“대체 이런 걸 왜 들어요?”

메탈헤드라면 한 번쯤은 메탈을 전혀 듣지 않는 사람으로부터 이와 같은 질문을 들어본 적이 있을지도 모른다. 특히 메탈 장르 내에서도 소위 말하는 익스트림 메탈의 밑바닥으로 내려가는 경우 다른 메탈헤드조차 질색할 만한 극단적인 스타일의 밴드들이 존재한다. 하지만 그러한 극단 중의 극단을 추구하는 밴드들 또한 잘나가는 팝스타들과 마찬가지로 비록 그 규모는 작을지언정 팬들로부터 열정적인 지지를 받고 있다.

스페인의 블랙/데스 메탈 밴드 Teitanblood역시 그러한 부류에 해당한다. 2003년 리더 NSK에 의해 결성된 이들은 캐나다의 Blasphemy로부터 시작된 속칭 ‘워 메탈’ 밴드로도 분류되는 밴드이다. 물론 이들의 음악적 테마가 ‘전쟁’과는 거리가 먼 편이지만, 지극히도 거칠고 난폭한 음악적 스타일은 이쪽 계열을 대표하는 Archgoat, Revenge, Proclamation 같은 밴드들과 비교해 봐도 뒤처지지 않는다.

하지만 이들이 앞서 언급한 밴드들은 물론이고 대다수의 블랙/데스 계열 밴드들과 비교해 볼 때 가지는 뚜렷한 차이점은 대곡을 많이 쓴다는 점이다. 블랙/데스 계열 밴드들이 일반적으로 블랙 메탈과 데스 메탈뿐 아니라 그라인드코어로부터 받은 영향이 작지 않다는 점에서 대개 곡들의 길이가 긴 편이 아니지만, Teitanblood의 경우 10분이 넘어가는 트랙들을 정규 앨범에서도 EP에서도 수록하곤 한다.

물론 단순히 곡의 길이가 길다는 것이 특징은 될 수 있어도 반드시 장점이 되는 것은 아니다. 오히려 대곡 구성은 자칫하면 쉽게 지루해진다는 비판을 받기 십상인데, Teitanblood의 두 번째 정규 앨범 Death는 무질서함 속에서도 나름의 짜임새와 빌드업을 갖춤으로써 총 길이가 70여 분에 달하는 블랙/데스 앨범의 선례를 찾기 힘든 대작을 만들어냈다.

보통 한 시간이 넘어가는 대작 앨범이나 블랙/데스의 기념비적인 앨범 Fallen Angel of Doom....을 본받은 많은 블랙/데스 앨범들이 앨범의 도입부에 스산하거나 웅장한 분위기의 도입부를 넣어 살살 분위기를 내는 전법을 사용하는 경우가 많다. Teitanblood 역시 1집 Seven Chalices에서 웅장함이 느껴지는 인트로를 활용한 바 있는데, 2집 Death에서는 마치 머뭇거릴 틈이 없다고 울부짖듯 앨범이 시작되자마자 제로백 1초의 급발진을 보여준다.

첫 번째 곡 Anteinfierno는 시작과 동시에 모든 세션이 극한으로 치닫는데, 겹겹이 쌓인 보컬의 절규와 매섭게 찢어지는 기타 솔로, 헤비하기 그지없는 리프 그리고 매서운 드러밍으로 단 몇 초 만에 이들의 색깔이 무엇인지를 분명히 하고 있다. 이는 마치 서서히 경사면을 오르다 낙하하며 시작하는 롤러코스터가 아닌 시작하자마자 전속력으로 급발진하는 롤러코스터에 탑승한 짜릿함을 느끼게 해 준다.

하지만 이어지는 대곡 Sleeping Throats of the Antichrist는 단순히 광폭함에서 끝나지 않는 이들의 또 다른 매력을 체감하게 해 준다. 첫 번째 곡과는 정 반대로 무겁고 느린 분위기 속에서 시작하는 이 곡은 물론 블랙/데스 특유의 야만스러운 난폭함이 강조되지만, 혼돈 속에서도 헤비한 리프들을 뚜렷하게 들을 수 있다. 또한 내달리는 스타일과 육중한 브레이크다운을 오가는 와중 다채롭고 의외로 짜임새 있는 구성까지 느낄 수 있다. 여기에 곡 후반부에서 육중한 리프로 서서히 쌓아 올리는 마무리는 그야말로 극한의 장르적 쾌감을 선사해 준다. 실제로 이 곡은 밴드의 리더 NSK가 인터뷰를 통해 리허설 당시 가장 좋아했던 곡이라고 밝혔으며, 해당 인터뷰를 진행했던 인터뷰어 역시 이 곡에 대해 ‘heavy-as-fuck string-bending guitar manoeuvres’라고 표현한 만큼 앨범의 킬링 트랙으로 손색이 없는 곡이다.

