तत् त्वम् असि

Rudra는 싱가포르의 밴드로, 베딕 메탈(Vedic Metal)의 선구자로 알려져 있다. 베딕 메탈이란 고대 인도의 경전인 베다를 테마로 삼는 장르이다. 엄밀히 말하면 이 ‘베딕 메탈’이라는 단어 자체를 스래쉬나 데스처럼 독자적인 메탈 음악의 하위 장르로 부르기는 어렵고, 크리스천 메탈이나 코스믹/스페이스 블랙 메탈처럼 음악적 스타일보다는 특정 테마 또는 컨셉을 지향하는 부류를 분류하기 위한 일종의 수식어로서 의미를 갖는 용어로 보는 것이 맞을 것 같다.

이러한 베딕 메탈 밴드로 분류되는 밴드들의 음악적 성향은 대개 데스, 블랙 혹은 데스/블랙/스래쉬의 혼합적 형태로 나타나곤 한다. 국내에서 가장 잘 알려진 사례로 2집 이후의 Cult of Fire를 들 수 있겠다. 흔히 Cult of Fire가 베다를 익스트림 메탈과 본격적으로 접목시킨 최초의 밴드로 알려져 있으나, 그보다 십수 년 앞서 90년대부터 이미 이러한 시도를 계속해왔던 밴드가 바로 싱가포르의 Rudra이다.

이들은 92년도에 Rudhra라는 이름으로 결성되었다가 잠시 활동을 중단한 이후 97년 프론트맨 Kathir에 의해 Rudra로 개편되어 현재까지 활동을 이어오고 있다. 여기서 Rudra는 베다에 등장하는 폭풍의 신이며, Rudhra에서 Rudra로 이름을 변경한 이유는 표기법에 있어서 오류를 수정하기 위해서였다고 한다. 97년도의 데모 Rudra부터 이들은 본격적으로 베다 속의 소재를 차용하여 가사에 담아 오기 시작했다. 초기에는 몇몇 실험적 면모가 돋보이는 데스래쉬에 가까운 모습을 보여주었던 이들은 2005년부터 시작된 Brahmavidya 3부작에서부터 본격적으로 스래쉬/데스/블랙을 고루 녹여 만들어낸 독자적인 베딕 메탈 사운드를 추구하기 시작했다.

이들의 성향은 인도의 정통 육파철학의 베단타 학파 중에서도 아드바이다 베단타 학파에 깊은 영향을 받았으며, Brahmavidya 3부작에서 이들의 가치관을 가장 쉽게 엿볼 수 있다. 여기서 Brahmavidya는 신성한 존재, 절대자에 대한 (영적인)지식을 의미하는 단어이다. 05년도의 Brahmavidya: Primordial I, 09년도의 Brahmavidya: Transcendental I, 11년도의 Brahmavidya: Immortal I 순으로 이어지는 일련의 삼부작은 이들 디스코그래피의 정점이자 베딕 메탈의 진수라고 이야기할 수 있다.

각각의 세 앨범은 저마다 서로 다른 테마를 지니고 있으며, 공통적으로 궁극적인 진리에 대해 논하고 있다. 첫 번째 앨범 Brahmavidya: Primordial I는 베다의 일부인 우파니샤드의 일화들에 대해 다루고 있으며, 두 번째 앨범 Brahmavidya: Transcendental I은 힌두교의 경전 중 전승된 서적을 의미하는 스므리티들에 대해 다루고 있다. 그리고 마지막 작품 Brahmavidya: Immortal I은 베단타 학파의 경전인 브라흐마 수트라를 다루고 있다. 그리하여 Brahmavidya 삼부작은 베단타 학파 중 절대자 브라만과 개인적 자아인 아트만이 동일한 존재, 즉 불이일원론을 주장하는 아드바이다 베단타 학파의 세 토대인 슈루티(우파니샤드), 스므리티(기록된, 전승된 경전들), 니야야(브라흐마 수트라와 같은 체계적 정리)를 각각 세 앨범이 담고 있는 것이다.

또한 각각 앨범 수록곡들의 첫 번째 글자를 모두 합치면 특정 단어를 이루며 이를 통해 앨범의 주제의식을 표출하기도 한다. 먼저 삼부작의 첫 번째 앨범 Brahmavidya: Primordial I에 수록된 곡들의 첫 번째 글자를 모두 합치면 Tat Tvam Asi가 되는데, 이는 ‘너는 그대이도다’라는 뜻으로 너라는 자아가 곧 절대자, 즉 신 또는 모든 우주와도 같다는 의미를 지닌다. 그리고 두 번째 앨범 Brahmavidya: Transcendental I도 같은 방식으로 Brahma-nirvanam이라는 단어를 만들 수 있는데, 이는 물질적 존재에서 벗어나 영적인 존재로의 초월을 의미한다. 마찬가지로 마지막 작품 Brahmavidya: Immortal I의 경우 Nirvishesha라는 단어가 만들어지며 이는 모든 특성, 특질에서 벗어나 구분이 불가능한 상태, 즉 인간 마음의 모든 예속에서 벗어난 상태를 의미한다.

그리하여 세 앨범이 지니는 주제는 제목 그대로 우파니샤드를 통해 태고의 자아를 깨우치고, 스므리티의 지헤를 통해 초월적 자아를 찾으며, 브라흐마 수트라의 불이일원론적인 지혜를 통해 불멸의 자아를 찾는 것이라고 볼 수 있겠다. 때문에 리뷰를 적으려면 순서대로 세 앨범 모두에 대해 작성하는 것이 맞겠지만, 편의상 개인적으로 가장 선호하는 삼부작의 두 번째 앨범 Brahmavidya: Transcendental I에 대해서만 우선적으로 다루어 볼 것이다.

첫 번째 곡 Bhagavatpada Namaskara는 Skanda Purana의 Guru Gita에 대한 짤막한 곡으로, 제자들의 마음을 바로잡기 위해 고통을 택했던 Guru를 찬양하는 내용을 담고 있으며, Guru Gita의 두 절을 가사로 따온 곡이다. 보컬 Kathir와 여성 보컬이 ‘베딕 찬트’라고 불리는 산스크리트 성가 스타일로 노래하며 독특한 분위기를 조성해낸다.

두 번째 곡 Ravens of Paradise는 자각의 조건 중 하나인 무념에 대해 논하는 Bhartrhari의 시 Vairagya shatakam에 대한 곡이다. 강렬한 도입부로 시작하는 이 곡은 개인적으로 이 앨범뿐 아니라 이들의 디스코그라피에서 가장 선호하는 곡으로, 블랙큰드 데스 메탈 스타일의 파괴적인 연주를 선보인다. 또한 익스트림 메탈 특유의 비장미와 이국적인 색채가 공존하는 멜로디와 산스크리트어 가사를 활용하여 독특한 색채를 더하고, 여기에 연이어 등장하는 트윈 기타의 뛰어난 솔로와 수미상관적 구성으로 강렬한 임팩트를 안겨 주었던 명곡이었다.

세 번째 곡 Amrtasyaputra는 현자 Dattatreya의 가르침인 Avadhuta Gita에 대한 곡으로, 어떠한 사회적 구속과 구별을 거부하고 불멸의 자아 속에서만 존재하는 현인의 통찰력을 기리고 있다. 이전 곡에 뒤이어 쉴 틈 없이 이어지는 이 곡은 드럼의 거침없는 연주로 대표되는 더욱 난폭한 연주가 두드러지며, 곡 중반부에서 짤막하게 여성 보컬이 등장해 분위기를 환기시키는 구성 역시 인상적이었다. 그리고 산스크리트어 가사를 좀 더 적극적으로 활용했으며, 스래쉬 메탈에서 볼 법한 기타 솔로 배틀도 또 하나의 즐길 거리였다.

네 번째 곡 Hymns from the Blazing Chariot는 마하바라타의 일부인 Bhagavad Gita에 대한 곡이다. 주인공 Arjuna와 친구 Krishna가 등장하고, Kurukshetra 전투에서 Krishna는 Arjuna에게 전사로서의 의무와 자기 인식에 대해 깨달음을 전해 준다는 내용을 다루고 있다. 유일하게 뮤직비디오로도 제작되었던 이 곡은 우선 초반에는 산스크리트어 성가 스타일로 진행되다가 이내 다시 강렬한 전개로 이어진다. 파괴적인 연주와 이국적인 멜로디가 공존하며 마찬가지로 현란한 솔로 역시 돋보였다.

다섯 번째 곡 Meditations at Dawn은 아침 명상에 사용되는 Pratah Smaranam에 대한 곡이며, 태고의 자아를 숭상하고 경배하는 내용을 담고 있다. 이 곡은 여성 보컬과 타블라를 비롯한 인도의 전통 악기들이 이끌어가는 곡으로, Nile이나 Melechesh의 앨범에서 간혹 등장하는 완전히 비메탈적인 곡이다. 때문에 다소 이질감이 느껴지거나 맥을 끊는다고 생각할 수도 있겠지만, 그래도 곡 후반부의 현란한 타악기 연주 부분은 제법 인상적이었다.

여섯 번째 곡 Advaitamrta는 인도 베단타 철학의 가장 심오한 경전인 Advaita makaranda에 대한 곡이다. 저자 Lakshmidhara Kavi는 왕국 법원의 시인이었다는 것 외에는 알려진 바가 없는 인물이며, 28절에 불과한 이 짧은 저작은 우파니샤드의 자기 인식에 대한 핵심을 끌어낸 작품이라고 한다. 이 곡은 언제 그랬냐는 듯이 다시 격렬한 연주로 되돌아오며 독특한 보컬의 음색과 함께 독특한 이국적 분위기를 극대화한 매력적인 곡이었다.

