작품으로 거듭나기도 한다. 이러한 일련의 흐름을 통해 예술의 뿌리가 뻗어 나감으로써 끊임없이 새로운 예술 작품들이 탄생할 수도 있다고 본다. 그리하여 Spectral Lore와 Mare Cognitum의 합작품 Wanderers: Astrology of the Nine은 Holst의 클래식을 기반으로 하여 탄생한 우리 시대의 새로운 명작으로 기억될 것이고, 그리고 또 언젠가는 이들의 음악에 영감을 받아 탄생한 또 다른 훌륭한 작품이 탄생할지도 모르는 것이다.

Holst는 명왕성이 발견된 이후에도 의도적으로 명왕성에 대한 음악을 새로 만들 것을 거부했고, “The Planets" 그 자체에 대해서도 자신의 다른 작품들의 존재감을 묻어버린 것 때문에 딱히 탐탁지 않게 여겼다고 한다. 그러나 그의 죽음 이후 수십 년 뒤 Colin Matthews에 의해 Pluto, the Renewer가 작곡되기도 했고, “The Planets"는 지금까지도 수많은 음악가들에게 영감을 주며 끊임없이 새로운 작품을 탄생시키고 있다.

비록 명왕성이 인간, 그것도 특정 집단에 의해 태양계 행성의 목록에서 퇴출되었다고 할지라도, 명왕성은 인류가 탄생하기 훨씬 이전부터 태양을 따라 공전해왔고 앞으로도 계속 그럴 것이다. 그뿐 아니라 명왕성은 ‘왜소행성 134340’보다는 여전히 우리에게 익숙한 명왕성이라는 이름 그대로 불리고 있다. 즉, 한 번 각인된 이름과 그 존재는 사람들의 마음속에서 쉽사리 사라지지 않는다. 예술 작품 역시 마찬가지로 누군가가 거부한다고 해서 단번에 그 가치를 상실하는 것이 아니다. 그 누군가가 그 작품의 창작자라고 할지라도 말이다. 일단 한 번 탄생한 예술 작품은 그것을 접하게 되는 모든 사람에게 인식되고, 그것을 선호하게 된 사람에게 기억되며 깊은 인상을 주고 때로는 새로운 예술 작품을 창작하는 영감으로 이어진다. 그렇게 예술 작품은 누군가에게 기억되고 영감을 주는 한 계속해서 불멸의 가치를 지니게 되는 것이다. Spectral Lore와 Mare Cognitum의 합작 Wanderers: Astrology of the Nine역시 그 가치를 알아주는 모든 이들에게 기억되며 태양계를 공전하는 행성들처럼 앞으로도 계속 우리 곁에 존재하며 그 영향력을 떨칠 것이다.

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"사람은 두 번 죽는다. 한번은 육체적으로, 또 한 번은 타인의 기억 속에서 사라짐으로서 정신적으로 죽는다."

2006년 1월 25일, 런던의 한 아파트 단칸방에서 백골 상태의 시신이 발견되었다. 그녀의 이름은 Joyce Carol Vincent였다. 그녀는 2003년 12월 사망하여 2년 넘도록 그 누구에게도 발견되지 않은 채 방치되어 있다가 재산 압류를 위해 아파트로 진입한 집행관에게 발견되었다. 그녀에게는 가족, 친구, 그리고 연인까지 있었으나 그 누구도 그녀의 죽음을 알지 못했다. 이 사건은 당시 영국 사회에 상당한 충격을 주었고, 2011년 Dreams of a Life라는 제목의 다큐멘터리 드라마로 제작되기도 했다. 또한 2015년에는 Steven Wilson에 의해 이 사건을 바탕으로 제작된 컨셉 앨범이 발표되었으니, 바로 이번에 리뷰할 Hand. Cannot. Erase.이다.

Porcupine Tree의 프론트맨으로서 이전부터 그 실력을 입증해온 Steven Wilson은 2010년대 들어 솔로 활동에 집중하면서 더욱 독자적인 음악 세계를 구축해왔다. 이 앨범이 만들어지기 약 3년 전 그는 Joyce Vincent 사건을 다룬 다큐드라마 Dreams of a Life를 본 이후 큰 충격을 받았다고 한다. 물론 이 경험이 마치 ‘유레카’처럼 이 앨범 제작으로의 즉발적인 계기가 된 것은 아니지만, 신작 구상 도중 머릿속에 남아 있던 사건에 대한 기억이 이 컨셉 앨범을 만들어내는 계기가 되었다고 한다.

따라서 이 작품은 Joyce Vincent 사건을 기반으로 한 작품이지만, 해당 사건을 그대로 재구성한 논픽션이 아니라 사건을 바탕으로 하되 H.라는 이름을 가진 가상의 주인공을 새로 등장시킨 픽션이다. 또한 이 작품의 주인공이자 화자는 여성이기 때문에 Steven Wilson은 여성의 관점이 투영된 작품을 제대로 만들어내기 위해 이전과는 다른 노력을 기울였다고 한다. 그뿐 아니라 그는 몇몇 곡들에 실제로 여성의 목소리를 담아낼 필요를 느꼈기 때문에 그는 동료 Aviv Geffen에게서 소개받은 이스라엘 여가수 Ninet Tayeb와 함께 작업을 진행하기도 했다.

또한 단절, 고독, 외로움 등을 다루는 이 앨범의 테마와 어울리게 이 앨범의 가사는 상당수가가 화자 내면의 독백으로 이루어져 있다. 앨범의 화자는 자신의 하루하루의 생각들을 기록해나가지만 오히려 이는 그녀를 더욱 깊은 고독과 외로움으로 인도한다. 그리하여 그녀의 생각은 더욱 비현실적인 방향으로 이어지고, 청자로 하여금 무엇이 현실인지, 아니면 그녀의 망상인지 알 수 없는 단계에 도달하게 된다.

이러한 방식의 전개는 ‘거의 모든 소통과 관계가 단절된 여성이 어떻게 자신의 이야기를 들려주어야 하나?’라는 의문에서 비롯되었다. 이러한 의문에 대해 Wilson은 그녀는 남과 이야기하는 대신 다이어리 혹은 블로그에 자신의 삶에 대한 이야기를 기록할 것이라고 생각했으며 이는 독백 위주의 형식을 갖춘 앨범으로 이어졌다. 실제로 Wilson은 앨범의 여성 화자에 감정을 이입시키기 위해 직접 다이어리와 블로그를 작성했고, 이러한 내용은 앨범의 4번 트랙 Perfect Life에 고스란히 담겨 있다. 또한 앞서 언급했던 것처럼 여성 화자의 색채를 더욱 부각시키기 위해 Katherine Begley라는 성우의 목소리로 그의 가사, 즉 화자의 내면을 표현하기도 했다.

앨범의 주요 소재가 고독사 사건을 바탕으로 하고 있기에 이 앨범의 주제는 당연히 현대 도시 사회의 단절과 고독에 대한 것이다. 하지만 Wilson은 단지 거기에서 멈추지 않고 보다 최근의 현실, 즉 인터넷과 SNS가 사회 속에 깊숙이 파고든 정보화 사회의 어두운 면 또한 부각하는 등 보다 깊고 다양한 메시지를 남겨 주고 있었다.

첫 번째 곡 First Regret는 잔잔하면서도 신비감을 느낄 수 있는 인트로로 분위기를 조성한 뒤, 이어지는 3 Years Older에서 본격적으로 Steven Wilson 특유의 다채로우면서도 감수성 넘치는 음악을 들려주기 시작한다. 밝은 느낌의 도입부 이후 보컬이 등장하며 따뜻하면서도 우울한 느낌이 공존하는 전개를 이어나가고, 곡 후반부에서는 더욱 예측할 수 없고 강렬한 연주가 펼쳐지며 마치 헤어나올 수 없는 고독 속에 빠진 복잡한 화자의 내면을 표현하는 듯한 느낌을 주기도 했다. 개인적으로 ‘I can feel you more than you really know/ I will love you more than I'll ever show’ 부분의 보컬 멜로디 라인이 매우 인상적이었고, 곡 전반적으로도 격한 감정의 기복을 형상화한 듯한 다채로운 구성과 따스하면서도 애상적인 분위기로 깊은 인상을 남겨 주었던 훌륭한 곡이었다.