뒤를 잇는 곡들 역시 대곡은 대곡 나름대로, 짧은 곡은 짧은 곡 나름대로 블랙/데스 특유의 장르적 특징을 십분 활용하면서도 이들만의 독자적인 특색을 분명히 보여줌으로써 이 작품이 단순히 곡과 앨범의 길이만 긴 것이 아니라 그 여운 또한 길다는 것을 증명해 준다. 4번 트랙 Cadaver Synod 같은 10분 내외의 곡들에서 줄곧 거세게 밀어붙이면서도 곡 사이사이 잠깐 쉬어 가는 부분을 통해 살짝 피로감을 덜어주고, 가장 짧은 3분대의 곡 Unearthed Veins에선 착착 감기는 리프와 무게감 있는 구성으로 대곡 사이를 자연스럽게 연결해 주기도 했다.

거칠고 난폭한 와중에도 때로는 느리고 무게감 있는 면모를 보여줌으로써 어둡고 스산한 분위기를 조성하는 것 역시 대곡 구성에서 유발될 수 있는 피로감을 줄여주는 효과를 지닌다. 여섯 번째 곡 Burning in Damnation Fires의 중후반부가 그러한 완급조절을 잘 보여준다. 물론 이 곡에서도 듣는 재미를 더해주는 리프들이 돋보이며, 마지막 곡 Silence of the Great Martyrs에서도 마찬가지로 등장한다.

마지막 곡 Silence of the Great Martyrs의 경우 메탈 파트는 7분 정도이고 나머지는 러시아 정교회 성가를 샘플링하여 만든 음산한 분위기의 마무리이다. 그 때문에 메탈 파트만 놓고 보면 앨범의 총 길이는 한 시간이 약간 안 되지만, 그렇다고 해도 대곡 위주의 대작 블랙/데스 앨범이라는 이 앨범의 특징은 그대로 유지된다.

그리하여 이 작품은 야만적이고 파괴적인 블랙/데스의 진수를 보여줌과 동시에 음침하고 오컬트적인 분위기를 조성하는 한편 거대한 곡 구성 속에서 나름의 치밀한 구조 또한 갖추고 있다. 혼란스러운 전개의 와중에도 무게감 있는 리프를 사용한 브레이크다운을 선보임으로써 대곡 구성에 어울리는 완급조절을 가능케 하고, 또 이러한 리프들은 단순하지만 매우 중독적인 스타일로 청자를 매료시킨다. 그뿐 아니라 거칠기 짝이 없으면서도 각 세션의 매력을 고루 느낄 수 있는 레코딩 역시 돋보이며, 특히 라이브를 전혀 하지 않는다는 밴드의 특징을 활용하여 겹겹이 쌓인 보컬 및 기타를 통해 꽉 찬 느낌을 만들어 준다. 이러한 꽉 찬 느낌은 단 두 명의 멤버가 작은 리허설 방 안에서 만들어낸 것이라고는 믿기 어려운 수준이다.

곡들의 배치 역시 꽤나 영악하게 이루어져 있는데, 우선 첫 번째 곡이 인트로도 없이 초장부터 몰아세우면서 강렬한 첫인상을 남겨 주고, 두 번째 곡부터는 완급조절을 통해 한 시간 이상 되는 앨범을 차근차근 진행시켜나가는 형식을 취하고 있다. 또한 곡 사이사이에 음산한 분위기의 간주를 배치하여 잠깐씩 쉬어 가는 부분을 넣은 것 역시 긴 곡과 긴 앨범을 대비하기 위한 장치로서 역할을 한다. 다시 말해 처음부터 정공법으로 나가는 방법을 택하면서도 그 뒤로는 각종 방법을 통해 완급조절을 함으로써 긴 앨범을 보다 쉽게 완주하게 해 주는 나름 치밀한 구조를 갖추고 있다는 것이다. 이러한 방식은 이전에 리뷰했던 Vital Remains의 Dechristianize 앨범이 대곡 위주의 한 시간짜리 데스 메탈 작품임에도 네오클래시컬한 솔로를 덧붙인 다채로운 곡 구성으로 지루함을 극복한 것과 유사하다고 볼 수 있겠다.

이토록 파괴적이면서도 다른 한편으로는 영악한 면모까지 갖춘 Teitanblood의 핵심 NSK에 따르면 이들은 의도적으로 라이브를 하지 않지만, 그 덕분에 더욱 풍성한 사운드의 스튜디오 앨범을 만들 수 있었다고 한다. Angelcorpse의 멤버였던 Pete Helmkamp가 인터뷰에서 '음악은 인류의 역사와 함께해 왔으나 그것이 녹음되어 재생산되기 시작한 것은 비교적 최근의 일이고, 따라서 라이브로 연주하는 것이야말로 진정한 음악의 정수이다 '라고 한 것과는 달리 NSK는 Bathory의 Quorthon을 예로 들며 굳이 라이브를 하지 않더라도 얼마든지 훌륭한 사운드를 만들어낼 수 있다고 답했다.