일곱 번째 곡 Natural Born Ignorance는 독특하게도 호주 사람 Michael Comans의 저작 Advaita Pratibodha에 관한 곡이다. 베단타 철학을 다루고 있는 이 저서는 베단타 철학이 문화, 인종, 국경에 구애받지 않음을 증명하고 있다. 이 곡 역시 이국적인 스타일이 만들어내는 독특한 비장미와 파괴적인 드럼이 기억에 남았다.

여덟 번째 곡 Immortality Roars는 15세기의 현자 Narasimha Saraswati의 Vedanta Dindima에 대한 곡으로, 자아와 절대자 간의 비이원성을 긍정하고 있다. 이 곡은 앨범 내에서 가장 독특한 곡이라고 할 수 있는데, 사실상 산스크리트어 보컬과 드럼만이 등장하며 이 둘이서 곡을 이끌어 가는 곡이다. 이러한 시도는 이들의 초기작에서 등장한 몇몇 실험적인 곡들의 연장선이라고 볼 수도 있겠는데, 특이하면서도 짧지만 강렬했던 재미있는 곡이었다.

아홉 번째 곡 Reversing the Currents는 19~20세기 인도의 현자 Ramana Maharshi의 Upadesa Saram를 다룬 곡으로, 이는 자기 자신에 대한 이해가 주 내용이다. 그는 16세부터 ‘나는 누구인가?’라는 단순한 질문으로 수많은 사람들에게 스스로를 이해하는 깨우침을 전파해 주었다고 한다. 이 곡도 이전까지의 곡들과 마찬가지로 강렬하고도 특색 있는 리프와 연주, 화려한 솔로가 어우러지는 훌륭한 곡이었다. 어쿠스틱 기타를 활용했다는 점 또한 나름의 특색을 지닌다고 말할 수 있겠다.

열 번째 곡 Venerable Opposites은 시바 신과 그의 배우자인 샥티 신의 대담 형식으로 기록된 Devikalottara upagama에 대한 곡이다. 이는 자연을 중심으로 도는 자아에 대한 가르침을 담고 있다. 도입부에서는 전통 타악기를 통해 웅장한 분위기를 내며, 산스크리트어 후렴구와 어우러지는 연주가 만들어내는 신묘한 느낌이 인상 깊었다.

열한 번째 곡 Avidya Nivrtti는 Padma Purana에서 발췌한 Shiva Gita를 다룬 곡으로, 이는 다양한 스므르티 문헌 중 하나를 차지하고 있다. 여기에서 시바 신은 라마 왕에게 자아의 신비와 불멸에 대해 접하게 해 준다. 이 곡은 초반부 시바 신의 발언 부분 이후 등장하는 리프를 비롯해 질주감 넘치는 전개로 청자를 다시 사로잡는 후반부의 킬링 트랙 중 하나였다.

열두 번째 곡 Not the Seen but the Seer는 Devi Bhagavata Purana의 Devi Gita에 대한 곡으로, 여기에서 절대자는 여성의 모습으로 나타나 자기 인식에 대해 설파한다. 이처럼 절대자가 여성의 모습을 한 채 등장하는 것은 여타 종교에서는 보기 드문 경우지만, 베다에서는 무척 흔한 일이라고 한다. 베다에서 자기 인식을 가르치기 위해서 성별은 전혀 중요하지 않음을 시사하는 것이다. 이전 곡의 질주감을 그대로 이어받아 계속 치닫는 이 곡 또한 거센 연주가 돋보이며, 갑작스러운 분위기 전환과 전통 타악기를 더해 부각시키는 오묘한 분위기로 앨범 막바지까지 대충 넘어가는 건 없다는 것을 보여주었다.

열세 번째 곡 Adiguru Namastubhyam은 베다 전통에서 가장 위대한 현자로 불리는 Adi Shankara의 짤막한 시 Dakshinamurti Stotram에 대한 곡이다. 시바 신의 화신인 Dakshinamurti는 다양한 예시를 들어 자아란 우주의 유일한 실체임을 보여준다. 시의 세 절을 따온 이 곡은 첫 번째 곡과 마찬가지로 베딕 찬트의 형태를 띠지만 이번에는 남성 보컬만 등장하며 더욱 빠른 속도로 진행되며 이전과는 또 다른 느낌을 준다.

열네 번째 곡이자 마지막 곡 Majestic Ashtavakra는 Astavakra Samhita로도 불리는 Ashtavakra Gita에 대한 곡으로, Ashtavakra Gita는 태어날 때부터 여덟 곳의 장애를 갖고 있었던 현자 Ashtavakra와 Janaka왕의 대담을 담고 있다. 마찬가지로 여기에서도 비이원적 자기 인식에 대한 면모를 찾아볼 수 있다. 마지막까지 그 격렬함을 이어가는 이 곡도 마찬가지로 귀에 쏙쏙 박히는 리프들과 빈틈없이 내달리는 전개가 훌륭했고, 마지막 부분의 클린 보컬 파트도 기억에 남았다.

앨범 전반적으로 데스 메탈을 기반으로 하여 스래쉬, 블랙의 요소를 가미한 격렬한 스타일을 구사하면서도 이국적인 분위기를 더해 독특한 베딕 메탈의 진면목을 보여주고 있었다. 프론트맨 Kathir가 인터뷰에서 언급한대로 이들은 장르적 틀에 얽매이지 않고 자기들만의 음악을 추구하고 있었다. 기본적으로 이국적인 느낌이 나면서도 착착 감기는 훌륭한 리프들이 우선 귀를 사로잡으며, 웬만한 기존 메탈 밴드들 못지않은 트윈 기타의 화려한 솔로들도 수준급이었다. 또한 시종일관 격렬하게 내달리는 드럼 역시 강렬함을 배가시켰다. 그리고 이전 앨범들과 비교했을 때 더욱 발전하고 특색 있는 믹싱 및 마스터링 작업으로 베딕 메탈의 스타일을 확립했다는 인상을 받았다.

개별 곡들의 완성도도 거의 버릴 곡 하나 없이 출중했고, 초반부 2, 3, 4번 곡의 연타를 비롯한 킬링 트랙들의 임팩트 역시 매우 강렬했다. 다만 5번 곡 Meditations at Dawn처럼 맥을 끊을 수 있는 요소나 빡빡한 열 네 곡 구성으로 한 번에 앨범을 완주하기에는 다소 어렵게 느껴질 수 있다는 사소한 약점도 아주 없지는 않았다. 그러나 총체적으로 이 앨범은 베딕 메탈의 진수를 보여주는 Rudra의 최고작이었다고 본다.

그리하여 이들의 베딕 메탈 스타일은 전 세계로 널리 퍼져 다양한 형태로 계승되고 재창조되고 있다. 네팔의 데스 메탈 밴드인 Dying Out Flame같은 경우는 음악뿐 아니라 사상적으로까지 영향을 받았다고 할 수 있을 정도이며, 2집 이후 블랙 메탈의 새로운 길을 개척하며 더욱 주목받게 된 체코의 Cult of Fire, 그루브/데스 메탈 밴드인 러시아의 Kartikeya등등 국적을 불문하고 이들의 영향력은 널리 퍼져나가고 있다. 더 나아가 힌두교적 테마를 차용한 3집 이후의 Persefone나, Rudra의 보컬 Kathir를 피처링으로 초대하기도 했던 Rotting Christ같은 경우도 이들에게서 영향을 받은 사례라고 이야기할 수 있겠다.

이처럼 베딕 메탈의 가장 큰 특징은 근본적인 테마를 공유하면서도 서로 다른 음악 스타일을 추구한다는 점에서 ‘장르’라는 틀에 구속받지 않는다는 특징을 보여주고 있다. 어쩌면 이는 앞서 언급했듯이 프론트맨 Kathir가 말한 대로 장르적 한계에 얽매이지 않고 자기들만의 음악을 추구하는 성향과도 일맥상통한다고 볼 수 있겠다. 이처럼 장르라는 껍데기에서 벗어나 자기들만의 독특한 음악 세계를 추구하는 Rudra와 베딕 메탈 밴드들의 모습은 인간의 굴레에서 탈피하여 초월적 존재로 거듭난다는 베단타 철학의 가르침과도 비슷하다고 볼 수 있지 않을까 생각해 본다.

ॐ

99/100 ... See More

'Exuberance is beauty'

A Forest of Stars는 영국의 사이키델릭/프로그레시브 블랙 메탈 밴드이다. 편의상 이렇게 표현하기는 했지만 사실 이들 역시 장르 구분이 매우 모호한 부류에 해당한다. 때문에 사이키델릭, 프로그레시브, 아방가르드, 앳머스퍼릭 등 온갖 수식어를 다 갖다 붙이기 나름이지만, 이러한 수식어들보다 더욱 중요한 것은 이들이 들려주는 유별난 음악일 것이다. 2000년대 후반 이후 Oranssi Pazuzu나 Hail Spirit Noir같은 밴드들에 의해 사이키델릭과 블랙의 융합이 적극적으로 시도되기도 했었고, 좀 더 넓게 보면 Arcturus나 Sigh같은 유별난 케이스를 찾아볼 수 있기도 하다. 하지만 이들의 경우 사이키델릭적 요소를 활용하면서도 방금 예시로 든 밴드들과는 전혀 다른 독창적인 노선을 걸어가고 있다는 점에서 구분된다.

이들의 컨셉 역시 블랙 메탈에서 보기 드문 시간대를 배경으로 하고 있는데, 바로 영국의 빅토리아 시대가 그것이다. 이들은 지금으로부터 정확히 120년 전을 컨셉으로 잡아 활동하고 있으며, 년도 역시 현재 년도에서 120년을 빼는 식으로 표기하고 있다.(때문에 이들에 의하면 이 앨범의 발매년도는 1898년이다.) 또한 이들은 스스로를 ‘Gentlemen's club’으로 지칭하는데, 이는 19세기 후반 영국에서 유행했던 상류층들에 의해 조직된 사교 클럽의 일종이다. 또한 밴드의 멤버들은 전부 예명을 사용하고 있으며, 복장 역시 Fleshgod Apocalypse처럼 고풍스럽고 격식 있는 옷을 빼입고 라이브를 진행하곤 한다. 가사의 테마는 다양한 편이지만 매우 추상적이고 난해하며, 오컬트적인 면모도 깊게 녹아들어 있다. 그리고 동시에 당시 전 세계에 걸친 영토를 자랑하던 대영제국의 위세 이면에 존재했던 사회의 퇴폐와 부패를 그려내고 있다. 이번 앨범 역시 상실, 죽음, 광기 등의 소재를 온갖 추상적, 상징적인 표현으로 풀어냈다.