이어지는 타이틀 곡 Hand Cannot Erase는 앨범 내에서 가장 무난하고 접근성이 높은 트랙 중 하나이다. 부드러운 분위기로 부담 없이 즐길 수 있는 짤막한 곡이지만, 세 단어로 이루어진 이 곡과 앨범의 제목 Hand. Cannot. Erase.는 무슨 의미를 담고 있는지 의문을 자아내게 만든다. 이에 대해 Wilson 본인은 고독, 외로움뿐 아니라 어린 시절의 향수, 인터넷과 21세기 현대 사회를 비롯한 다양한 내용을 담고 있는 이 앨범에 굳이 뻔하고 단편적인 제목을 달고 싶지 않았으며, 때문에 일부러 이와 같은 모호한 제목을 선정했다고 한다. 다시 말해 명확한 제목으로 전달하려는 바를 직설적으로 표현하는 대신 모호한 제목을 통해 청자로 하여금 자신만의 자유로운 해석을 유도한 것이다.

네 번째 곡 Perfect Life는 앞서 언급한 대로 앨범의 화자가 쓴 가상의 다이어리를 여성의 목소리로 담담하게 말해나가는 식으로 진행되는 곡이다. 가사는 고작 몇 개월간이었지만 행복했던 언니와의 기억을 회상하고, 그러나 시간이 지나며 고독의 나날 속에서 서서히 그 좋았던 기억들을 망각하게 되었다는 내용을 담고 있다. 음악의 분위기 또한 가사의 흐름에 따라 전환되면서 더욱 감수성을 자극하는 효과를 만들기도 했다.

Steven Wilson의 곡들 중에서도 가장 슬픈 곡이자 애니메이터 Jess Cope의 애니메이션 뮤직비디오로 많은 이들의 심금을 울렸던 다섯 번째 곡 Routine은 아마도 개인적으로 가장 하고 싶은 이야기가 많은 곡이 아닐까 싶다. 우선 곡의 가사는 불의의 사고로 가족을 모두 잃은 채 홀로 남겨진 어머니가 가족을 잃기 이전에 그래왔던 것처럼 집안일을 계속해 나가며 헤아릴 수 없는 고통을 견뎌 나간다는 내용을 담고 있다. 이 곡은 여성 화자의 감정을 극대화시키기 위해 서두에서 언급한 여가수 Ninet Tayeb의 피쳐링이 포함된 곡으로, 부드러운 노랫말로 시작해 절규에 이르는 역동적인 보컬이 돋보인다. 또한 기승전결의 뚜렷한 구조로 감수성을 폭발시키는 마력을 지닌 우수한 곡이기도 하다.

하지만 이 곡은 단순히 슬프기만 한 곡이 아니라 더욱 깊은 의미를 담고 있다. 우선 Wilson 본인에 의하면 이 곡은 슬픔뿐 아니라 극도로 고통스러운 일을 겪은 후 슬픔을 안고 살아가는 사람들의 공감을 불러일으키며 오직 나만이 이렇게 고통스러워 하는 것이 아님을 깨닫게 함으로써 카타르시스를 느끼게 하려는 의도를 담고 있다고 한다. 더욱 흥미로운 점은 실제로 그가 의도한 대로의 효과가 발생하고 있다는 것이다. Routine의 유튜브 뮤직비디오 댓글 부분을 보면 뮤직비디오의 내용처럼 실제로 갑작스럽게 소중한 사람들을 잃은 고통스러운 기억을 가진 사람들이 자신들의 경험을 공유하고 소통함으로써 공감대를 만들어 나가고 있는데, 과연 Wilson의 의도대로 극한의 슬픔 속에서 오히려 긍정적인 생각을 유도해 낸다는 안타까우면서도 동시에 긍정적으로 바라볼 수 있는 광경이었다.

또 한 가지 이 곡과 관련지어 생각해볼 만한 우리나라의 일화를 간단히 이야기하고 싶다. 한 영국인 할아버지가 경찰서를 찾아 한국인 아내가 사라졌다는 신고를 한다. 이에 경찰은 조사에 착수하지만, 사실 그의 아내는 이미 몇 주 전 사망한 상태였다. 사실 그 할아버지는 이미 몇 년 전부터 치매를 앓고 있었고, 아내가 사망한 것도 까맣게 잊어버린 채 아내가 보이지 않자 사라진 아내를 걱정하며 경찰서를 찾았던 것이다. 심지어 그는 아내가 사망했다는 사실을 알게 된 후에도 다음 날이면 그 사실을 잊어버린 채 아내를 다시 찾으러 나가고 또다시 아내의 사망 소식에 고통스러워한다. 이처럼 그는 매일매일 아내를 잃어버리는 끔찍한 고통을 겪으면서도 행복했던 시절을 기억하며 그때 그 방식대로의 일상생활을 계속해나갔다.

이러한 일화는 때론 현실이 영화보다도 더욱 잔혹하다는 표현처럼 Routine의 이야기 그 이상으로 슬픈 내용을 담고 있다. 이 일화와 Routine은 공통적으로 극한의 고통을 겪은 대상을 보고 이에 대해 공감, 연민을 느끼지만 깊은 슬픔 속에서도 한 줄기 긍정적인 감정 또한 느낄 수 있다는 면모를 지니고 있다. Routine의 뮤직비디오는 옅게나마 미소를 되찾은 어머니가 하늘을 바라보는 것으로 끝나고, 방송에 소개된 영국인 할아버지의 이야기는 아내와의 영원한 사랑을 다짐하는 것으로 마무리된다. 이처럼 하나는 음악, 하나는 TV 방송이지만 둘 모두 공통적으로 너무나도 큰 아픔을 지닌 채 살아가는 사람의 모습을 보여주되, 듣고 보는 사람들로 하여금 단순히 슬픈 감정만을 느끼게 하는 것이 아니라 공감과 연민 등의 감정 또한 불러일으키며 카타르시스를 이끌어내고 있었던 것이다.

그렇다면 왜 하필 Wilson은 ‘Routine’, 즉 일상이라는 소재를 이용한 것일까? 이 곡의 화자처럼 극단적인 경험을 겪어 보지 않은 다수의 사람들 역시 대부분 판에 박힌 일상을 살아가고 있을 것이다. 이러한 일상을 살아가느라 우리는 다음과 같은 더 중요한 질문들을 망각하고 살아간다. ‘나는 지금 뭘 하고 있는 거지?’, ‘나는 행복한가?’, ‘내가 하는 일이 날 행복하게 만드는 건가?’, ‘나는 인간관계에 있어서 행복감을 느끼고 있나?’, ‘내 삶은 내가 바라던 대로 가고 있는 건가?’ 이러한 질문들을 생각함으로써 우리는 판에 박힌 일상에 불만을 느끼고, 때때로 일탈을 꿈꾸기도 한다. 하지만 매일 똑같고 지루한 일상이란 동시에 소중하고 다행스러운 하루하루를 의미할 지도 모른다. Routine의 화자에게 있어 일상이란 미쳐 버릴 것 같은 고통스러운 기억을 억누르기 위한 일종의 저항이었고, 앞서 이야기한 영국인 할아버지에게 있어 일상이란 매일매일 느끼는 사별의 고통과 죽은 아내에 대한 잊을 수 없는 그리움의 연속이었다. 다시 말해 끔찍한 고통을 겪은 사람에게 있어 판에 박힌 일상이란 오직 그리워할 수밖에 없는 꿈만 같은 옛날 이야기일수도 있다는 것이다. 결국 하루하루가 되풀이되는 지루한 일상이라고 할지라도, 누군가에게는 다시는 누릴 수 없고 기억 속에서만 존재하는 시간일지도 모르는 것이다. 때문에 지루한 일상 속에서 일탈을 꿈꾸기 전에, 그 일상을 누릴 수 있다는 것의 소중함 또한 느낄 필요성을 Wilson은 이 'Routine'이라는 곡을 통해 보여주기도 한 것이 아닌가 생각해 본다.