또한 이들은 마치 Deathspell Omega 같은 밴드처럼 신비주의 컨셉을 유지하며 그 정체를 숨기고 있는 편인데, 3집에서 멤버들이 네 명으로 늘어나면서 함께 찍은 사진이 공개되기 전까지는 얼굴조차 알려지지 않은 상태였다. 사족이지만 한 가지 흥미로운 점은 이들의 배후에 핀란드의 앨범 커버 아티스트 Timo Ketola가 있었다는 것인데, Timo Ketola는 Teitanblood의 모든 정규 앨범 커버 아트를 만들었을 뿐 아니라 밴드와 밀접한 관계를 유지하며 막후에서 음악 내·외적으로 중요한 역할을 해왔다고 한다. 그 밖에도 밴드는 Proclamation, Necros Christos 같은 밴드와 스플릿을 발매하며 교류를 다지거나 EP에 수록된 곡 Purging Tounges에서는 스페인의 유명 배우를 기용하여 내레이션을 맡기는 등 신비주의 컨셉을 유지하되 한편으로는 활발한 인적 교류를 이어오는 외향적인 면모도 알게 모르게 보여주었다.

Teitanblood의 2집 Death가 발매된 후 5년 뒤인 2019년에 공개된 3집 The Baneful Choir 역시 이들만의 파괴적인 블랙/데스 스타일을 보여주면서 이번에는 대곡지향적인 부분에서 다소 탈피하기도 했으나, 일부 곡에서는 여전히 8분 이상의 대곡을 선보였으며 때때로는 비교적 멜로딕한 기타 솔로까지 시도하는 등 변화를 추구하는 모습을 보여주기도 했다. 3집 역시 팬들로부터 여전하다는 호평을 받았지만, 개인적으로는 이들의 색깔이 가장 여실히 드러났다고 생각하는 2집 Death를 가장 선호한다. 더욱이 이 앨범은 Pitchfork를 비롯한 각종 웹사이트에서 2014년 최고의 메탈 앨범 중 하나로 선정되는 등 익스트림 메탈 내에서도 가장 매니악한 스타일인 블랙/데스 메탈 밴드로서 상당히 값진 성과를 거두었다고 말하고 싶다.

그렇다면 이제 다시 글의 첫 질문으로 돌아가 보자. 그래서 이처럼 거칠고 난폭하기 짝이 없는 음악을 왜 좋아하는 것일까? 과거에 폭력적인 영화나 게임 등이 사람을 폭력적으로 만든다는 주장이 팽배했던 것처럼 폭력적인 음악도 폭력성에 중독된 사람이 더 큰 폭력성을 추구하기 위해 듣는 것일까? 당연히 개인적으로는 정 반대의 의견을 가지고 있다. 오히려 폭력적인 음악은 폭력성을 해소해 주는 역할을 한다고 보기 때문이다. 즉, 사람이 허기를 느끼면 음식을 먹고 배고픔을 해소하는 것이지 음식을 먹고 더 큰 허기를 느끼지 않는 것처럼 폭력적인 음악(여기에는 영화, 게임 등 어떠한 예술이나 매체가 해당될 수 있다.)은 분노와 같은 폭력적인 욕구의 해소 수단이 된다고 생각한다.

결국 폭력적인 음악도 폭력을 다루는 게임 등이 인기를 끄는 것처럼 소비자의 욕구를 해소해 주는 수단으로서 역할을 하는 것이다. 그렇기 때문에 아무리 난폭하고 무질서한 음악이라 할지라도 그것이 자신의 취향에 맞고, 이것이 욕구 충족에 도움을 준다면 얼마든지 수용할 수 있기에 극단적인 장르에서조차 소수이지만 충성스러운 팬들이 존재하는 것이라고 본다. 한발 더 나아가 데스 메탈이든 뭐든 무엇을 듣더라도 “그런 걸 왜 듣냐?”라고 편견 어린 질문을 하는 것 자체가 의미 없는 것일지도 모른다. 이는 마치 초록색을 좋아하는 사람에게 “왜 초록색이 좋은 건데?” 라고 이해할 수 없다는 듯이 캐묻는 것과 같은 맥락이라고 생각한다. 본인이 좋다는데 굳이 이유를 묻고 따질 필요가 있을까? 이러한 질문에 대해 웹툰 작가 원사운드의 명언을 활용한 다음의 표현으로 허접한 글을 마친다.

“시바 음악듣는데 이유가 어딨어 그냥 듣는거지”

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우주에서는 아무도 당신의 비명을 들을 수 없다. 그러나...

우주 공간에서는 소리를 전달하는 매질이 거의 없기 때문에 아무런 소리도 들을 수 없다. 하지만 판타지나 SF, 또는 추상적인 영역 등과 같은 비현실적인 테마의 분위기를 음악으로 구현하는 것처럼, 소리를 들을 수 없는 우주를 소재로 한 음악 역시 존재한다. 메탈 음악 장르 내에서도 우주와 천체 등을 소재로 삼는 밴드들이 몇몇 있고, 특히 블랙 메탈 밴드들 중에서 소위 코스믹 블랙 내지는 스페이스 블랙 등으로 분류되는 밴드들의 경우 더욱 적극적으로 우주와 관련된 소재를 바탕으로 한 음악을 구사한다.

이러한 코스믹 블랙 메탈의 가장 영향력 있는 선구자를 들자면 단연 스위스의 Darkspace일 것이다. 물론 90년대 중반 이후 Arcturus, Limbonic Art, Odium 등 심포닉 블랙 계열에서 이미 우주를 소재로 한 몇몇 블랙 메탈 밴드들이 등장하기도 했고, 스위스에서도 Samael이 4집 Passage부터 우주적인 테마와 그러한 분위기의 음악을 구사했었다. 조금 더 과거로 가면 Beherit의 앨범 Drawing Down the Moon이나 Burzum의 곡 My Journey to the Stars처럼 우주 혹은 천체를 소재로 사용한 사례도 있다.