이처럼 요상한 컨셉을 잡은 밴드인 이들은 만들어내는 음악 역시 무척 독특하다. 가장 큰 특징 중 하나로는 바이올린을 적극적으로 활용한다는 점인데, 이들과 비슷한 시기에 활동을 시작한 Ne Obliviscaris와도 또 다른 스타일을 추구한다는 점에서 구분된다. Ne Obliviscaris가 바이올린을 마치 화려한 솔로가 돋보이는 리드 기타를 사용하듯 배치했다면 이들의 경우 기묘하고도 고풍스러운 분위기를 부각시키기 위해 바이올린을 사용하는 편이다. 또한 이들은 바이올린 이외에도 플루트나 피아노, 첼로, 신디사이저 등의 다양한 악기들을 활용하여 풍부하면서도 일반적인 심포닉 부류와는 다른 유니크한 스타일을 구사한다. 보컬은 남성 보컬이 주를 이루되 여성 보컬 또한 간간히 등장하며, 메인 보컬 Mister Curse는 다양한 창법을 구사하며 마치 Devil Doll을 연상시키는 극적이고 기묘한 분위기를 조성해낸다. 곡 구성 역시 변칙적이고 구성을 자유자재로 구사하며, 다양한 악기를 활용한 다채로운 느낌을 만들어내기도 한다. 때문에 이들의 음악은 무척 다양하고도 풍성한 느낌을 주고 있으며, 이러한 스타일은 이들의 음악적 방향성과도 직결된다. 이들의 모토가 윌리엄 블레이크의 시 ‘지옥의 격언’의 구절 중 하나인 ‘넘쳐흐름이야말로 아름다움이다’라는 것 역시 이들의 성향을 잘 보여준다.

7인 밴드로 제법 규모가 큰 밴드여서인지는 몰라도 이들의 경우 프론트맨 혼자서 다 해먹는 밴드와는 달리 역할 분담이 꽤나 세분화되어 있다는 점도 나름의 특징이라고 말할 수 있겠다. 가사는 대부분 보컬 Curse가 썼고, 작곡은 원년멤버인 Mr. T.S. Kettleburner(기타와 첼로를 담당), The Gentleman(신디사이저와 피아노, 퍼커션을 담당), 그리고 2014년 새로 영입된 기타리스트 Mr William Wight-Barrow가 맡았다. 또한 여성 보컬이 이끌어가는 가장 잔잔한 트랙 Taken By The Sea의 경우 보컬과 바이올린, 플루트를 담당하는 Katheryne, Queen of the Ghosts가 작사, 작곡에 참여하기도 했다. 그리고 개별 곡 작곡에 있어서도 어느 한 명이 하나의 곡을 담당하는 것이 아니라 대부분이 두 명 이상의 합작이라는 점 역시 어느 한 명의 중심축 보다는 여러 개의 기둥에 의해 떠받혀진 형태를 보여주는 이 밴드의 특징을 보여주고 있었다.

짤막한 연주곡인 첫 번째 곡 Persistence Is All은 잔잔하고 신비한 분위기를 만들어내 앨범의 전반적인 느낌을 짐작케 해준다. 그리고 이와 자연스럽게 연결되는 Precipice Pirouette부터 본격적으로 앨범이 시작된다. 강렬한 도입부와 함께 곡이 시작되며 보컬이 가사를 쏟아내기 시작하고, 단번에 분위기를 고조시킨다. 곧이어 이들의 트레이드마크라고 할 수 있는 바이올린의 선율이 어우러지며 고풍스러움과 기묘함을 더한다. 한편 이내 분위기가 가라앉으며 잔잔하고 은은한 전개를 잠시 보여준다. 다만 곧이어 다시 분위기가 고조되기 시작하며 또다시 잠깐 가라앉았다가 이윽고 본격적인 곡의 클라이맥스로 돌입한다. 비장미가 느껴지는 트레몰로 리프가 등장하고, 보컬의 절규와 소름끼치는 바이올린 소리가 어우러지며 분위기가 최고조에 도달한다. 이후 이러한 전개를 좀 더 반복하며 곡을 마무리했다. 작년 이 곡을 처음 들었을 당시 온 몸에 소름이 돋을 정도로 큰 충격을 받았었는데, 곡 후반부의 터져 나오는 클라이맥스 부분에서 실로 어마어마한 인상을 남겨 주었었다.

이어지는 곡 Tombward Bound도 갑작스럽게 터져 나오는 전개로 다시 한번 강렬한 인상을 남겨 주며, 소름이 끼치는 바이올린과 신디사이저, 기타의 기막힌 조화로 무시무시한 인트로를 선보인다. 반면 그 뒤에는 갑자기 분위기가 확 가라앉아 건반이 잔잔한 분위기 속에서 곡을 이끌어 나가는데, 지직거리는 엠비언트 사운드를 활용해 조용하지만 으스스한 느낌을 보여준다. 이후 광기 어린 느낌의 보컬이 빠르게 대사를 읊듯이 노래를 이어나가며, 몽롱하고 신비한 느낌의 신디사이저를 이용한 전개를 펼쳐나간다. 후반부에서는 다시 파괴적인 면모로 전환되면서도, 처연한 감수성이 넘치는 바이올린 멜로디로 특색 있는 마무리를 선보였다.

한편 4번 트랙 Premature Invocation은 잔잔한 분위기 속에서 플루트가 곡을 이끌어 나가기 시작하며 좀 더 음산한 느낌을 만들어낸다. 그리고는 갑작스럽게 터져 나왔다가 다시 가라앉는 급격한 완급조절을 보여주고, 더욱 빠르게 가사를 쏟아내는 보컬 파트가 이어진다. 또한 이후로도 마치 위험천만한 곡예를 하듯이 자유자재로 완급조절을 해나가며 기묘한 분위기와 극적인 구성 속에서 곡을 마무리 지었다.

다시 한 번 분위기를 갑작스럽게 고조시키는 Children of the Night Soil은 확 달아오르는 듯한 느낌을 연출하고, 이후로도 줄곧 격렬한 곡 전개를 이어나간다. 하지만 이 와중에도 부드러운 바이올린의 멜로디와 은은한 여성 백보컬을 활용해 감성적이면서도 더욱 기묘한 느낌을 만들어내기도 하며, 역시나 예측을 불허하는 독특한 완급조절 또한 돋보인다. 마찬가지로 마지막 부분에서는 비장미를 느낄 수 있는 클라이맥스로 깔끔한 끝맺음을 보여주었다.

여섯 번째 곡 Taken by the Sea는 본 앨범에서 가장 이질적인 곡으로, 감미로운 여성 보컬 Katheryne이 곡을 이끌어나가며 메탈을 배제한 스타일의 곡이다. 여성 보컬과 함께 바이올린이 은은한 분위기를 만들어 나가고, 조금씩 조금씩 쌓아가는 식으로 곡의 분위기를 점차 끌어올리는 방식의 전개를 보여준다. 비록 느리고 잔잔한 형식으로 쉬어 가는 느낌을 주는 곡이지만, 푹 빠져드는 몽환적인 분위기와 연주, 그리고 뚜렷한 기승전결을 갖춘 구성에 이르기까지 이 곡 역시 무시할 수 없는 매력을 지닌 곡이었다.

반면 언제 그랬냐는 듯이 다시 파괴적인 도입부와 함께 시작하는 Scripturally Transmitted Disease는 11분짜리 대곡에 걸맞은 독특하고 극적인 대곡의 구성을 보여준다. 격렬하고 광기 어린 전개를 이어나가다가 다시금 오르락내리락하는 절묘한 완급조절을 보여준다. 특히 여성 보컬이 등장하는 부분으로의 전환이 가장 인상 깊었던 부분이었다. 앞선 곡 Taken by the Sea처럼 은은한 수준으로까지 분위기가 가라앉았다가 자연스럽게 다시 고조되는 전개는 그야말로 놀라움의 연속이었다.

마지막 곡 Decomposing Deity Dance Hall은 마지막에 어울리는 좀 더 비극적이고 애상적인 느낌을 연출해낸다. 강렬한 도입부를 보여주면서도 이 속에서 어딘가 쓸쓸한 감성을 느끼게 되며, 이어지는 건반과 드럼, 베이스의 연주 부분은 기묘하고 몽환적인 분위기로 좀 더 특별한 느낌을 준다. 한편 다시 은은하고 처연한 느낌의 바이올린 선율이 이끌어가는 부분 이후 앨범의 클라이맥스로 돌입한다. 마지막으로 울부짖듯이 처절하게 쥐어짜내는 보컬과 파괴적인 연주가 어우러지며, 장엄함을 연출해내는 종결부로 앨범을 끝맺었다.