여섯 번째 곡 Home Invasion은 강렬한 도입부와 이어지는 변칙적인 전개로 다양한 장르적 느낌이 공존하는 독특한 매력을 지닌 곡이다. 이 곡은 인터넷, 그리고 소셜 네트워크에 대한 곡으로, 사람들은 이것들을 통해 남에게 보이는 자신의 모습을 원하는 대로 꾸미며 소통의 바다로 뛰어들지만, 오히려 이러한 행동은 타인과 소통한다는 환상에 빠지게 만들며 결과적으로 더욱 소외되게 만든다는 모순적인 SNS의 역기능을 지적하고 있다. ‘Download the life you wish you had.’와 ‘But I have lost all faith in what's outside’라는 가사에서 알 수 있듯이 인터넷에서는 누구나 자신의 이상향에 도달한 것처럼 행동할 수 있지만, 그것이 현실 세계에서의 삶을 이상향에 가깝게 만들어 주는 것은 아니며 오히려 더욱 멀리 떨어지게 만든다는 모순에 대한 비판을 담고 있다.

한편 자연스럽게 이어지는 다음 곡 Regret #9는 연주곡으로, 꿈을 꾸는 듯한 몽환적인 분위기와 끝내주는 솔로들로 수를 놓는 곡이다. 먼저 그야말로 혼을 쏙 빼놓는 다고 말해도 좋을 정도의 Adam Holzman의 기막힌 신디사이저 솔로가 귀를 사로잡는다. 또한 이어 흘러나오는 Guthrie Govan의 완벽한 솔로는 이전 앨범 수록곡 Drive Home에 이어 다시 한 번 빛을 발했고, 가히 Comfortably Numb에 견줄 만한 수준이었다고 말하고 싶다.

여덟 번째 곡 Transience는 잔잔하고도 우울한 느낌의 짤막한 트랙으로, Wilson의 감수성 풍부한 목소리가 돋보이는 곡이다. 비록 3분이 채 되지 않는 짧은 곡이지만, 캐치한 멜로디라인과 분위기 등으로 다른 곡들 못지않은 인상을 남겨 주는 곡이었다.

앨범 내에서 가장 긴 대곡 Ancestral은 앨범의 클라이맥스에 해당한다고 볼 수 있는 곡이다. 어둡고 음산한 분위기에 구슬픈 바이올린의 선율이 더해져 비장미를 연출해내고, 고조된 분위기 속에서 강렬한 기타 솔로와 Ninet Tayeb의 보컬이 다시 한 번 연이어 등장한다. 또한 이후로는 분위기를 가라앉혔다가 조금씩 고조시키며 격렬하면서도 기묘한 느낌의 독특한 클라이맥스를 선보였다. 또한 곳곳에 플루트와 바리톤 색소폰을 배치시켜 좀 더 풍성한 느낌과 분위기를 북돋우는 효과를 내기도 했다. 전반적으로 앨범의 클라이맥스에 어울리는 훌륭한 트랙이었지만, 개인적으로는 곡 중후반부에서는 기왕 분위기를 최대한 끌어올리는 김에 더욱 격렬하고 파괴적인 면모를 보이는 것이 어땠을까 하는 생각이 들기도 했다. Opeth와 서로 영향을 주고받은 이후 더욱 메탈릭해졌던 Porcupine Tree 시절 혹은 그 이상의 느낌을 보여주었으면 어땠을까 싶기도 했다.

열 번째 곡 Happy Returns는 앨범 아웃트로를 제외하면 사실상의 마지막 곡이자 고독 속에서 끝내 최후를 맞이하게 된 화자의 마지막 순간을 암시하는 곡이다. 또한 가사 중 ‘Do the kids remember me? / Well I got gifts for them’ 이 부분은 Joyce Vincent의 사후 발견 당시 그녀의 옆에 놓여 있던 포장은 했지만 미처 배송하지 못한 채 남아 있던 크리스마스 선물들에서 따온 것이라고 추측해 볼 수 있었다. 그리고 앨범은 마지막 곡이자 아웃트로 Ascendant Here On...로 조용하고 잔잔하게 끝맺는다.

앨범의 전반적인 완성도는 당연하게도 Steven Wilson의 명성에 어울리게 매우 빼어난 편이었고, 저마다의 개성과 색깔을 지닌 개별 곡들 역시 깊은 인상을 남겨 주었다. 또한 앨범 전반적인 컨셉을 비롯해 곳곳에서 볼 수 있었던 다양한 새로운 시도들 역시 대부분 성공적인 결과를 보여주었다고 생각한다. 종합적으로 장르 구분이 무색할 정도의 다양한 장르적 혼합을 자유자재로 선보이면서도 음악 그 자체의 완성도 또한 다잡음으로써 Wilson의 저력을 또다시 증명한 더할 나위 없이 훌륭한 작품이었다고 말할 수 있을 것 같다.

결국 이 앨범은 한 젊은 여성의 비극을 그려냄으로써 현대 사회의 단절과 고독, 외로움을 노래한 작품이었다. 그뿐 아니라 행복했던 과거와 현재 살고 있는 현실 사이의 괴리감, 인터넷과 SNS 시대의 모순, 극한의 고통과 이를 견뎌내기 위한 수단으로서의 일상 등등을 표현하며 고달픈 삶에 힘겨워하는 현대인들의 애환에 다방면으로 공감할 수 있는 우리 시대의 명작이었다고 볼 수 있겠다.

다만 어쨌거나 이 작품의 주된 주제의식은 ‘고독’에 있다고 볼 수 있다. 또한 이러한 고독의 결과는 죽음, 그것도 너무나도 비참한 죽음이었다는 것 역시 제시하고 있다. 그리고 이 결과는 한 인간이 모두에게 잊힌 결과가 이토록 비참할 수 있다는 것을 보여준다. 그리하여 Joyce Vincent 사건과 이 작품이 공통적으로 시사하는 바를 문학평론가 故 김현의 다음과 같은 표현으로 바라볼 수도 있을 것 같다.

"사람은 두 번 죽는다. 한번은 육체적으로, 또 한 번은 타인의 기억 속에서 사라짐으로서 정신적으로 죽는다."

비록 이미 죽은 사람일지라도 누군가가 그 사람을 계속 기억해 준다면 그 또는 그녀는 누군가의 기억 속에서 살아간다고 볼 수 있고, 비록 살아 있는 사람일지라도 그 누구도 그 또는 그녀를 기억해주지 못한다면 정신적, 그리고 사회적으로 죽은 것이나 다름없는 사람이기 때문이다. Joyce Vincent도 마찬가지였을 것이다. 그녀가 죽고 나서 발견되기까지 2년이 넘도록 아무도 그 사실을 몰랐다는 것은 그녀가 죽기 이전부터 이미 그녀를 알았던 모두에게서 잊혀버린 상태였으리라. 물론 그녀에게는 가족도 있었고 친구들도 있었다. 그리고 그들이 한 명도 빠짐없이 그녀의 존재를 완전히 잊어버렸으리라고는 단언할 수 없겠지만(완전한 망각은 아니고 단순히 관심이 없던 상태였을 지도 모른다), 그녀의 죽음을 2년이 넘도록 누구도 알아채지 못했다는 것만으로도 그들은 그녀에 대한 단순한 무관심을 넘어 완전한 망각에 가까운 수준에 이르렀다고 봐도 무방하지 않을까 싶다.