하지만 2000년대 들어 본격적으로 활동을 시작한 Darkspace의 경우 앞서 언급한 밴드들과는 뚜렷하게 구분되는 핵심적인 요소들을 바탕으로 독자적인 길을 개척해 나갔고, 이것이 2010년대 들어 본격적으로 Alrakis, Midnight Odyssey, Mare Cognitum 등과 같은 코스믹 블랙 메탈 밴드들이 속속 등장하게 되는 밑바탕이 되었다.

코스믹 블랙 메탈 밴드들 이외에도 많은 앳모스퍼릭 블랙 메탈 밴드들이 대개 원맨 밴드로 구성되거나 라이브 공연을 하지 않는(또는 불가능한) 경우가 많지만, 특이하게도 3인조 밴드였던 Darkspace는 때때로 라이브 공연을 진행했을 뿐 아니라 심지어 Hellfest같은 대형 페스티벌의 무대에 오른 적도 있다.

Darkspace는 Paysage d'Hiver로도 알려져 있는 만능 뮤지션 Wroth와 기타리스트 Zhaaral, 그리고 여성 베이시스트 Zorgh의 3인조로 구성되어 있었고, 2019년 Zorgh가 탈퇴하면서 현재는 2인조 밴드로 남아 있다. 드러머는 따로 존재하지 않고 드럼머신으로 곡을 녹음했으며, 라이브에서도 드럼 및 앰비언트 파트 등을 틀어놓고 공연을 진행한다.

여러모로 컨셉도 특이한 밴드인데, 앨범명과 곡명이 따로 존재하지 않으며 단지 규칙에 맞게 넘버링을 하는 식으로 앨범과 곡의 제목을 붙인다. 또한 기본적으로 곡에 가사가 따로 없고 보컬은 멤버들의 찢어지는 절규가 대부분이다. 간혹 등장하는 샘플링은 2001: A Space Odyssey, Alien, Event Horizon 등등의 SF 영화에서 따왔다.

현재까지 총 4장의 정규 앨범과 초창기 데모, 그리고 이 데모를 리메이크하여 재녹음한 EP가 Darkspace의 전체 디스코그래피이며, 그중에서도 이번에 리뷰할 3집 Dark space III가 이들의 최고작으로 손꼽히는 편이다.

초기 데모와 1집부터 칠흑같이 어두운 분위기 속에서 거세게 휘몰아치는 전개로 무시무시한 위압감이 넘치는 음악을 선보였던 이들은 3집 Dark space III에서 스타일의 정점에 도달했다고 본다. 지글지글한 기타 톤과 거칠고 투박한 레코딩, 비인간적으로 빠르고 규칙적인 드럼과 미지에 대한 공포를 그대로 담아내는 듯한 보컬의 절규 등이 결합된 Darkspace만의 독특한 스타일은 여타 코스믹 블랙 메탈 밴드들에서도 쉽게 찾아볼 수 없는 독보적인 위압감을 선사해 준다.

1집이 특유의 반복적이고 강렬한 리프들을 전면에 내세우며 거칠게 몰아붙이는 스타일이었다면 2집은 더욱 거대한 대곡 구성에 좀 더 분위기를 강조한 스타일로 만들어졌었다. 그리고 2008년 발매된 3집은 1, 2집의 스타일을 적절히 조화시키고 발전시킴으로써 더욱 인상적이고 웅장하기까지 한 대작으로 남게 될 수 있었다.

어둡고 음산한 느낌으로 분위기를 슬슬 잡으며 시작하는 첫 번째 곡 Dark 3.11은 곧이어 보컬의 절규와 함께 터져 나오는 특유의 폭발적인 전개로 청자를 휘어잡는다. 무자비하게 몰아붙이는 전개를 통해 끝없이 펼쳐진 칠흑 같은 우주에 대한 공포심을 불러일으키는 Darkspace만의 기막힌 분위기 메이킹 능력이 역시나 돋보이며, 언뜻 보기에 비슷한 것 같지만 실은 꽤 다채로운 구성과 완급조절이 녹아들어 있기 때문에 10분이 넘어가는 곡임에도 루즈해질 틈이 없다. 참고로 중간에 잠깐 나오는 대사는 영화 Event Horizon에서 샘플링한 것이다.

도입부터 무겁게 찍어 누르는 Dark 3.12에선 차디찬 앰비언트 사운드가 돋보이며 마치 절대 영도에 가까운 우주 공간에 내던져진 느낌을 주고, Darkspace의 트레이드 마크 중 하나인 강렬한 저음의 기타 리프가 등장하기 시작하여 곡의 무게감을 한층 더해준다. 또한 곡의 종결부에서는 서서히 내려앉는 방식으로 자연스러운 마무리를 보여준다.