이번 앨범 역시 이들의 이전 작품들과 마찬가지로 평범함을 거부하는 이들만의 독특하고 다채로운 색깔이 도드라진 앨범이었다. 3, 4집에서 보여준 더욱 프로그레시브하고 세련된 면모를 계승하면서도 거칠고 격렬했던 1, 2집의 느낌도 가져와 융합함으로써 더욱 특색 있고도 한 발 더 진일보할 수 있었다. 부드럽고 세련된 느낌과 격렬하고 광기 어린 느낌이 교차하면서 만들어내는 기묘한 오컬트적인 분위기는 마치 Opeth의 마지막 걸작 Ghost Reveries이후 실로 오래간만에 느껴 본 신선한 경험이었다. 끊임없는 분위기의 상승과 하강이 되풀이되며 마치 롤러코스터를 타는 듯한 완급조절과 극적인 구성이 인상적이며, 다양한 악기들을 활용한 풍성하고 화려한 사운드 역시 한 시간이 넘어가는 앨범을 지루하지 않게 이끌어나가는 데 크게 기여했다. 게다가 개별 곡들이 전부 서로 다른 저마다의 특색과 매력을 뽐내고 있음에도 앨범 전체적인 분위기를 이어나간다는 점 역시 훌륭했으며, 소름 돋는 클라이맥스나 기상천외한 분위기 환기 등과 같은 매력 포인트들이 곳곳에 배치되어 듣는 재미도 쏠쏠했다.

그리하여 이 앨범은 1집 The Corpse of Rebirth이후 10년에 걸친 실험의 완성이라고 평가하고 싶은 작품이었다. 요약하자면 1898년 빅토리아 시대 말기를 배경으로 한 광기 어린 대작으로, 다양한 악기들이 어우러져 탄생한 고풍스럽고도 기묘한 오컬트적인 분위기와 위험천만한 곡예와도 같은 완급조절을 통해 실로 독특하기 그지없는 음악을 들려준 앨범이었다. 서두에서도 언급했듯이 이들도 장르의 구분이 무의미한 부류에 해당하는 특색 있는 밴드 중 하나라고 볼 수 있겠지만, 어떻게 보면 이들은 익스트림 프로그레시브 메탈의 새로운 길을 개척하고 있는 또 하나의 밴드라고 이야기할 수도 있을 것 같다. 또한 이렇게 볼 때 이 앨범은 2010년대 최고의, 그리고 가장 독창적인 익스트림 프로그레시브 메탈 앨범 중 하나라고 봐도 무방하지 않을까 싶다.

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한 치의 흔들림 없이 굳건하게

이제는 모던 멜로딕 데스의 제왕으로 불러도 좋을 Insomnium의 여덟 번째 정규 앨범이 3년 만에 발표되었다. 어느덧 결성한 지 20년을 지나며 중견 밴드로 자리매김하기까지 차근차근 쌓아온 이들의 디스코그래피는 그야말로 깔끔함 그 자체라고 볼 수 있을 것이다. Winter's Gate 리뷰에서도 언급했듯이 이들은 3, 4집 무렵부터 이미 독자적인 스타일의 완성을 이루어냈고, 이후로는 조금씩 변화를 주면서도 기존의 애상적이고 서정적인 감수성을 굳건하게 유지해나가며 단 한 번의 실패 없이 꾸준하게 그 실력을 입증해왔다. 한편 이들은 전작 Winter's Gate를 통해 더욱 혁신적인 면모를 보여주면서도 성공적인 결과를 만들어내며 아직 끝나지 않은 저력을 과시하기도 했다. Winter's Gate는 이들의 앨범들 중 최초로 핀란드 앨범 차트의 정상에 올라설 정도로 크나큰 성공이었다.

하지만 대성공은 동시에 큰 부담으로 작용하기도 한다. 이미 자신만의 스타일을 나름대로 정립한 상태에서 변화하는 것 그 자체도 쉬운 일이 아니지만, 그것이 성공적인 결과를 낳았을 때에는 또 다른 고민거리가 될 수도 있다. 이러한 부류에 해당하는 앨범들 중에서 가장 대표적인 사례가 Metallica의 Black Album일 것이다. 물론 골수 메탈 팬들의 Black Album에 대한 평가는 제법 엇갈리는 경향을 보이기는 하지만, Black Album이 어마어마한 상업적 성공이라는 대박을 터뜨려 준 것은 사실이다. 하지만 이러한 대박의 영광은 몇 년 지나지 않아 차기작에 대한 압박감으로 작용하기 쉽다. 이러한 압박감에 대해 예술가들은 피할 수 없는 선택의 기로에 놓인다. 변화의 길을 계속 걸어갈 것인가? 아니면 초심을 되찾을 것인가? 혹은 절충적 대안을 찾아야 하는가?

물론 이러한 질문에 대한 하나뿐인 정답은 존재하지 않는다. 하지만 선택은 항상 성공을 보장해 주는 것이 아니기에 이러한 갈림길은 적지 않은 부담감으로 작용하리라고 본다. 어쩌면 이러한 고민도 일종의 ‘소포모어 징크스’와 같은 부류에 해당한다고 봐도 무방하지 않을까 싶다. 그렇다면 Insomnium은 어떤 길을 선택했는가? 이 질문에 대한 답은 변화와 유지 사이의 적절한 절충과 조화라고 이야기하고 싶다. 이 작품 속에는 3집 즈음부터 정립된 기존의 Insomnium스타일과 전작 Winter's Gate의 진보적인 측면이 공존하고 있다. 그리고 Insomnium 또한 차기작에 대한 부담감이 패착이 되지는 않았을까 라는 생각을 해 보았지만, Insomnium은 성공이 주는 부담감에도 전혀 흔들리지 않고 태연하게 갈 길을 걸어 나갔다.

본격적으로 이 앨범에 대해 이야기하기 전에, 한 가지 짚고 넘어가야 할 배경 이야기를 언급할 필요가 있겠다. 이전까지 Insomnium의 작곡에 가장 크게 기여했던 원년 멤버 Ville Friman이 영국의 요크 대학에서 진화생물학 강사로 일하며 더 이상 밴드 활동을 병행하기 어렵게 된 것이다. 2010년부터 연구자로서의 삶과 Insomnium의 멤버를 병행해온 그는 Insomnium이 점차 성장함에 따라 빡빡한 투어 일정 등을 소화하기 어려워졌고, 그렇다고 해서 밴드에서 나갈 수는 없었기에 결국 결단을 내리게 되었다. 세 번째 기타리스트 Jani Liimatainen의 영입이 그것이다. Sonata Arctica를 비롯해 여러 밴드에서 활동해온 베테랑인 그는 Ville Friman 대신 투어에 참여하게 되었고, 본작의 녹음 및 작곡에도 참여했다. 다만 Jani Liimatainen은 이미 2015년부터 Insomnium의 투어에 참여해왔기 때문에 이러한 선택은 갑작스러운 것이 아니었으리라고 추측할 수 있다.

비록 투어의 빈자리를 채웠다고는 해도 작곡의 핵심이었던 Ville Friman의 자리를 전부 대체하기란 어려웠으리라. 특히 4집부터는 사실상 거의 모든 곡을 Friman이 작곡을 맡아왔기 때문에 더할 나위 없이 중요했던 그의 자리를 대체하는 것이 이번 앨범을 만드는 데 있어 가장 큰 과제였을 것이다. 물론 이번 앨범에서도 Friman은 제작에 참여하기는 했지만, 그가 작곡한 곡은 가장 먼저 공개되었던 Valediction 하나뿐이었다. 그리하여 이번 앨범은 보컬과 베이스, 그리고 작사를 담당하는 Niilo Sevänen과 Omnium Gatherum 출신 기타리스트 Markus Vanhala가 작곡을 주로 담당했다. 특히 Markus Vanhala는 이번에 절반이 넘는 곡들의 작곡에 참여하며 가장 크게 기여했다.

이러한 상황 속에서 멤버들은 의외로 이번 앨범을 만드는 데 있어서 어려움이 없었다고 한다. 오히려 단 하나의 곡을 만들어야 했던 지난 앨범에 비해 이번 앨범은 더욱 자연스럽게 작업이 진행되었다고 한다. 다시 말해 이들은 지난 앨범의 성공과 밴드의 상황 변동에 대해 딱히 부담감을 느끼지 않았고, 여느 때와 마찬가지로 수월하게 녹음을 마쳤다. 키보드의 경우 Aleksi Munter가 다시 한번 맡았고, 믹싱 및 마스터링 작업은 Amorphis와 Arch Enemy의 최근작들을 비롯해 수많은 앨범 작업에 참여한 Jens Bogren가 담당했다.

한편 이번 앨범의 테마는 여느 때와 마찬가지로 비애와 고통 등에 대한 것이지만, 이전까지와의 앨범들과는 다르게 핀란드의 우울하고 애상적인 정서에 좀 더 깊게 파고 들어갔다. 즉, 자살과 같이 삶의 끝에서 오는 고통이 아닌 하루하루 살아가는 삶 그 자체의 고통과 애환에 더욱 집중했다고 한다. 이러한 테마는 과거 핀란드의 전통적인 비애의 정서를 담아낸 시와 노래에서 많은 영향을 받았으며, 특히 자국의 음악가 Tapio Rautavaara와 Juha Vainio에게서 큰 영향을 받았다고 한다. 그 중에서도 올림픽 금메달리스트에서 배우, 가수를 겸했던 만능 엔터테이너 Tapio Rautavaara의 경우 이번 앨범이 거의 그에게 바치는 헌정이라고 봐도 될 정도로 지대한 영향력을 행사했다고 한다. 그 예시로 이번 앨범의 5번 트랙 And Bells They Toll은 Tapio Rautavaara의 노래 Peltoniemen Hintriikan surumarssi에서 소재를 따온 곡이다.

첫 번째 곡 Wail of the North는 기존 Insomnium의 스타일을 엿볼 수 있는 서정적이면서도 강렬한 오프닝 트랙이다. 우선 은은한 건반 멜로디로 분위기를 내다가, 이내 Insomnium특유의 처절하고 애상적인 사운드로 돌입하여 반가운 복귀를 알렸다.