이와 같이 모두에게 잊힌다는 것이 사회적 동물인 인간에게 있어 가장 비참한 결말이라는 것은 동서고금을 막론한 두려움의 대상일 것이다. 우리나라에서 죽은 사람을 위해 제사를 지내는 풍습이나, 죽은 이들을 기리는 멕시코의 ‘망자의 날’ 등은 공통적으로 죽은 사람을 계속 기억함으로써 그들의 존재를 정신적으로나마 지속할 수 있게 하는 것을 의미하고, 동시에 잊혀버린다는 것에 대한 두려움을 표현한 것이 아닐까 싶다. 또한 멕시코의 전통적인 죽음관에 따르면 인간은 총 세 번 죽는데, 숨이 멎고 몸의 기능이 정지할 때가 첫 번째 죽음, 시신이 땅에 묻히며 인간이 다시 대자연으로 돌아갈 때가 두 번째 죽음, 그리고 아무도 그 망자를 기억해주지 않을 때가 세 번째이자 완전한 죽음을 뜻하고, 이 세 번째 죽음은 곧 영혼의 소멸을 의미한다. 이처럼 모두에게 잊힌다는 것은 인간으로서 육체적 죽음 그 이상의 끔찍한 최후라는 것을 보여준다.

그리하여 현대 사회의 대도시에서 살아가는 현대인들은 저마다의 방식으로 다양한 인간관계를 형성해 나가며 이러한 ‘정신적 죽음’을 피하려 애쓰기도 한다. 하지만 예기치 못한 극심한 고통이나 현실과 미래에 대한 불안, 각종 갈등, 고뇌 등으로 인해 적지 않은 사람들이 고독과 외로움에 시달리며 정신적 죽음의 상태에 가까워져 가고 있다. 우리나라에서도 이미 사회적 문제로 받아들여지고 있는 고독사 문제가 바로 그것이다. 한편 Joyce Vincent의 사건은 흔히 고독사 하면 떠오르는 독거노인들의 고독사 사례와는 상당히 다른 특징을 지닌 사건이었기에 지금까지도 회자되고 있는 것이다. 때문에 Steven Wilson은 이 사건을 통해 나이, 그리고 인간관계에 상관없이 누구든지 고독사의 희생자가 될 수 있음을 보여주었다.

특히나 이 작품이 시사하는 바가 더욱 큰 이유는 한국 사회에서의 고독사 문제 역시 갈수록 심각해지고 있으며, 단순히 그 희생자의 숫자가 늘어나는 것뿐 아니라 연령대 역시 점차 낮아지며 2~30대 청년층에서도 고독사 사례가 발견된다는 점 때문이라고 생각한다. 실제로 2014년 부산에서는 30대 남성이 영양 결핍과 심장마비로 숨진 뒤 두 달 뒤에야 발견된 경우도 있으며, 2018년에는 20대 남성이 숨진 지 무려 4개월여 만에 강제집행을 위해 진입한 집행관에게 발견된 경우도 있었다. 그 밖에도 각박해지는 사회 속에서 일명 ‘청년 고독사’로 쓸쓸한 죽음을 맞이한 채 방치되다가 발견되는 사례가 점차 늘어나고 있다.

최근 10여 년 사이 정보·통신의 비약적인 발달은 SNS의 대대적인 확산을 가능케 함으로써 역사상 그 어느 때보다도 소통의 장벽이 낮아지게 만든 일대 혁신을 이루어 냈다. 하지만 모순적이게도 소통의 장벽이 낮아질수록 점차 혼자 쓸쓸히 죽어가는 사람들의 숫자는 늘어가고 있다. 그 이유 중 하나는 앞서 Wilson이 지적한 대로 SNS의 함정과도 같은 역기능 때문일 것일지도 모른다. 비록 기술의 발달로 소통의 물리적 장벽은 사실상 허물어졌을지 몰라도, 때때로 오히려 소통이 아니라 단절을 유도하는 SNS로 인해 또 다른 소통의 보이지 않는 장벽이 세워지며 사람들을 고독 속으로 몰아넣는 것이 아닐까 싶다. 독일의 잡지 Visions가 이 앨범을 “페이스북 세대를 위한 The Wall"이라고 평가하기도 한 것처럼 말이다.

이처럼 이 작품이 시사하는 바는 깊고 다양하다. 물론 이 작품의 테마는 고독과 외로움이지만, 이를 바탕으로 하여 더욱 다양한 메시지를 전달해 주고 있으며, 이를 통해 청자로 하여금 좀 더 깊고 많은 생각을 해 볼 수 있게 만들어주고 있다. 예술 작품을 평가하는 기준은 사람마다 전부 다를 것이고, 또 사람마다 둘 이상의 다양한 기준과 잣대를 통해 예술 작품을 바라보는 경우도 있을 것이다. 개인적으로는 ‘많은 생각을 해 보게 해주는 작품’ 또한 훌륭한 예술 작품으로서의 조건 중 하나를 갖추고 있다고 생각한다.

물론 이 작품은 단순히 Joyce Vincent의 비극적인 죽음을 사실적으로 충실히 재구성한 일종의 다큐멘터리와도 같은 앨범이 될 수도 있었을 것이다. 그러나 Steven Wilson은 굳이 가상의 등장인물을 새로 만들어내고 새로운 소재와 새로운 이야기들을 집어넣어 더욱 다양하고 복합적인 면모를 갖춘 픽션을 만들어냈다. 그리하여 이는 청자로 하여금 훨씬 깊고 넓은 생각을 해 볼 수 있는 기회를 만들어 주었다고 생각한다. 심지어 그는 앨범의 제목조차도 쉽게 추측할 수 없게 모호하게 붙여 놓았을 만큼 이 작품은 직설적인 메시지보다는 청자의 자유로운 해석과 생각의 여지를 남겨 주었던 작품이었다.

흔히 시간이 갈수록 기술의 발전으로 인해 사회는 편리해지지만 또한 동시에 각박해지고 인정이 없어진다고들 이야기한다. 또한 이러한 사회 속에서 끝내 낙오된 사람들을 기다리고 있는 것은 끝없는 고독과 외로움이었고, 그 고통은 홀로 쓸쓸하게 맞이한 죽음 이후에도 슬퍼해 주는 이 없이, 심지어 죽었다는 사실조차 알려지지 못한 채 누군가에게 우연히 발견되기 전까지 계속된다. 이러한 비극의 책임이 누구에게 있든 간에 그들이 가장 비참하게 죽어갔다는 사실은 변하지 않는다.

그리하여 Steven Wilson은 이 잊혀 버린 사람들을 위한 추모곡으로서의 이 작품을 통해 누구도 슬퍼해 주고 안타까워해 주지 않은 죽음들, 그리고 여전히 살아있지만 이미 사회적으로 죽은 것이나 다름없는 이들에게 대신 위로와 공감의 메시지를 남긴 것이 아닐까 생각해 본다.

99/100 ... See More

तत् त्वम् असि

Rudra는 싱가포르의 밴드로, 베딕 메탈(Vedic Metal)의 선구자로 알려져 있다. 베딕 메탈이란 고대 인도의 경전인 베다를 테마로 삼는 장르이다. 엄밀히 말하면 이 ‘베딕 메탈’이라는 단어 자체를 스래쉬나 데스처럼 독자적인 메탈 음악의 하위 장르로 부르기는 어렵고, 크리스천 메탈이나 코스믹/스페이스 블랙 메탈처럼 음악적 스타일보다는 특정 테마 또는 컨셉을 지향하는 부류를 분류하기 위한 일종의 수식어로서 의미를 갖는 용어로 보는 것이 맞을 것 같다.