역시나 지글지글한 톤의 기타와 함께 시작하는 Dark 3.13 또한 분위기를 이어가며 거칠게 휘몰아치는 전개를 펼쳐나간다. 하지만 곡 중반부에서 분위기가 반전되고 육중한 기타 리프가 전면에 나서며 가공할 수준의 헤비함을 선보이는데, 이는 마치 Opeth가 6현 스탠다드 튜닝만으로도 무척 헤비한 리프들을 선보였던 것에 비견될 만하다고 생각한다. 점차 고조되는 분위기 속에서 마무리를 짓는 구성 역시 아주 인상적이었다.

한편 더욱 비장하고 장중한 분위기에서 시작하는 Dark 3.14는 우주에 대한 단순한 공포를 넘어 경외심마저 느끼게 만드는 위력을 보여준다. 곡은 이러한 분위기를 지속적으로 이어나가다가 다시 한번 헤비한 리프가 등장하여 분위기를 잠깐 고조시킨 뒤 다시 정제된 스타일로 전환된다. 이 곡의 경우 지난 1, 2집을 포함한 Darkspace의 이전 곡들과 달리 거칠게 휘몰아치는 전개와 절규하는 보컬 없이도 무시무시한 우주의 분위기를 또 다른 방식으로 표현해냈다는 점에서 더욱 의미가 있다고 본다.

지금까지의 이들 디스코그래피에서 유일하게 대곡이 아닌 Dark 3.15는 잠깐 쉬어가는 앰비언트 트랙으로, 80분 가까이 꽉꽉 눌러 담은 이 앨범의 정주행을 돕는 인터미션 역할을 해 준다. 물론 이 곡은 이들의 성취가 단지 메탈적인 측면에서만의 역량에서 나온 것이 아니라는 것을 짧게나마 보여준다는 점에서 나름의 의의가 있다.

여섯 번째 곡 Dark 3.16은 개인적으로 지금껏 들어본 모든 부류의 음악 중에서 가장 강렬하고 장엄한 도입부 중 하나를 들려주며 시작한다. 특유의 헤비한 기타 리프와 다크 앰비언트가 기막힌 조화를 이루어내며 그야말로 좌중을 압도하는 사운드를 만들어내는데, 이 곡을 처음 들었을 때의 충격은 지금까지도 잊을 수 없을 정도이다. 고작 기타 두 대와 베이스, 드럼머신과 다크 앰비언트를 사용하여 만들어진 사운드가 수십 명의 오케스트라와 합창단이 만들어내는 사운드 못지않은 웅장함을 줄 수 있다고 느낄 만큼 이 곡의 도입부는 개인적으로 각별한 의미를 지니고 있다. 한편 도입부 이후 내레이션이 흘러나오는데, 이는 John Carpenter의 영화 Prince of Darkness에서 샘플링한 것이다. 충격의 도입부로 시동을 건 뒤 다시금 로켓처럼 터져 나가는 이후 전개는 쉴 틈 없이 몰아붙이는 기존의 스타일로 청자를 무아지경에 빠트린다.

대망의 마지막 곡 Dark 3.17에선 좀 더 신비한 느낌으로 곡을 시작하다가 곧이어 Dark 3.16의 도입부에 버금가는 수준의 헤비한 리프와 웅장한 분위기가 이어진다. 이후로는 Dark 3.14처럼 비교적 정제된 스타일을 보여주다가 곧이어 앨범의 마지막 클라이맥스로 돌입하듯 분위기가 최고조로 치닫는다. 다만 그렇다고 해서 17분이나 되는 대곡 내내 몰아붙이는 것은 아니며, 곡 중반부 이후로는 서서히 가라앉는 스타일로 은은한 여운을 남기며 유종의 미를 거둔다.

종합적으로 이 작품은 소위 코스믹 블랙 메탈이라고 불리는 스타일의 극한을 보여주는 앨범이자, 말 그대로 ‘분위기’를 중시하는 앳모스퍼릭 블랙 메탈계의 가장 위대한 성취 중 하나라고 봐도 무방할 대작이다. 80분 가까이 꽉꽉 채워 담은 장대한 구성으로 러닝 타임 내내 생명의 흔적이라고는 찾아볼 수 없는 암흑의 우주 한복판에 홀로 내던져진 듯한 분위기를 완벽하게 만들어낸다. 평균 10분이 넘어가는 곡 구성과 앨범 전반적으로 일관된 편인 분위기 속에서 진행되면서도 쉽게 지루해지지 않는 세심한 짜임새와 완급조절을 느낄 수 있다.

쉴 틈 없이 거세게 몰아치면서도 때때로 헤비한 리프가 전면에 나서며 장중한 비장미를 더하고 더욱 알찬 곡 구성 또한 가능하게 해준다. 리프 구성은 대체로 단순한 편이고 톤 역시 거칠지만 특유의 분위기와 절묘하게 맞아떨어지며 때때로 에픽한 느낌마저 들게 할 정도로 잘 짜여 있다. 인간으로서는 흉내 낼 수 없을 것만 같은 드럼 프로그래밍 역시 의도적으로 비인간적인 티를 냄으로써 인간성 따위는 기대할 수 없는 우주의 무자비함을 표현해낸다. 멤버 세 명 모두의 절규로 이루어진 보컬은 언어로는 표현할 수 없는 인간의 원초적인 공포를 담아내며, 마치 영화 Event Horizon의 지옥 장면을 연상하게 만드는 수준의 아비규환을 연출해낸 느낌이다. 마지막으로 우주의 느낌을 가장 직접적으로 표현하는 앰비언트 사운드는 차갑고 고독한 분위기, 신비롭고 웅장한 분위기, 그리고 공포와 경외심마저 느끼게 하는 분위기를 모두 만들어 준다.