가장 먼저 공개되었던 싱글 Valediction은 앞서 언급했듯이 유일하게 Ville Friman이 작곡한 곡으로, 꽤나 격렬한 도입부로 눈길을 끈다. 6집의 While We Sleep과 마찬가지로 클린 보컬이 먼저 이끌어 나가다가 Niilo Sevänen의 거친 목소리가 어우러지는 형식을 보여주며, 적절한 완급조절로 깔끔한 구성을 보여주었다. 다만 오프닝 트랙과 함께 자연스럽게 연결되는 킬링 트랙들을 배치했었던 지난 앨범들(The Primeval Dark-While We Sleep, Inertia-Through The Shadows, Equivalence-Down With the Sun)의 임팩트에 비하면 살짝 부족한 감이 들기도 했다.

한편 이어지는 Neverlast의 경우 스피디한 메인 리프와 이어지는 리드 기타의 서정적인 멜로디로 전형적인 Insonnium 스타일을 보여준다. 비록 형식적으로는 크게 새로울 것이 없을지라도, 여전히 뛰어난 완성도로 청자에게 만족감을 선사해 주고 있었다.

앨범 내에서 가장 긴 곡 Pale Morning Star는 본작에서 가장 특색 있는 곡 중 하나이다. 마치 전작 Winter's Gate를 연상시키는 비장한 분위기가 돋보이는 곡이며, 더욱 거칠고 처절한 느낌의 전개를 연출하면서도 애상적인 감수성을 폭발시킨 훌륭한 곡이었다. 또한 키보드와 어쿠스틱 기타, 그리고 전작에서 보여준 읊조리는 스타일의 보컬을 적극 활용했으며, 프로그레시브한 면모를 엿볼 수 있는 뚜렷한 구성 역시 출중했던 이번 앨범 최고의 곡 중 하나였다.

5번 트랙 And Bells They Toll역시 극적인 구성과 그에 어울리는 분위기로 비참한 삶의 애환을 그려내고 있는 훌륭한 트랙이었다. 이전 앨범들과 마찬가지로 Insonnium의 비기 중 하나인 클린 보컬 코러스와 유려한 리드 기타 연주가 가슴을 울리고 있었다.

여섯 번째 곡 The Offering도 마찬가지로 강렬한 연주와 보컬이 만들어내는 처절하고 애상적인 느낌을 이어나갔고, 역시나 매력적인 솔로가 곡의 클라이맥스를 장식했다.

반면 Mute Is My Sorrow는 유일하게 새 멤버 Jani Liimatainen가 작곡한 곡으로, Markus Vanhala가 6집에서 보여주었던 것과 마찬가지로 위화감 없이 자연스럽게 Insonnium의 스타일에 녹아든 모습을 증명했다. 그리고 제법 캐치한 후렴구로 듣는 재미를 더해주기도 했다.

다시 한번 비장미를 폭발시키는 Twilight Trails는 전작 Winter's Gate의 후반부를 연상시키기도 했고, 웅장한 분위기와 빼어난 구성으로 깊은 인상을 남겨 주었던 곡이었다.

핀란드의 멋진 자연경관이 담겨 있는 뮤직비디오로 먼저 공개되었던 Heart Like a Grave는 유려한 멜로디와 감수성 넘치는 코러스로 청자의 마음을 움직인다. 비록 6집의 Lose to Night같은 곡에서 비슷한 스타일을 이미 보여준 적이 있기는 하지만 그래도 여전히 청자의 마음을 뒤흔드는 이들의 저력을 증명한 후반부의 킬링 트랙이었다고 본다.

마지막 곡 Karelia는 처음으로 등장한 긴 연주곡이다. 물론 5집의 Decoherence같은 짤막한 연주곡은 이미 보여준 적이 있지만, 이처럼 7분 이상의 연주곡으로 대미를 장식하는 것은 이번이 처음이었다. 곡은 잔잔한 분위기 속에서 진행되며 좀 더 토속적인 느낌을 주는 멜로디와 키보드를 활용해 앨범의 여운을 더욱 깊게 남겨 주며 아웃트로 역할을 톡톡히 해 주었다.

전반적으로 볼 때 이번 앨범 역시 Insomnium의 비참하고 애상적인 감성이 잘 느껴지는 작품이었다. 언뜻 보기에는 형식적으로 전작 Winter's Gate 이전의 기존 Insomnium 스타일로 회귀한 것 같지만, 음악 내적으로는 Winter's Gate의 영향 또한 많이 녹아들어 있었다. 앞서 언급한 대로 4번 곡 Pale Morning Star를 필두로 곳곳에서 Winter's Gate의 느낌과 색채를 엿볼 수 있었다. 때문에 이번 앨범은 단순한 과거 스타일로의 회귀가 아니라 기존 Insomnium의 스타일과 전작에서 보여준 실험적인 면모를 조화시켜 한 단계 더 나아간 것이라고 보고 싶다. 개별 곡들의 완성도도 대체로 뛰어난 편이었고, 전작에서 보여준 더욱 발전된 녹음 상태 또한 이어나갔다. 그리고 최초로 한 시간을 넘어선 제법 긴 앨범임에도 지루하지 않게 구성에도 나름대로 신경을 썼다.

사실 솔직히 말하자면 이번 앨범의 첫 인상은 전작을 포함한 기존 Insomnium의 앨범들에 비하면 약간 못 미치는 수준이었다. 이전 앨범들의 경우 하나같이 처음 들을 때부터 단번에 확 와 닿았으며 곧바로 빠져들게 되었으나, 이번 신작은 역시 잘 만들었다는 생각은 했지만 어째서인지 생각보다 잘 와 닿지 않는 느낌이 들었었다. 어쩌면 Winter's Gate이후 기대치가 지나치게 높은 상태에 머물러 있었던 것일 수도 있고, 아니면 먼저 언급한 것처럼 작곡의 축이 Ville Friman에서 Markus Vanhala와 Niilo Sevänen로 변한 것이 원인일지도 모르겠다.

하지만 앨범을 계속 들어 보면서 이번 앨범 역시 좋아하지 않을 수 없는 Insomnium만의 색깔이 잘 드러난 작품이라는 생각을 하게 되었다. 개인적으로 좋게 들은 앨범은 대개 처음 들었을 때부터 단번에 빠져드는 경우와 처음에는 딱히 좋아하지 않거나 그렇게까지 와 닿지 않았지만 시간이 지나며 뒤늦게 빠져드는 경우로 나뉘는데, 이번 신작은 후자에 해당했다. 그 이유는 이 앨범이 이전 앨범들의 특색을 절충하여 만들어낸 이번 작품의 좀 더 새로운 스타일에 적응하는 데 다소 시간이 걸렸기 때문이 아닐까 하는 생각을 해 본다. 물론 개인적으로 가장 선호하는 작품은 Winter's Gate이고, 아직까지는 이 작품보다 3~6집으로 대표되는 기존의 Insomnium스타일을 약간 더 좋아하지만, 신작 Heart Like a Grave역시 훌륭한 완성도가 돋보이는 아주 우수한 작품이라는 것은 전혀 부정하고 싶지 않다.

결국 이번 앨범 역시 Insomnium의 불패신화를 이어나간 또 한번의 성공이었다고 생각한다. 전작 Winter's Gate의 뒤를 이어 이번 앨범도 핀란드 앨범 차트 1위를 달성했으며, 독일 앨범 차트의 상위권에도 진입하는 등 좋은 성과를 내고 있다. 변화를 통한 성공을 거두었던 전작 이후 핵심 멤버 Ville Friman의 활동 축소와 세 번째 기타리스트 영입이라는 격동 속에서도 이들은 굳건하고 태연하게 이번 신작을 만들어냈으며, 결과적으로 실패를 모르는 모범적인 모습을 또다시 보여줄 수 있었던 것이다. 이번 앨범에서 핀란드 사람들이 끝없는 고통과 애환 속에서도 이를 감내하며 끈질기게 살아가는 삶을 보여준 것처럼, Insomnium도 큰 위기로 작용할 수 있는 충격에도 한 치의 흔들림 없이 굳건하게 자리를 지켜나가고 있다고 생각한다.

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찬란했던 메소포타미아의 신화 속으로...

히브리어로 ‘불의 왕’을 뜻하는 Melechesh는 1995년도에 결성하여 현재까지 활동해오고 있는 이스라엘 출신 밴드이다. 이들의 음악은 블랙 메탈에 뿌리를 두고 있지만, 갈수록 일반적인 블랙 메탈과 상당한 차이가 존재하는 독특하고 개성 넘치는 독자적인 스타일을 구사해오고 있다. 음악 및 가사의 테마는 대개 메소포타미아 신화와 중동 지방 오컬트 등에 대한 것이며, 때문에 오리엔탈 블랙 메탈이나 메소포타미안 메탈 등 다양한 수식어가 따라붙기도 한다. 이처럼 독창적인 사운드를 정립한 이들의 음악 세계는 자신만의 장르를 창조해낸 수준에 다다른 여타 거장 밴드들에 견줄 만하다고 봐도 무방할 정도일 것이다.

이들은 예루살렘에서 결성하여 데모 As Jerusalem Burns... 등을 발표했고, 지역 언더그라운드 메탈 팬들의 눈길을 끌었다. 그러나 예루살렘 시 당국은 이들을 사타니즘 및 오컬트를 행하는 집단이라는 이유로 고소를 하기도 했었다. 이후 다행히도 고소는 결국 취하되었으나, 이와 같은 종교, 사회적 이유들로 인해 이들은 결국 1998년 네덜란드로 이주하여 활동을 이어나가게 된다. 이들은 이후로도 세계 각국을 돌아다니면서 활동을 이어나가고 있는데, 때문에 앨범이 녹음된 장소가 제각각이다. (미국, 스웨덴, 터키, 그리스 등...)