이러한 베딕 메탈 밴드로 분류되는 밴드들의 음악적 성향은 대개 데스, 블랙 혹은 데스/블랙/스래쉬의 혼합적 형태로 나타나곤 한다. 국내에서 가장 잘 알려진 사례로 2집 이후의 Cult of Fire를 들 수 있겠다. 흔히 Cult of Fire가 베다를 익스트림 메탈과 본격적으로 접목시킨 최초의 밴드로 알려져 있으나, 그보다 십수 년 앞서 90년대부터 이미 이러한 시도를 계속해왔던 밴드가 바로 싱가포르의 Rudra이다.

이들은 92년도에 Rudhra라는 이름으로 결성되었다가 잠시 활동을 중단한 이후 97년 프론트맨 Kathir에 의해 Rudra로 개편되어 현재까지 활동을 이어오고 있다. 여기서 Rudra는 베다에 등장하는 폭풍의 신이며, Rudhra에서 Rudra로 이름을 변경한 이유는 표기법에 있어서 오류를 수정하기 위해서였다고 한다. 97년도의 데모 Rudra부터 이들은 본격적으로 베다 속의 소재를 차용하여 가사에 담아 오기 시작했다. 초기에는 몇몇 실험적 면모가 돋보이는 데스래쉬에 가까운 모습을 보여주었던 이들은 2005년부터 시작된 Brahmavidya 3부작에서부터 본격적으로 스래쉬/데스/블랙을 고루 녹여 만들어낸 독자적인 베딕 메탈 사운드를 추구하기 시작했다.

이들의 성향은 인도의 정통 육파철학의 베단타 학파 중에서도 아드바이다 베단타 학파에 깊은 영향을 받았으며, Brahmavidya 3부작에서 이들의 가치관을 가장 쉽게 엿볼 수 있다. 여기서 Brahmavidya는 신성한 존재, 절대자에 대한 (영적인)지식을 의미하는 단어이다. 05년도의 Brahmavidya: Primordial I, 09년도의 Brahmavidya: Transcendental I, 11년도의 Brahmavidya: Immortal I 순으로 이어지는 일련의 삼부작은 이들 디스코그래피의 정점이자 베딕 메탈의 진수라고 이야기할 수 있다.

각각의 세 앨범은 저마다 서로 다른 테마를 지니고 있으며, 공통적으로 궁극적인 진리에 대해 논하고 있다. 첫 번째 앨범 Brahmavidya: Primordial I는 베다의 일부인 우파니샤드의 일화들에 대해 다루고 있으며, 두 번째 앨범 Brahmavidya: Transcendental I은 힌두교의 경전 중 전승된 서적을 의미하는 스므리티들에 대해 다루고 있다. 그리고 마지막 작품 Brahmavidya: Immortal I은 베단타 학파의 경전인 브라흐마 수트라를 다루고 있다. 그리하여 Brahmavidya 삼부작은 베단타 학파 중 절대자 브라만과 개인적 자아인 아트만이 동일한 존재, 즉 불이일원론을 주장하는 아드바이다 베단타 학파의 세 토대인 슈루티(우파니샤드), 스므리티(기록된, 전승된 경전들), 니야야(브라흐마 수트라와 같은 체계적 정리)를 각각 세 앨범이 담고 있는 것이다.

또한 각각 앨범 수록곡들의 첫 번째 글자를 모두 합치면 특정 단어를 이루며 이를 통해 앨범의 주제의식을 표출하기도 한다. 먼저 삼부작의 첫 번째 앨범 Brahmavidya: Primordial I에 수록된 곡들의 첫 번째 글자를 모두 합치면 Tat Tvam Asi가 되는데, 이는 ‘너는 그대이도다’라는 뜻으로 너라는 자아가 곧 절대자, 즉 신 또는 모든 우주와도 같다는 의미를 지닌다. 그리고 두 번째 앨범 Brahmavidya: Transcendental I도 같은 방식으로 Brahma-nirvanam이라는 단어를 만들 수 있는데, 이는 물질적 존재에서 벗어나 영적인 존재로의 초월을 의미한다. 마찬가지로 마지막 작품 Brahmavidya: Immortal I의 경우 Nirvishesha라는 단어가 만들어지며 이는 모든 특성, 특질에서 벗어나 구분이 불가능한 상태, 즉 인간 마음의 모든 예속에서 벗어난 상태를 의미한다.

그리하여 세 앨범이 지니는 주제는 제목 그대로 우파니샤드를 통해 태고의 자아를 깨우치고, 스므리티의 지헤를 통해 초월적 자아를 찾으며, 브라흐마 수트라의 불이일원론적인 지혜를 통해 불멸의 자아를 찾는 것이라고 볼 수 있겠다. 때문에 리뷰를 적으려면 순서대로 세 앨범 모두에 대해 작성하는 것이 맞겠지만, 편의상 개인적으로 가장 선호하는 삼부작의 두 번째 앨범 Brahmavidya: Transcendental I에 대해서만 우선적으로 다루어 볼 것이다.

첫 번째 곡 Bhagavatpada Namaskara는 Skanda Purana의 Guru Gita에 대한 짤막한 곡으로, 제자들의 마음을 바로잡기 위해 고통을 택했던 Guru를 찬양하는 내용을 담고 있으며, Guru Gita의 두 절을 가사로 따온 곡이다. 보컬 Kathir와 여성 보컬이 ‘베딕 찬트’라고 불리는 산스크리트 성가 스타일로 노래하며 독특한 분위기를 조성해낸다.

두 번째 곡 Ravens of Paradise는 자각의 조건 중 하나인 무념에 대해 논하는 Bhartrhari의 시 Vairagya shatakam에 대한 곡이다. 강렬한 도입부로 시작하는 이 곡은 개인적으로 이 앨범뿐 아니라 이들의 디스코그라피에서 가장 선호하는 곡으로, 블랙큰드 데스 메탈 스타일의 파괴적인 연주를 선보인다. 또한 익스트림 메탈 특유의 비장미와 이국적인 색채가 공존하는 멜로디와 산스크리트어 가사를 활용하여 독특한 색채를 더하고, 여기에 연이어 등장하는 트윈 기타의 뛰어난 솔로와 수미상관적 구성으로 강렬한 임팩트를 안겨 주었던 명곡이었다.

세 번째 곡 Amrtasyaputra는 현자 Dattatreya의 가르침인 Avadhuta Gita에 대한 곡으로, 어떠한 사회적 구속과 구별을 거부하고 불멸의 자아 속에서만 존재하는 현인의 통찰력을 기리고 있다. 이전 곡에 뒤이어 쉴 틈 없이 이어지는 이 곡은 드럼의 거침없는 연주로 대표되는 더욱 난폭한 연주가 두드러지며, 곡 중반부에서 짤막하게 여성 보컬이 등장해 분위기를 환기시키는 구성 역시 인상적이었다. 그리고 산스크리트어 가사를 좀 더 적극적으로 활용했으며, 스래쉬 메탈에서 볼 법한 기타 솔로 배틀도 또 하나의 즐길 거리였다.

네 번째 곡 Hymns from the Blazing Chariot는 마하바라타의 일부인 Bhagavad Gita에 대한 곡이다. 주인공 Arjuna와 친구 Krishna가 등장하고, Kurukshetra 전투에서 Krishna는 Arjuna에게 전사로서의 의무와 자기 인식에 대해 깨달음을 전해 준다는 내용을 다루고 있다. 유일하게 뮤직비디오로도 제작되었던 이 곡은 우선 초반에는 산스크리트어 성가 스타일로 진행되다가 이내 다시 강렬한 전개로 이어진다. 파괴적인 연주와 이국적인 멜로디가 공존하며 마찬가지로 현란한 솔로 역시 돋보였다.