이 앨범을 지하 벙커에서 녹음했다는 말이 있을 정도로 레코딩 상태는 여전히 거칠고 투박한 스타일을 구사하고 있지만, 사실 1, 2집에 비하면 상대적으로 매끄럽고 세련된 느낌이 든다. 때문에 공포적인 요소에 집중했던 1, 2집에 비해 이번 앨범은 조금 더 신비하거나 웅장한 느낌이 드는 경우도 있다. 비인간적인 드럼 프로그래밍과 보컬들의 절규가 더해진 폭발적인 전개가 청자를 우주 미아로 만들어 버리면서도, 한편으로는 비장미 넘치는 리프들과 신비한 스페이스 앰비언트로 우주의 장엄한 신비를 담아낸다. 그렇기 때문에 이 작품은 끝없이 펼쳐진 칠흑 같은 우주에 홀로 고립된 것 같은 공포와 그 거대한 장엄함에서 오는 경외심을 동시에 느끼게 해 주는 효과를 만들어낸다.

이러한 Darkspace의 음악적 스타일이 더욱 가치 있게 느껴지는 이유는 Tangerine Dream 같은 밴드나 아티스트에 의해 이미 50여 년 전부터 존재해온 스페이스 앰비언트 스타일을 블랙 메탈에 완벽히 접목시킴으로써 무음의 우주 공간에 대한 감상을 형상화하는 전혀 새로운 스타일의 음악을 창조해냈기 때문이다. 주로 조용한 분위기 속에서 진행되며 고요하고 신비로운 분위기 그 자체에 집중하는 스페이스 앰비언트와 달리 Darkspace는 블랙 메탈의 파괴적인 측면을 가장 적극적으로 조화시킴으로써 전대미문의 독보적인 스타일을 만들어낼 수 있었던 것이다. 다시 말해 아무런 소리도 들을 수 없는 침묵의 우주 공간을 역설적이게도 가장 시끄럽고 파괴적인 소리들을 통해 표현함으로써 공포, 신비함, 경외 등과 같은 인간의 우주에 대한 감상을 실체화한 것이다.

이러한 Darkspace의 존재로 인해 우주를 테마로 한 일명 코스믹 블랙 메탈 밴드들이 다수 탄생하게 되었으나, Darkspace의 존재감은 여전히 대체 불가능한 수준에 있다고 봐도 무방할 것이다. Midnight Odyssey, Alrakis, Mare Cognitum, Mesarthim, Battle Dagorath 등 많은 코스믹 블랙 메탈 밴드들이 저마다의 우주적인 사운드를 들려주기 위해 분투하고 있지만, 개인적으로는 아직 Darkspace의 아성을 넘어설 만한 밴드는 아직 없는 것 같다고 생각한다.(단, Mare Cognitum과 Spectral Lore같은 경우 나름 독자적인 색을 보여주면서도 Darkspace에 버금갈 만한 수준에 올라섰다고 본다.) 실제로 Darkspace는 2019년 스위스 베른 주에서 주최한 ‘Musikpreise 2019 des Kantons Bern’에서 수상하기도 했을 만큼 최근까지도 그 영향력을 공고히 하고 있다.

이처럼 Darkspace가 독보적인 위치에 자리할 수 있게 된 것은 아무래도 Paysage d'Hiver로도 알려진 핵심 멤버 Wroth의 역량이 그 근본적인 원인일 것이다. 물론 원맨 밴드인 Paysage d'Hiver와 달리 3인조 밴드였던 Darkspace의 경우 다른 두 멤버인 Zhaaral과 Zorgh의 영향력도 무시할 수준은 아니었을지도 모른다. 실제로 Zhaaral은 2009년 Sun of the Blind라는 원맨 밴드의 이름으로 앨범을 발매하기도 했고, 2019년 Darkspace에서 탈퇴한 Zorgh는 Apokryphon라는 밴드를 결성하여 작년 앨범을 발매한 만큼 나머지 두 멤버도 작곡 능력이 있음을 알 수 있다.

하지만 베이시스트 Zorgh가 작년 진행한 인터뷰에서 타인과 함께 음악을 하는 동안 자신만의 아이디어를 포기해야만 했고 그렇기 때문에 자신만의 밴드를 만들었다는 식의 답변을 한 만큼 Darkspace의 주축은 역시 Wroth(Paysage d'Hiver)에 있다고 봐도 무방할 것이다. 지금 이런 식으로 추측에 의해 글을 작성할 수밖에 없는 이유는 Darkspace가 줄곧 신비주의 컨셉을 유지하느라 그들에 대한 정보가 워낙 알려진 것이 없기 때문이다. 심지어 Zhaaral와 Zorgh같은 경우는 본명조차도 알려져 있지 않을 정도이다.