이스라엘에서 활동하던 당시 발표했던 정규 1집 As Jerusalem Burns... Al'Intisar는 정통 세컨드 웨이브 블랙에 가까운 스타일을 추구하고 있었으나, 해외 이주 이후 발표한 2집 Djinn부터는 점차 이들만의 독창적인 음악을 본격적으로 발전시켜나갔다. 한편 2집 발표 이전 이스라엘에 남았던 드러머 Lord Curse가 본인의 커리어를 위해 미국으로 이주하면서 Absu의 드러머인 Proscriptor McGovern이 드럼을 맡기도 했었다. (여담이지만 Lord Curse는 루카스필름 산하의 ILM에서 시각 디자이너로 활동하며 아이언맨이나 트랜스포머 3과 같은 영화 제작에 참여했고, 2014년 Melechesh에 복귀하여 두 직업을 병행하고 있다.)

2003년 발매된 3집 Sphynx는 King Diamond의 기타리스트 Andy LaRocque가 프로듀싱을 맡았으며, 더욱 강해진 이들만의 색깔과 수준 높은 완성도로 호평받았다. 그리고 2006년 발표한 Emissaries에 이르러 독자적인 스타일의 완성을 이룩해냈던 이들은 마치 사막의 모래폭풍과도 같은 메마르고 거친 사운드로 강렬한 인상을 남겨 주었었다. 한편 5집 The Epigenesis에서는 더욱 진보적이고 다채로운 구성을 선보이며 더욱 독보적인 위치에 자리하게 되었다. 그리고 4년 반 만에 발표했던 최근작 6집 Enki역시 호평을 받으며 그 명성을 이어간 만큼 이들은 독창적이면서도 완성도 높은 음악들을 꾸준히 만들어온 베테랑 밴드로서 자리매김하고 있다.

앞서 언급했듯이 이들 음악의 테마는 메소포타미아/수메르 신화 및 오컬트 등이 주가 되며, 이름도 생소한 다양한 중동 및 지중해 지방의 전통 악기들을 활용한다. 다만 이러한 전통 악기들을 앨범 내내 사용하는 것이 아니라 곡의 일부분 혹은 전통 악기들로만 구성된 연주곡에서만 사용하기 때문에 이들이 만들어내는 독특하고 이국적인 분위기와 색깔은 Nile 같은 밴드가 그랬듯이 기존 밴드 악기만으로도 충분히 구사할 수 있음을 증명하고 있다.

Melechesh의 음악 대부분은 프론트맨이자 밴드의 매니저인 Melechesh Ashmedi가 작사 및 작곡을 겸하고 있으며, 그는 기타·보컬·키보드뿐 아니라 다양한 전통악기들까지 다루는 팔방미인이다. 6집 Enki는 원년 멤버 Moloch을 비롯한 세션 멤버들과 함께 녹음을 진행했고, 2014년 밴드에 복귀했던 Lord Curse는 개인 사정으로 레코딩에 참여하지 않고 대신 Gorod 등등 여러 밴드를 거친 드러머 Samuel Santiago가 드럼을 맡았다. 또한 Max Cavalera를 비롯한 여타 뮤지션들의 피쳐링 또한 눈길을 끌었다. 강렬한 첫인상을 남겨 주는 금빛 앨범 커버는 크툴루 신화 일러스트 등으로 알려진 John Coulthart가 담당했다.

첫 번째 곡 Tempest Temper Enlil Enraged는 특유의 중동풍 트레몰로 리프가 눈에 띄는 인트로로 시동을 걸다가 곧이어 그야말로 폭발적인 전개가 터져 나온다. 마치 4집 Emissaries의 1번 트랙 Rebirth of the Nemesis를 연상시키는 무지막지한 파괴력을 연출해내며 단번에 거장의 귀환을 널리 알린다. 잠시 숨을 고른 후 이어지는 스피디한 전개 역시 Melechesh만의 이국적이면서도 쫄깃한 리프들로 귀를 사로잡으며, 마지막 부분에서는 더욱 캐치한 리프 구성을 보여주는 등 그야말로 작살을 내주는 킬링 트랙이었다. 한편 곡 제목과 가사의 엔릴(Enlil)은 메소포타미아 신화에서 등장하는 바람의 신으로, 길가메시 서사시에서 대홍수를 일으킨 신이다.

이어지는 The Pendulum Speaks역시 이국적인 멜로디로 수를 놓는 도입부로 어김없이 독특한 매력을 보여주고 있으며, 이 앨범의 가장 큰 특징 중 하나인 독특한 기타 톤이 가장 두드러지는 곡 중 하나이다. 마치 반짝이는 황금빛 앨범커버의 느낌을 연상시키는 독특하고 풍부한 느낌의 기타 톤은 이번 앨범의 매력 포인트 중 하나였다고 본다. 이 곡의 구성은 비교적 짧지만 보다 캐치한 느낌을 강조했으며, 특히 리프의 귀재인 Ashmedi의 훌륭한 리프들이 인상적이었던 곡이었다.

Sepultura의 전 멤버로 잘 알려져 있는 Max Cavalera의 보컬 피쳐링이 돋보이는 3번 곡 Lost Tribes 역시 이국적이면서도 중독성 넘치는 리프들의 향연이 펼쳐지며, 청량감 넘치는 Ashmedi의 보컬과 거친 Cavalera의 보컬이 이루는 조화도 볼만했다. 마찬가지로 빈틈없이 스피디하게 잘 짜인 전개와 변칙적인 구성 모두가 훌륭했던 멋진 곡이었다. 특히 클라이맥스 및 종결부 부분의 임팩트가 강렬했다. 한편 이 곡은 당시 고대 유적들을 파괴하면서 테러 행위를 일삼은 ISIS에 대한 우회적인 비판이 담긴 곡이기도 하다.

한편 질주감 대신 보다 진득하고 그루브한 느낌을 강조하는 Multiple Truths또한 본작의 킬링 트랙 중 하나이다. 앞선 곡들과 마찬가지로 그저 뛰어나다고밖에 할 수 없는 매력적인 리프들이 돋보이며, 의외의 클린 보컬 파트로 색다른 느낌을 주기도 했다. 그리고 후반부에서 리프가 약간의 변화를 주며 반복되는 부분은 그야말로 머리를 저절로 흔들게 만들 정도였다.

반면 8분대의 대곡 Enki - Divine Nature Awoken에선 더욱 무게감 있고 에픽한 스타일의 전개를 펼쳐나간다. Lost Tribes와 마찬가지로 이 곡에선 Rotting Christ의 보컬 및 기타리스트인 Sakis Tolis가 보컬 피쳐링으로 참여했다. 또한 대곡답게 더욱 웅장하고 다채로운 면모를 보여줌으로써 메소포타미아의 신화가 눈 앞에 펼쳐지는 듯한 느낌을 만들어냈다. 앨범의 제목이기도 한 엔키(Enki)는 물의 신이자 바람의 신 엔릴과 형제이며 인간을 창조한 신이기도 하다. 그는 대홍수를 일으켰던 엔릴과는 달리 인간 우트나피쉬팀에게 귀띔하여 방주를 만들게 하는 등 인간에게 우호적이었던 신이었다고 한다.

다시 미친 듯한 스피드의 질주를 이어가는 Metatron and Man은 전작 The Epigenesis의 2번 트랙 Grand Gathas of Baal Sin과 마찬가지로 사막의 폭풍과도 같은 이들의 특색을 잘 보여주는 곡이다. 앞선 곡들과 마찬가지로 인상깊은 리프들이 기억에 남으며, 그렇게 눈에 띄지는 않지만 은은한 기타 솔로도 나름의 매력을 지니고 있었다. 한편 이 곡은 유대교 신비주의에서 등장하는 세피로트의 나무와 대천사 메타트론에 대한 곡이다.

앨범 내에서 가장 짧은 트랙인 The Palm, the Eye and Lapis Lazuli은 짧은 길이만큼이나 캐치하고 직설적인 곡이다. 또한 흥겨운 메인 리프와 비교적 단순한 구성이 돋보이는 보다 접근성이 높은 곡이라고 할 수 있겠다. 한편 이 곡에선 Volbeat의 기타리스트인 Rob Caggiano가 기타 솔로 피쳐링으로 참여했다. 비록 짧은 곡이지만 나름대로 있을 건 다 있는 곡이고, 어김없이 돋보이는 훌륭한 리프들이 인상적이었던 곡이었다.

8번 트랙 Doorways to Irkala는 Melechesh의 앨범들에서 감초 역할을 하는 전통 악기들을 활용한 연주곡이다. 다라부카, 다프, 에스라즈, 부주키 등 다양한 전통 악기가 어우러지며 중동풍의 주술적인 느낌을 훌륭하게 만들어내고 있고, 적절한 완급조절을 통해 더욱 신묘한 분위기를 연출해냈다.

대미를 장식하는 마지막 곡 The Outsiders는 12분이 넘어가는 거대한 대곡이자, Melechesh의 모든 곡들 중에서도 가장 긴 곡이다. 우선 웅장하기 그지없는 도입부로 이전까지와는 확연히 다른 스케일을 체감하게 만들며, 보컬 역시 코러스가 더해진 장엄한 스타일로 에픽한 면모를 더한다. 이후 이어지는 전개는 물 흐르듯 자연스럽게 흘러가며 강렬하고 매력적인 연주를 통해 웅장한 분위기를 계속 이어나간다. 한편 중반부에서 잠깐 동안 혼란스러운 연주가 이어지며 더욱 독특한 느낌을 보여준 뒤 곡이 클라이맥스로 돌입한다. 최고조에 다다른 분위기 속에서 도입부 부분이 변주되어 되풀이되며 수미상관적 구성을 보여준 후 그야말로 압도적인 마무리로 곡을 마무리 지었다. 물론 이런 식으로 10분이 넘어가는 대곡으로 앨범을 마무리한 것은 전작도 마찬가지였지만, 전작의 마지막 트랙 The Epigenesis와 비교해 보면 이 곡이 상위호환이라고 불러도 좋을 정도로 훨씬 강렬한 임팩트를 남겨 주었다고 생각한다. 따라서 이 곡은 그야말로 Melechesh의 모든 것이 담긴 일생일대의 대곡과도 같은 인상이 들었고, 개인적으로는 The Call of Ktulu, Blackwater Park와 같이 대미를 장식하는 앨범 최후의 걸작 대곡들과 비교해 봐도 전혀 부족함이 없는 어마어마한 곡이었다고 본다.