다섯 번째 곡 Meditations at Dawn은 아침 명상에 사용되는 Pratah Smaranam에 대한 곡이며, 태고의 자아를 숭상하고 경배하는 내용을 담고 있다. 이 곡은 여성 보컬과 타블라를 비롯한 인도의 전통 악기들이 이끌어가는 곡으로, Nile이나 Melechesh의 앨범에서 간혹 등장하는 완전히 비메탈적인 곡이다. 때문에 다소 이질감이 느껴지거나 맥을 끊는다고 생각할 수도 있겠지만, 그래도 곡 후반부의 현란한 타악기 연주 부분은 제법 인상적이었다.

여섯 번째 곡 Advaitamrta는 인도 베단타 철학의 가장 심오한 경전인 Advaita makaranda에 대한 곡이다. 저자 Lakshmidhara Kavi는 왕국 법원의 시인이었다는 것 외에는 알려진 바가 없는 인물이며, 28절에 불과한 이 짧은 저작은 우파니샤드의 자기 인식에 대한 핵심을 끌어낸 작품이라고 한다. 이 곡은 언제 그랬냐는 듯이 다시 격렬한 연주로 되돌아오며 독특한 보컬의 음색과 함께 독특한 이국적 분위기를 극대화한 매력적인 곡이었다.

일곱 번째 곡 Natural Born Ignorance는 독특하게도 호주 사람 Michael Comans의 저작 Advaita Pratibodha에 관한 곡이다. 베단타 철학을 다루고 있는 이 저서는 베단타 철학이 문화, 인종, 국경에 구애받지 않음을 증명하고 있다. 이 곡 역시 이국적인 스타일이 만들어내는 독특한 비장미와 파괴적인 드럼이 기억에 남았다.

여덟 번째 곡 Immortality Roars는 15세기의 현자 Narasimha Saraswati의 Vedanta Dindima에 대한 곡으로, 자아와 절대자 간의 비이원성을 긍정하고 있다. 이 곡은 앨범 내에서 가장 독특한 곡이라고 할 수 있는데, 사실상 산스크리트어 보컬과 드럼만이 등장하며 이 둘이서 곡을 이끌어 가는 곡이다. 이러한 시도는 이들의 초기작에서 등장한 몇몇 실험적인 곡들의 연장선이라고 볼 수도 있겠는데, 특이하면서도 짧지만 강렬했던 재미있는 곡이었다.

아홉 번째 곡 Reversing the Currents는 19~20세기 인도의 현자 Ramana Maharshi의 Upadesa Saram를 다룬 곡으로, 이는 자기 자신에 대한 이해가 주 내용이다. 그는 16세부터 ‘나는 누구인가?’라는 단순한 질문으로 수많은 사람들에게 스스로를 이해하는 깨우침을 전파해 주었다고 한다. 이 곡도 이전까지의 곡들과 마찬가지로 강렬하고도 특색 있는 리프와 연주, 화려한 솔로가 어우러지는 훌륭한 곡이었다. 어쿠스틱 기타를 활용했다는 점 또한 나름의 특색을 지닌다고 말할 수 있겠다.

열 번째 곡 Venerable Opposites은 시바 신과 그의 배우자인 샥티 신의 대담 형식으로 기록된 Devikalottara upagama에 대한 곡이다. 이는 자연을 중심으로 도는 자아에 대한 가르침을 담고 있다. 도입부에서는 전통 타악기를 통해 웅장한 분위기를 내며, 산스크리트어 후렴구와 어우러지는 연주가 만들어내는 신묘한 느낌이 인상 깊었다.

열한 번째 곡 Avidya Nivrtti는 Padma Purana에서 발췌한 Shiva Gita를 다룬 곡으로, 이는 다양한 스므르티 문헌 중 하나를 차지하고 있다. 여기에서 시바 신은 라마 왕에게 자아의 신비와 불멸에 대해 접하게 해 준다. 이 곡은 초반부 시바 신의 발언 부분 이후 등장하는 리프를 비롯해 질주감 넘치는 전개로 청자를 다시 사로잡는 후반부의 킬링 트랙 중 하나였다.

열두 번째 곡 Not the Seen but the Seer는 Devi Bhagavata Purana의 Devi Gita에 대한 곡으로, 여기에서 절대자는 여성의 모습으로 나타나 자기 인식에 대해 설파한다. 이처럼 절대자가 여성의 모습을 한 채 등장하는 것은 여타 종교에서는 보기 드문 경우지만, 베다에서는 무척 흔한 일이라고 한다. 베다에서 자기 인식을 가르치기 위해서 성별은 전혀 중요하지 않음을 시사하는 것이다. 이전 곡의 질주감을 그대로 이어받아 계속 치닫는 이 곡 또한 거센 연주가 돋보이며, 갑작스러운 분위기 전환과 전통 타악기를 더해 부각시키는 오묘한 분위기로 앨범 막바지까지 대충 넘어가는 건 없다는 것을 보여주었다.

열세 번째 곡 Adiguru Namastubhyam은 베다 전통에서 가장 위대한 현자로 불리는 Adi Shankara의 짤막한 시 Dakshinamurti Stotram에 대한 곡이다. 시바 신의 화신인 Dakshinamurti는 다양한 예시를 들어 자아란 우주의 유일한 실체임을 보여준다. 시의 세 절을 따온 이 곡은 첫 번째 곡과 마찬가지로 베딕 찬트의 형태를 띠지만 이번에는 남성 보컬만 등장하며 더욱 빠른 속도로 진행되며 이전과는 또 다른 느낌을 준다.

열네 번째 곡이자 마지막 곡 Majestic Ashtavakra는 Astavakra Samhita로도 불리는 Ashtavakra Gita에 대한 곡으로, Ashtavakra Gita는 태어날 때부터 여덟 곳의 장애를 갖고 있었던 현자 Ashtavakra와 Janaka왕의 대담을 담고 있다. 마찬가지로 여기에서도 비이원적 자기 인식에 대한 면모를 찾아볼 수 있다. 마지막까지 그 격렬함을 이어가는 이 곡도 마찬가지로 귀에 쏙쏙 박히는 리프들과 빈틈없이 내달리는 전개가 훌륭했고, 마지막 부분의 클린 보컬 파트도 기억에 남았다.

앨범 전반적으로 데스 메탈을 기반으로 하여 스래쉬, 블랙의 요소를 가미한 격렬한 스타일을 구사하면서도 이국적인 분위기를 더해 독특한 베딕 메탈의 진면목을 보여주고 있었다. 프론트맨 Kathir가 인터뷰에서 언급한대로 이들은 장르적 틀에 얽매이지 않고 자기들만의 음악을 추구하고 있었다. 기본적으로 이국적인 느낌이 나면서도 착착 감기는 훌륭한 리프들이 우선 귀를 사로잡으며, 웬만한 기존 메탈 밴드들 못지않은 트윈 기타의 화려한 솔로들도 수준급이었다. 또한 시종일관 격렬하게 내달리는 드럼 역시 강렬함을 배가시켰다. 그리고 이전 앨범들과 비교했을 때 더욱 발전하고 특색 있는 믹싱 및 마스터링 작업으로 베딕 메탈의 스타일을 확립했다는 인상을 받았다.

개별 곡들의 완성도도 거의 버릴 곡 하나 없이 출중했고, 초반부 2, 3, 4번 곡의 연타를 비롯한 킬링 트랙들의 임팩트 역시 매우 강렬했다. 다만 5번 곡 Meditations at Dawn처럼 맥을 끊을 수 있는 요소나 빡빡한 열 네 곡 구성으로 한 번에 앨범을 완주하기에는 다소 어렵게 느껴질 수 있다는 사소한 약점도 아주 없지는 않았다. 그러나 총체적으로 이 앨범은 베딕 메탈의 진수를 보여주는 Rudra의 최고작이었다고 본다.