아무튼 Darkspace의 주축으로 추정되는 Wroth의 역량은 이미 90년대부터 Paysage d'Hiver를 통해 증명된 만큼 Darkspace의 성공 또한 필연적이었다고도 생각할 수 있겠다. 특유의 거칠고 투박한 레코딩과 앰비언트를 적극 활용하면서도 매우 파괴적인 스타일이 공존한다는 점이 Darkspace와 일맥상통하고, Darkspace가 우주의 분위기를 완벽히 그려낸다면 Paysage d'Hiver는 눈보라가 휘몰아치는 겨울의 풍경을 그대로 표현해내는 만큼 Darkspace가 Paysage d'Hiver의 연장선에 있는 밴드라고 볼 수도 있을 것이다.

다만 Wroth가 인터뷰에서 Paysage d'Hiver가 ‘소우주’라면 Darkspace는 ‘대우주’라고 답한 것처럼 Paysage d'Hiver와 Darkspace는 상호 보완적인 위치에 있다고 말할 수 있겠다. 실제로 2014년 발매된 Darkspace의 4집 Dark space III I 에서는 더욱 깔끔하고 세련된 스타일의 레코딩을 선보인 바 있는데, 이러한 면모는 작년 발매된 Paysage d'Hiver의 첫 ‘정규’ 앨범 Im Wald에서 보여준 비교적 말끔해진 스타일의 기반이 되기도 했다.

한편 그는 해당 인터뷰에서 현재 Darkspace의 신작 발매를 위해 작업 중이라고 밝히기도 했다. Paysage d'Hiver의 금년 신작 Geister가 작년 2월 이전에 이미 녹음을 마쳤었다고 하니 빠른 시일 내에 Darkspace의 귀환 소식을 들을 수 있으면 한다. 비록 베이시스트 Zorgh가 탈퇴하기는 했지만, Darkspace는 준비가 된다면 언제든 다시 돌아와 소리없는 우주에 대한 공포와 경외심을 다시 한번 절실히 느끼게 해줄 것이라고 믿어 의심치 않는다.

100/100 ... See More

지난 6월 말 운 좋게도 잠비나이의 공연을 볼 수 있었다. 라이브 공연을 보고 난 뒤에 잠비나이만이 가지고 있는 힘과 매력을 더욱 절실히 체감할 수 있었다. 소위 말하는 ‘한’의 정서나 아니면 최근에 주목받은 이날치 같은 경우의 ‘흥’과 같은 요소들을 차용한 퓨전 국악 아티스트와 달리 잠비나이의 경우 음악적으로도, 정서적으로도 뿌리부터 다른 곳에서 출발했다고 생각한다. 특히 잠비나이의 2집 ‘은서’에서 이러한 잠비나이의 특색이 가장 두드러진다고 보는데, 그것은 바로 우울함이나 분노 등 록/메탈 장르에서 추구되는 특유의 정서적인 요소이다.

포스트 록에서 느껴지는 우울한 분위기나 하드코어/메탈 계열에서 날선 분노를 그대로 표출하는 모습 등을 계승한 잠비나이의 음악은 기존의 퓨전 국악으로 분류되던 음악과는 근본적인 차이점이 존재하며, 어쩌면 그렇기 때문에 잠비나이의 음악이 국내보다도 해외에서 먼저, 그리고 더 큰 주목을 받을 수 있었다고 생각한다.

이렇듯 잠비나이의 음악적 뿌리는 국악이 아닌 서양음악에서 찾을 수 있다고도 말할 수 있겠으나, 그렇다고 해서 잠비나이가 단지 기존의 록/메탈 스타일에 전통 악기를 살짝 얹은 수준에 그친다고는 말할 수 없을 것이다. 오히려 그들은 전통 악기가 주는 울림을 그대로 전달하기 위해 라이브에서도 차분히 앉아서 공연을 진행하고, 곡의 분위기를 이끌어가는 악기들 역시 해금, 거문고, 생황 등의 전통 악기가 담당하는 경우가 많다.

그렇기 때문에 잠비나이의 스타일이 국악을 현대적으로 해석한 퓨전 국악과도, 기존의 록/메탈 사운드와도 모두 다른 개성 넘치는 사운드를 만들어낼 수 있었던 것이다. 나아가 잠비나이는 이러한 자기만의 특색을 바탕으로 장르적 한계에서 벗어나 독보적인 위치에 올라선 위대한 아티스트들과 마찬가지로 새로운 길을 개척해나가고 있다고 생각한다.

지금까지 발매된 잠비나이의 세 앨범들 중 가장 거칠고 어두우며 메탈 음악의 느낌이 강한 2집 ‘은서’는 개인적으로 가장 먼저 접하게 된 잠비나이의 작품이며, 또 가장 좋아하는 작품이기도 하다.

1집 ‘차연’과 마찬가지로 거친 앨범의 도입부를 장식하는 1, 2번 트랙 ‘벽장’과 Echo of Creation은 짧고 강렬한 곡 구성으로 잊을 수 없는 첫인상을 남겨 준다. 특히 1번 곡 ‘벽장’은 박진감 넘치는 곡 전개와 보컬 이일우의 절규가 더해지며 처음 들었을 당시에 제법 충격적으로 다가오기도 했던 곡이다.