앨범 전반적으로 보면 거칠고 폭발적인 출력을 보여주었던 4집과 그루브한 면모 등을 추가하여 팔방미인과도 같은 다채로운 모습을 보여준 5집을 적절하게 배합하면서도 한 발 더 나아갔던 작품이었다고 생각한다. 좀 더 전면에 배치되어 더욱 강렬하고 파괴적인 인상을 남기는 드럼과 찬란했던 메소포타미아 신화를 연상시키는 풍부한 느낌의 기타 톤은 이번 작품의 특색 중 하나였다. 이번 작품에서도 어김없이 빛을 발하고 있는 Ashmedi의 출중한 작곡 능력은 이국적이면서도 착착 감기는 리프들만 보더라도 절실히 느낄 수 있었으며, 저마다 뚜렷한 개성을 지닌 곡 구성으로 천편일률적이지 않고 보다 다채로운 앨범을 짜내려 갔다는 점 또한 여전했다.

또한 전작과 비교해 봤을 때 약 10분 정도 줄어든 간소화된 구성으로 부담은 줄이고 각각 곡들의 임팩트를 좀 더 끌어올렸으며, Tempest Temper Enlil Enraged, Multiple Truths등 뚜렷한 킬링 트랙의 존재감도 인상적이었다. 하지만 무엇보다도 마지막 곡 The Outsiders가 이 앨범을 높이 평가하는 데 있어서 큰 이유 중 하나를 차지하고 있을 만큼 이 곡이 준 충격은 어마어마했다. 음악을 듣다 보면 가끔 단순히 ‘좋다’, ‘잘 만들었다’의 감흥을 넘어서 ‘어떻게 이런 걸 만들 수 있지?’라는 감탄과 함께 충격을 느끼는 경우가 있는데, 이 곡이 바로 그러한 부류에 해당했다. 장대한 분위기, 훌륭한 리프, 절묘한 구성 등 모두가 극에 달한 완벽에 가까운 대곡이었다는 느낌이 들 정도였으니 말이다. 물론 나머지 곡들의 완성도 또한 전반적으로 모두 출중했다고 본다.

따라서 Melechesh의 6집 Enki 역시 2집 이래 지속적으로 진보해오며 한 번의 실패도 겪지 않은 꾸준함을 증명한 작품이자, 한 발 더 나아가려는 시도를 멋지게 이루어낸 2010년대의 빛나는 걸작 중 하나였다고 생각한다. 한편 이들의 앨범들은 시간이 갈수록 발표하는 간격이이 길어지는 경향을 보이고 있다. 이에 대해 Ashmedi는 인터뷰에서 Melechesh의 앨범 제작이 길어지는 이유가 작곡을 거의 자기 혼자서 하며, 투어 도중이나 다른 시간에 짬을 내어서 하기 때문이라고 밝혔다. 뭐 이러한 사유는 비단 이 밴드만의 문제는 아니겠지만, 어쨌거나 개인적으로는 앨범 내는 주기가 제법 길더라도 더욱 완성도 높은 작품을 만들 수 있다면 충분히 감내할 수 있다고 보는 입장이다. 꾸준히 좋은 모습을 보여준다면 좋겠지만, 그것이 힘들다면 매번 판에 박힌 스타일로 복사하듯 찍어내거나 단순히 다작에 집착하는 것보다는 인고의 시간을 가지며 적지만 더욱 가치 있는 수작을 탄생시키는 것이 더 좋다고 생각한다.

21세기 들어 메탈 장르 내에서 본격적으로 동양적 테마를 차용하는 밴드가 많아지면서 현재까지도 이러한 시도가 계속되고 있다. 이미 데스 메탈 계열에서 독보적인 위치에 올라선 Nile이나, 최근 국내에까지도 컬트적인 인기를 퍼뜨리고 있는 Cult of Fire등등 많은 밴드들이 저마다의 동양풍 컨셉을 잡아 차별화된 개성을 보여주고 있다. 하지만 이들이나 Orphaned Land, Myrath등과 같이 음악적 테마와 지역적 배경이 동일한 밴드들의 경우 동양적 컨셉을 차용한 서양 밴드들과는 다른 또 다른 특성을 지니고 있다. 이러한 밴드들은 보다 지역적 특색을 활용하기 쉬우며, 다른 한편으로는 마치 유럽의 바이킹/포크 메탈 밴드들이 그래왔듯이 지역 종교에 대한 페이거니즘적이거나 반종교적인 색채를 더할 수도 있다. 한 가지 예시를 들면, 사우디아라비아의 블랙/포크 메탈 밴드 AlNamrood의 경우 반이슬람교적 테마를 사용한다. 그런데 사우디아라비아에서는 이런 식으로 반이슬람교적인 행보를 보였다가는 사형에 처해질 수도 있기 때문에 이들은 그야말로 목숨을 건 채 철저하게 익명으로 활동해오고 있는 것이다.

물론 Melechesh의 경우 진심으로 메소포타미아 신화에 대한 종교적 숭배를 행하고 있지는 않다. 다만 프론트맨 Ashmedi는 인터뷰에서 2015년 당시 극성이었던 ISIS의 고대 유적 파괴 행위를 비판하기도 했고, ISIS에 의해 사촌이 기독교를 믿는다는 이유만으로 총격을 당해 죽을 뻔했다는 이야기를 하기도 했다. 또한 이번 앨범의 3, 7번 트랙의 가사를 이러한 경험을 바탕으로 하여 쓰기도 했다고 한다. 결국 Melechesh와 같은 밴드의 음악은 단지 동양적 컨셉을 차용한 서구 밴드들과는 달리 실제 삶의 경험과 배경을 바탕으로 하여 만들어지기도 한다는 점에서 차별화된 면모를 보여주기도 하는 것이다. 물론 이러한 차이를 두고 무조건 어느 것이 더 낫다고 말할 수는 없지만, 지역적 기반을 둔 밴드들이라면 그들의 현실 세계에서의 삶에 기반한 좀 더 진심 어린 예술을 만들어낼 수도 있다는 것은 분명해 보인다. 마치 페이건 블랙과 포크 메탈 밴드들이 그래왔듯이 말이다. 아무튼 간에 고향을 떠나 오랫동안 타향살이에 떠돌이 생활을 하면서도 지속적으로 훌륭한 작품들을 만들어낸 Melechesh의 저력이 앞으로도 이어질 수 있기를 바란다.

99/100 ... See More

고딕 메탈의 새로운 정의

90년대 들어 Paradise Lost, My Dying Bride 등등을 필두로 한 몇몇 밴드들이 고딕 메탈을 탄생시킨 이후 고딕 메탈은 기존의 데스-둠 메탈 스타일에서 벗어나 독자적인 노선을 걷게 되었다. 한편 미국의 Type O Negative나 스웨덴의 Tiamat, 노르웨이의 Theatre of Tragedy같은 밴드들 또한 독자적인 고딕 메탈 스타일을 정립해나갔고, 고딕 메탈의 발전에 기여했다. 90년대 중후반 전성기에 다다랐던 고딕 메탈은 시간이 지나며 점차 쇠락하는 모습을 보여주었다. 이후 많은 밴드들이 해체하거나 혹은 탈 메탈 내지는 심포닉 메탈로 변화하면서 고딕 메탈은 점차 ‘고인물화’되는 경향을 보여주었다. 물론 Draconian처럼 2000년대 이후 주목받기 시작한 밴드들도 몇몇 있기는 했지만, 현재 고딕 메탈은 90년대 그 당시부터 활동해온 밴드들 위주로 명맥을 이어가고 있는 수준이다.

이러한 와중에 혜성처럼 등장한 Tribulation은 고딕 메탈의 새로운 방향성을 제시해 주었다고 봐도 무방할 만큼 이전까지와는 다른 독특한 고딕 호러풍 스타일을 구축하는 데 성공해냈다. 본래 블랙/스래쉬적 요소가 일부 가미된 데스 메탈 밴드로 시작한 이들은 1집 The Horror로 상당한 호평을 받으며 매니아들의 눈길을 끌었었다. The Horror는 자국 스웨덴의 Repugnant(현재는 록 스타급으로 성장한 Ghost의 Tobias Forge가 조직했던 밴드이다.)와 Morbid Angel, Necrophobic, Merciless등의 고전적 스타일을 계승한 으스스한 분위기의 데스 메탈로 강렬한 인상을 남겨 주었었다. 한편 4년여 만에 발표했던 2집 The Formulas of Death에서는 전혀 다른 스타일로의 변화를 꾀했다. 1집의 과격하고 직설적인 스타일 대신 보다 프로그레시브/사이키델릭적으로 변화한 2집은 전에 없던 독특한 스타일로 더욱 독자적인 영역으로 파고들어갔던 작품이었다.

다시 2년이 지나 발매한 3집 Children of the Night에서는 또다시 확 변한 스타일을 보여주었는데, 이번에는 기존의 보컬 스타일과 으스스한 분위기 정도만을 남기고 실질적으로는 고딕/헤비 메탈에 가까운 스타일로 환골탈태를 선보였다. 이 앨범은 90년대부터 꾸준히 이어져 온 기존의 어떠한 고딕 메탈 스타일과 비교해 보더라도 뚜렷한 차이점들을 지니고 있다. 우선 데스-둠 계열에서 갈라져 온 전통적인 고딕 메탈과는 물론이고, 심포닉 고딕 계열이나 심지어 Type O Negative같은 독특한 개성을 지녔던 부류와 비교해 봐도 상당한 차이점을 보여주었다. 그렇다면 이 앨범의 뿌리를 찾기 위해서는 어디로 거슬러 올라가야 할까? 그 해답은 80년대 고딕 록의 대부 The Cure에 있다고 본다.