그리하여 이들의 베딕 메탈 스타일은 전 세계로 널리 퍼져 다양한 형태로 계승되고 재창조되고 있다. 네팔의 데스 메탈 밴드인 Dying Out Flame같은 경우는 음악뿐 아니라 사상적으로까지 영향을 받았다고 할 수 있을 정도이며, 2집 이후 블랙 메탈의 새로운 길을 개척하며 더욱 주목받게 된 체코의 Cult of Fire, 그루브/데스 메탈 밴드인 러시아의 Kartikeya등등 국적을 불문하고 이들의 영향력은 널리 퍼져나가고 있다. 더 나아가 힌두교적 테마를 차용한 3집 이후의 Persefone나, Rudra의 보컬 Kathir를 피처링으로 초대하기도 했던 Rotting Christ같은 경우도 이들에게서 영향을 받은 사례라고 이야기할 수 있겠다.

이처럼 베딕 메탈의 가장 큰 특징은 근본적인 테마를 공유하면서도 서로 다른 음악 스타일을 추구한다는 점에서 ‘장르’라는 틀에 구속받지 않는다는 특징을 보여주고 있다. 어쩌면 이는 앞서 언급했듯이 프론트맨 Kathir가 말한 대로 장르적 한계에 얽매이지 않고 자기들만의 음악을 추구하는 성향과도 일맥상통한다고 볼 수 있겠다. 이처럼 장르라는 껍데기에서 벗어나 자기들만의 독특한 음악 세계를 추구하는 Rudra와 베딕 메탈 밴드들의 모습은 인간의 굴레에서 탈피하여 초월적 존재로 거듭난다는 베단타 철학의 가르침과도 비슷하다고 볼 수 있지 않을까 생각해 본다.

ॐ

99/100 ... See More

"Exuberance is beauty"

A Forest of Stars는 영국의 사이키델릭/프로그레시브 블랙 메탈 밴드이다. 편의상 이렇게 표현하기는 했지만 사실 이들 역시 장르 구분이 매우 모호한 부류에 해당한다. 때문에 사이키델릭, 프로그레시브, 아방가르드, 앳머스퍼릭 등 온갖 수식어를 다 갖다 붙이기 나름이지만, 이러한 수식어들보다 더욱 중요한 것은 이들이 들려주는 유별난 음악일 것이다. 2000년대 후반 이후 Oranssi Pazuzu나 Hail Spirit Noir같은 밴드들에 의해 사이키델릭과 블랙의 융합이 적극적으로 시도되기도 했었고, 좀 더 넓게 보면 Arcturus나 Sigh같은 유별난 케이스를 찾아볼 수 있기도 하다. 하지만 이들의 경우 사이키델릭적 요소를 활용하면서도 방금 예시로 든 밴드들과는 전혀 다른 독창적인 노선을 걸어가고 있다는 점에서 구분된다.

이들의 컨셉 역시 블랙 메탈에서 보기 드문 시간대를 배경으로 하고 있는데, 바로 영국의 빅토리아 시대가 그것이다. 이들은 지금으로부터 정확히 120년 전을 컨셉으로 잡아 활동하고 있으며, 년도 역시 현재 년도에서 120년을 빼는 식으로 표기하고 있다.(때문에 이들에 의하면 이 앨범의 발매년도는 1898년이다.) 또한 이들은 스스로를 ‘Gentlemen's club’으로 지칭하는데, 이는 19세기 후반 영국에서 유행했던 상류층들에 의해 조직된 사교 클럽의 일종이다. 또한 밴드의 멤버들은 전부 예명을 사용하고 있으며, 복장 역시 Fleshgod Apocalypse처럼 고풍스럽고 격식 있는 옷을 빼입고 라이브를 진행하곤 한다. 가사의 테마는 다양한 편이지만 매우 추상적이고 난해하며, 오컬트적인 면모도 깊게 녹아들어 있다. 그리고 동시에 당시 전 세계에 걸친 영토를 자랑하던 대영제국의 위세 이면에 존재했던 사회의 퇴폐와 부패를 그려내고 있다. 이번 앨범 역시 상실, 죽음, 광기 등의 소재를 온갖 추상적, 상징적인 표현으로 풀어냈다.

이처럼 요상한 컨셉을 잡은 밴드인 이들은 만들어내는 음악 역시 무척 독특하다. 가장 큰 특징 중 하나로는 바이올린을 적극적으로 활용한다는 점인데, 이들과 비슷한 시기에 활동을 시작한 Ne Obliviscaris와도 또 다른 스타일을 추구한다는 점에서 구분된다. Ne Obliviscaris가 바이올린을 마치 화려한 솔로가 돋보이는 리드 기타를 사용하듯 배치했다면 이들의 경우 기묘하고도 고풍스러운 분위기를 부각시키기 위해 바이올린을 사용하는 편이다. 또한 이들은 바이올린 이외에도 플루트나 피아노, 첼로, 신디사이저 등의 다양한 악기들을 활용하여 풍부하면서도 일반적인 심포닉 부류와는 다른 유니크한 스타일을 구사한다. 보컬은 남성 보컬이 주를 이루되 여성 보컬 또한 간간히 등장하며, 메인 보컬 Mister Curse는 다양한 창법을 구사하며 마치 Devil Doll을 연상시키는 극적이고 기묘한 분위기를 조성해낸다. 곡 구성 역시 변칙적이고 구성을 자유자재로 구사하며, 다양한 악기를 활용한 다채로운 느낌을 만들어내기도 한다. 때문에 이들의 음악은 무척 다양하고도 풍성한 느낌을 주고 있으며, 이러한 스타일은 이들의 음악적 방향성과도 직결된다. 이들의 모토가 윌리엄 블레이크의 시 ‘지옥의 격언’의 구절 중 하나인 ‘넘쳐흐름이야말로 아름다움이다’라는 것 역시 이들의 성향을 잘 보여준다.

7인 밴드로 제법 규모가 큰 밴드여서인지는 몰라도 이들의 경우 프론트맨 혼자서 다 해먹는 밴드와는 달리 역할 분담이 꽤나 세분화되어 있다는 점도 나름의 특징이라고 말할 수 있겠다. 가사는 대부분 보컬 Curse가 썼고, 작곡은 원년멤버인 Mr. T.S. Kettleburner(기타와 첼로를 담당), The Gentleman(신디사이저와 피아노, 퍼커션을 담당), 그리고 2014년 새로 영입된 기타리스트 Mr William Wight-Barrow가 맡았다. 또한 여성 보컬이 이끌어가는 가장 잔잔한 트랙 Taken By The Sea의 경우 보컬과 바이올린, 플루트를 담당하는 Katheryne, Queen of the Ghosts가 작사, 작곡에 참여하기도 했다. 그리고 개별 곡 작곡에 있어서도 어느 한 명이 하나의 곡을 담당하는 것이 아니라 대부분이 두 명 이상의 합작이라는 점 역시 어느 한 명의 중심축 보다는 여러 개의 기둥에 의해 떠받혀진 형태를 보여주는 이 밴드의 특징을 보여주고 있었다.