초기엔 포스트 펑크 밴드로 출발하여 80년대 Pornography, Disintegration등의 명반을 발표하며 고딕 록을 대표하는 밴드로 자리잡게 된 The Cure는 이후 고딕 메탈 전반에 직·간접적인 영향력을 떨쳤다. 하지만 고딕 메탈이 독자적인 장르로 떨어져 나온 이후 고딕 메탈 밴드들은 굳이 고딕 록까지 거슬러 올라가는 대신 이미 정립된 고딕 메탈 내에서 영향을 받는 경향이 많았다. 그러나 이 앨범의 경우에는 기존의 고딕 메탈 밴드에 대한 영향력보다도 대선배인 The Cure의 영향력이 보다 직접적으로 느껴지는 사운드를 들려주었고, 이에 ‘고딕 메탈’로서는 전에 없던 새로운 스타일의 창조를 가능케 했던 것이다. 실제로 이들은 The Cure의 One hundred years를 커버한 적이 있는 만큼 The Cure가 이 앨범에 미친 영향력은 크다고 볼 수 있겠다.

한편 고딕적 색채 밖으로는 이들은 앞서 언급한 올드스쿨 데스 메탈 선배 밴드들과 마찬가지로 자국 스웨덴의 블랙 메탈 밴드 Watain의 영향을 복합적으로 받은 것 같다고 느껴졌다. 그리고 여기에 1, 2집을 거치며 쌓아온 자신만의 개성이 더해졌으며, 음악 외적으로는 고전 고딕 호러 영화들과도 상당한 연관성을 지닌다고 생각한다. 하지만 가장 중요한 것은 이러한 장르를 넘나드는 다양한 영향을 바탕으로 하여 전에 없던 독창적이고 신선한 고딕 메탈을 만들어냈다는 것이다.

음산한 건반 멜로디와 함께 시작하는 Strange Gateways Beckon은 이내 비장미 가득한 전개로 1, 2집과는 전혀 다른 새롭게 태어난 스타일의 느낌을 단번에 확인시켜준다. 또한 유려한 멜로디의 솔로와 처절한 분위기로 강렬하고도 독특한 첫인상을 남겨 준다. 한편 보다 템포를 올리는 Melancholia는 본작에서 가장 캐치한 매력을 뽐내는 킬링 트랙으로, 연이어 등장하는 매력적인 멜로디로 단번에 빠져드는 마력을 뿜어낸다. 또한 중반부에서 분위기를 점차 고조시킨 뒤 잠시 잔잔해졌다가 솔로가 터져 나오며 다시 감수성을 폭발시키는 잇따른 전개는 그야말로 최고라고 말할 수 있겠다. 한편 The Cure의 Love Song 같은 느낌도 주며 그들의 영향력을 체감할 수 있는 곡이기도 했다.

3번째 곡 In the Dreams of the Dead는 조용하게 시작했다가 이내 강렬한 전개로 돌입하며, 마찬가지로 처연함이 느껴지는 멜로디와 분위기, 그리고 자연스러운 완급조절이 돋보이는 역동적인 구성 모두 인상적이었다. 마찬가지로 4번 트랙 Winds또한 처절한 감수성과 지루하지 않게 이끌어나가는 전개가 돋보인 훌륭한 곡이었다.

한편 앨범의 정중앙에 위치하는 연주곡 Själaflykt는 고딕 호러풍의 비장미를 극대화시키며 앨범의 품격을 더욱 높여 주는 곡이었다. 특히 클린톤 기타와 키보드의 적절한 활용이 깊은 인상을 남겨 주었다. 6번 The Motherhood of God는 Melancholia와 함께 앨범 내에서 가장 캐치한 곡으로, 도입부부터 The Cure를 연상시키는 몽환적인 멜로디로 귀를 사로잡는다. 이후로도 빈틈없는 전개와 완벽한 마무리까지 어느 하나 흠잡을 곳 없는 또 하나의 킬링 트랙으로서의 존재감을 과시했다.

반면 잔잔한 분위기로 전환되는 Strains of Horror에선 1집 The Horror의 8번 트랙 Seduced by the Smell of Rotten Flesh에서 사용했던 부드럽고도 음산한 멜로디를 활용하여 고딕 호러풍의 느낌을 더욱 강조했다. 또한 후반부에서 멋드러진 솔로가 터져 나오며 쓸쓸한 감수성을 더욱 북돋아 주는 등 이 곡 역시 후반부의 킬링 트랙이라고 할 수 있는 명곡이었다. 한편 2, 6번 곡과 마찬가지로 보다 캐치한 면모가 두드러지는 Holy Libations역시 매력적인 리프들과 탄탄한 짜임새로 거장의 여유마저 느낄 수 있었다.

마지막을 준비하기 위한 짤막한 연주곡인 Cauda Pavonis도 단순한 필러 트랙으로 취급하기엔 워낙 매력적인 분위기가 마음에 들었다. 마지막 곡 Music from the Other는 다시 한번 비장미 넘치는 도입부로 마무리에 어울리는 장중한 분위기를 조성하며, 처연하고 처절하지만 동시에 은은한 분위기 속에서 강렬한 클라이맥스와 함께 앨범을 끝맺었다.

앨범 전반적으로 고딕 메탈 특유의 어둡고 처연한 느낌이 깔려 있으면서도 비교적 캐치하고 빠른 템포의 Melancholia나 The Motherhood of God같은 곡으로 기존의 고딕 메탈 스테레오타입과도 뚜렷하게 구분되는 면모를 보여주었다. 또한 단순히 립서비스가 아니라 진심으로 버릴 곡 하나 없는 수준의 뛰어난 완성도가 돋보이는 곡들로 채워져 있으며, 완급조절에도 힘써 한 시간 가까운 앨범 내내 지루함을 느낄 수 없었다. 여기에 고딕 호러 영화를 연상시키는 으스스하고 비장미 넘치는 독특한 분위기와 멜로디 등으로 독보적인 개성을 보여주기도 했다.

앞서 언급했듯 이 앨범은 The Cure의 고딕 록 스타일에 상당한 영향을 받은 것 같았으며, 보컬 등은 Watain같은 밴드의 영향력이 느껴졌다. 그뿐 아니라 1, 2집을 거쳐 오며 쌓아온 이들의 노하우가 곳곳에서 녹아들어 있었다. 보다 직설적인 데스 메탈 스타일을 추구했던 1집이나 사이키델릭적 면모가 두드러졌던 2집에서도 이 앨범의 성향과 다르지 않은 고딕 호러적인 특성을 찾아볼 수 있는데, 이러한 점들이 복합적으로 모여 탄생한 것이 이 앨범이었다고 생각한다.

이 앨범이 갖는 가치는 2010년대 이후 그야말로 ‘고인물화’가 진행되고 있는 고딕 메탈 장르에 하나의 신선한 충격으로 다가올 수 있다는 점이다. 정통 데스-둠 계열 고딕이든 심포닉 고딕 계열이든 고딕 메탈은 여전히 신선한 시도가 계속되어오고 있는 여타 익스트림 메탈 장르에 비해 더욱 정체된 경향을 보여주고 있다. 이러한 시점에서 등장한 이 앨범은 데스-둠 기반 고딕이나 심포닉 고딕 모두와도 차별화되는 뚜렷한 개성을 지니고 있는 작품이었다. 다시 말해 The Cure가 정립한 고딕 록 스타일의 느낌부터 시작해서 블랙, 데스 메탈 밴드들의 영향력을 고루 흡수한 이들의 성향이 모두 녹아들어 탄생한 새롭고 독창적인 고딕 메탈이었던 것이다.

그리하여 이들은 전에 비해 더욱 큰 성공을 거두었으며, 그리하여 후속작이자 최근작인 4집 Down Below에서 이들만의 고딕 메탈 스타일의 정립을 이루어내고 다시 한번 좋은 평가를 받았다. 또한 이들은 작년 Arch Enemy와 함께 투어를 돌 정도로 성장했으며, 현재까지도 활발한 활동을 이어가고 있다. 한편 이들의 파격적인 변화와 성공은 다른 밴드들에게도 상당한 영향을 미친 것으로 보인다. 작년 데스 메탈에 서던 록 등의 면모를 더한 파격적인 시도로 호평받았던 Chapel of Disease의 3집이나, 프로그레시브적 면모를 더욱 강조했던 Horrendous의 4집 같은 경우를 예로 들 수 있겠다.

마지막으로 이들을 더욱 주목하게 만드는 추가적인 요인은 이들이 아직 30대 초반의 젊은 나이라는 것이다. 드러머를 제외한 세 명의 원년 멤버들은 2001년 고작 12~13세 무렵의 어린 시절부터 밴드의 전신이었던 Hazard라는 스래쉬 메탈 밴드를 결성했었고, 2004년부터 Tribulation으로 이름을 바꾸어 활동해왔다. 이처럼 이들은 20여 년 가까이 오랫동안 함께해 왔으면서도 여전히 30대 초반의 비교적 젊은 나이이기 때문에 앞으로도 그동안의 경험을 바탕으로 더욱 발전할 가능성은 얼마든지 존재한다고 봐도 무방할 것 같다.

결국 이 앨범은 90년대 초 이래 20년 이상 이어져 온 고딕 메탈의 스테레오타입에서 근본적으로 벗어난 독창적이고 신선한 작품이었다. 여기에 앨범 자체의 완성도 또한 딱히 흠잡을 데 없이 출중했던 만큼 작품성과 독창성 모두를 잡아낸 2010년대 최고의 메탈 앨범 중 하나라고 생각한다.

100/100

P.S. 메킹에는 이 밴드의 3, 4집 장르가 각각 데스, 테크데스로 등록되어 있는데 수정이 필요해 보입니다. ... See More