짤막한 연주곡인 첫 번째 곡 Persistence Is All은 잔잔하고 신비한 분위기를 만들어내 앨범의 전반적인 느낌을 짐작케 해준다. 그리고 이와 자연스럽게 연결되는 Precipice Pirouette부터 본격적으로 앨범이 시작된다. 강렬한 도입부와 함께 곡이 시작되며 보컬이 가사를 쏟아내기 시작하고, 단번에 분위기를 고조시킨다. 곧이어 이들의 트레이드마크라고 할 수 있는 바이올린의 선율이 어우러지며 고풍스러움과 기묘함을 더한다. 한편 이내 분위기가 가라앉으며 잔잔하고 은은한 전개를 잠시 보여준다. 다만 곧이어 다시 분위기가 고조되기 시작하며 또다시 잠깐 가라앉았다가 이윽고 본격적인 곡의 클라이맥스로 돌입한다. 비장미가 느껴지는 트레몰로 리프가 등장하고, 보컬의 절규와 소름끼치는 바이올린 소리가 어우러지며 분위기가 최고조에 도달한다. 이후 이러한 전개를 좀 더 반복하며 곡을 마무리했다. 작년 이 곡을 처음 들었을 당시 온 몸에 소름이 돋을 정도로 큰 충격을 받았었는데, 곡 후반부의 터져 나오는 클라이맥스 부분에서 실로 어마어마한 인상을 남겨 주었었다.

이어지는 곡 Tombward Bound도 갑작스럽게 터져 나오는 전개로 다시 한번 강렬한 인상을 남겨 주며, 소름이 끼치는 바이올린과 신디사이저, 기타의 기막힌 조화로 무시무시한 인트로를 선보인다. 반면 그 뒤에는 갑자기 분위기가 확 가라앉아 건반이 잔잔한 분위기 속에서 곡을 이끌어 나가는데, 지직거리는 엠비언트 사운드를 활용해 조용하지만 으스스한 느낌을 보여준다. 이후 광기 어린 느낌의 보컬이 빠르게 대사를 읊듯이 노래를 이어나가며, 몽롱하고 신비한 느낌의 신디사이저를 이용한 전개를 펼쳐나간다. 후반부에서는 다시 파괴적인 면모로 전환되면서도, 처연한 감수성이 넘치는 바이올린 멜로디로 특색 있는 마무리를 선보였다.

한편 4번 트랙 Premature Invocation은 잔잔한 분위기 속에서 플루트가 곡을 이끌어 나가기 시작하며 좀 더 음산한 느낌을 만들어낸다. 그리고는 갑작스럽게 터져 나왔다가 다시 가라앉는 급격한 완급조절을 보여주고, 더욱 빠르게 가사를 쏟아내는 보컬 파트가 이어진다. 또한 이후로도 마치 위험천만한 곡예를 하듯이 자유자재로 완급조절을 해나가며 기묘한 분위기와 극적인 구성 속에서 곡을 마무리 지었다.

다시 한 번 분위기를 갑작스럽게 고조시키는 Children of the Night Soil은 확 달아오르는 듯한 느낌을 연출하고, 이후로도 줄곧 격렬한 곡 전개를 이어나간다. 하지만 이 와중에도 부드러운 바이올린의 멜로디와 은은한 여성 백보컬을 활용해 감성적이면서도 더욱 기묘한 느낌을 만들어내기도 하며, 역시나 예측을 불허하는 독특한 완급조절 또한 돋보인다. 마찬가지로 마지막 부분에서는 비장미를 느낄 수 있는 클라이맥스로 깔끔한 끝맺음을 보여주었다.

여섯 번째 곡 Taken by the Sea는 본 앨범에서 가장 이질적인 곡으로, 감미로운 여성 보컬 Katheryne이 곡을 이끌어나가며 메탈을 배제한 스타일의 곡이다. 여성 보컬과 함께 바이올린이 은은한 분위기를 만들어 나가고, 조금씩 조금씩 쌓아가는 식으로 곡의 분위기를 점차 끌어올리는 방식의 전개를 보여준다. 비록 느리고 잔잔한 형식으로 쉬어 가는 느낌을 주는 곡이지만, 푹 빠져드는 몽환적인 분위기와 연주, 그리고 뚜렷한 기승전결을 갖춘 구성에 이르기까지 이 곡 역시 무시할 수 없는 매력을 지닌 곡이었다.

반면 언제 그랬냐는 듯이 다시 파괴적인 도입부와 함께 시작하는 Scripturally Transmitted Disease는 11분짜리 대곡에 걸맞은 독특하고 극적인 대곡의 구성을 보여준다. 격렬하고 광기 어린 전개를 이어나가다가 다시금 오르락내리락하는 절묘한 완급조절을 보여준다. 특히 여성 보컬이 등장하는 부분으로의 전환이 가장 인상 깊었던 부분이었다. 앞선 곡 Taken by the Sea처럼 은은한 수준으로까지 분위기가 가라앉았다가 자연스럽게 다시 고조되는 전개는 그야말로 놀라움의 연속이었다.

마지막 곡 Decomposing Deity Dance Hall은 마지막에 어울리는 좀 더 비극적이고 애상적인 느낌을 연출해낸다. 강렬한 도입부를 보여주면서도 이 속에서 어딘가 쓸쓸한 감성을 느끼게 되며, 이어지는 건반과 드럼, 베이스의 연주 부분은 기묘하고 몽환적인 분위기로 좀 더 특별한 느낌을 준다. 한편 다시 은은하고 처연한 느낌의 바이올린 선율이 이끌어가는 부분 이후 앨범의 클라이맥스로 돌입한다. 마지막으로 울부짖듯이 처절하게 쥐어짜내는 보컬과 파괴적인 연주가 어우러지며, 장엄함을 연출해내는 종결부로 앨범을 끝맺었다.

이번 앨범 역시 이들의 이전 작품들과 마찬가지로 평범함을 거부하는 이들만의 독특하고 다채로운 색깔이 도드라진 앨범이었다. 3, 4집에서 보여준 더욱 프로그레시브하고 세련된 면모를 계승하면서도 거칠고 격렬했던 1, 2집의 느낌도 가져와 융합함으로써 더욱 특색 있고도 한 발 더 진일보할 수 있었다. 부드럽고 세련된 느낌과 격렬하고 광기 어린 느낌이 교차하면서 만들어내는 기묘한 오컬트적인 분위기는 마치 Opeth의 마지막 걸작 Ghost Reveries이후 실로 오래간만에 느껴 본 신선한 경험이었다. 끊임없는 분위기의 상승과 하강이 되풀이되며 마치 롤러코스터를 타는 듯한 완급조절과 극적인 구성이 인상적이며, 다양한 악기들을 활용한 풍성하고 화려한 사운드 역시 한 시간이 넘어가는 앨범을 지루하지 않게 이끌어나가는 데 크게 기여했다. 게다가 개별 곡들이 전부 서로 다른 저마다의 특색과 매력을 뽐내고 있음에도 앨범 전체적인 분위기를 이어나간다는 점 역시 훌륭했으며, 소름 돋는 클라이맥스나 기상천외한 분위기 환기 등과 같은 매력 포인트들이 곳곳에 배치되어 듣는 재미도 쏠쏠했다.

그리하여 이 앨범은 1집 The Corpse of Rebirth이후 10년에 걸친 실험의 완성이라고 평가하고 싶은 작품이었다. 요약하자면 1898년 빅토리아 시대 말기를 배경으로 한 광기 어린 대작으로, 다양한 악기들이 어우러져 탄생한 고풍스럽고도 기묘한 오컬트적인 분위기와 위험천만한 곡예와도 같은 완급조절을 통해 실로 독특하기 그지없는 음악을 들려준 앨범이었다. 서두에서도 언급했듯이 이들도 장르의 구분이 무의미한 부류에 해당하는 특색 있는 밴드 중 하나라고 볼 수 있겠지만, 어떻게 보면 이들은 익스트림 프로그레시브 메탈의 새로운 길을 개척하고 있는 또 하나의 밴드라고 이야기할 수도 있을 것 같다. 또한 이렇게 볼 때 이 앨범은 2010년대 최고의, 그리고 가장 독창적인 익스트림 프로그레시브 메탈 앨범 중 하나라고 봐도 무방하지 않을까 싶다.

99/100 ... See More