반면 비교적 밝고 정제된 분위기 속에서 천천히 곡을 진행시켜 나가는 ‘그대가 잃어버린 그 모든 것들을 위하여’는 곡의 제목처럼 어두운 앨범 속에서 한 줄기 희망과도 같이 빛나는 트랙이다. 실제로 프론트맨 이일우의 인터뷰에 따르면 이 곡은 국악계 음악 컨테스트의 서류 및 음원 심사에서 탈락했던 곡이지만, 앨범 발매 이후 해외에서 호평을 받으며 그에게 위로가 되었던 곡이라고 한다.

네 번째 곡 무저갱은 잠비나이의 디스코그래피에서도 가장 독특한 곡일 것이다. 래퍼 이그니토의 특색 있는 목소리가 염세적인 가사와 곡 분위기와 어울리며 실로 독보적인 아우라를 만들어낸다.

마치 대취타의 도입부를 연상시키는 다섯 번째 곡 ‘부디 평안한 여행이 되시길’은 이내 무겁게 짓누르는 전개로 이어지며 웬만한 슬럿지 메탈 못지않은 출력과 무게감을 선사해 준다.

6번째 곡 억겁의 인내에서는 차근차근 쌓아 올려가는 포스트 록적인 스타일이 느껴지면서도, 다음 곡 Naburak에선 잠비나이만의 박진감 넘치는 스타일과 연주 기법이 돋보인다.

마지막 곡 ‘그들은 말이 없다’는 마지막 곡답게 가장 고조된 분위기로 치닫는 곡이다. 세월호 참사를 배경으로 한 이 곡은 무책임한 태도로 일관했던 ‘그들’에 대한 분노를 한껏 표출해내는 곡이며, 개인적으로는 이러한 메시지를 세월호 참사 이후로도 끊임없이 되풀이되는 비슷한 사건들에 대해서도 그대로 적용할 수 있을 것 같다는 생각이 든다. 사실 이 곡의 진가는 지난 6월에 본 라이브에서 절실히 체감할 수 있었는데, 접신의 경지에 이르는 듯한 퍼포먼스와 고막을 자극하는 고출력의 사운드 덕분에 앨범 버전을 상회하는 수준의 강렬한 임팩트를 남겨 주었다.

이처럼 전반적으로 이 작품은 잠비나이의 작품들 중에서도 가장 어둡고 절망적이며 거친 앨범이다. 물론 ‘그대가 잃어버린 그 모든 것들을 위하여’처럼 희망적인 느낌의 곡도 있지만, 전체적으로 볼 때 프론트맨 이일우의 과거 경력에서 기원을 찾을 수 있을 것 같은 하드코어/메탈 사운드가 차지하는 비중이 상당하다. 그렇기 때문에 메탈 리스너라면 이 앨범으로 잠비나이에 입문하는 것이 어떨까 하는 생각을 하게 된다.

잠비나이가 꾸준히 활동해 오며 평창 동계올림픽 폐회식에 참석할 정도로 이름을 알리게 된 것에 비해 국내에서 잠비나이가 큰 주목을 받지 못하는 것이 아쉬울 수도 있다. 하지만 굳이 대중적인 관심을 꼭 받아야 할 필요가 있는 것인지는 모르겠다. 물론 더 큰 관심을 받고 인기를 누릴 수 있다면 좋겠지만, 이전까지 그래왔던 것처럼 잠비나이는 조용하지만 착실하게 앞으로도 진보할 수 있다고 생각한다. 잠비나이는 어느덧 10년 이상 활동해 오며 이제는 대중적인 인지도와 관계없이 무시할 수 없는 아티스트로 성장해 왔고, 또 앞으로도 더욱 성장할 수 있는 잠재력이 충분하다고 생각한다. 이러한 잠비나이의 성공은 독자적인 오리지널리티에서 비롯될 수 있었으며, 이러한 독창성이 앞으로도 잠비나이를 더욱 진보할 수 있도록 하는 원동력이 되리라 믿는다.

96/100 ... See More

Let the INNOVATION Begin

1988년 기타리스트 Tony Lazaro를 주축으로 결성된 데스 메탈 밴드 Vital Remains는 노골적인 반기독교적 테마와 대곡 지향적 작곡이라는 특색을 지닌 밴드이다. 본격적인 리뷰에 앞서 흔히 이들은 Deicide와 함께 사타니즘, 반기독교적 성향이 강한 데스 메탈 밴드의 대표주자로 알려져 있지만 이들이 진심으로 “기독교인들을 다 죽이자”하는 식으로 반사회적인 선동을 시도하는 것은 절대 아니라고 한다. 단지 이들은 현대 사회에서 종교, 특히 기독교의 결함과 위선적인 태도, 그리고 종교라는 이름에 의해 자행되는 폭력과 전쟁 등을 비판하기 위해 노골적인 반기독교적 테마를 차용한 것일 뿐 타인에게 특정 사상을 강요할 의도는 전혀 없다고 단정 지었다. 오히려 이들은 자유롭게 생각하고 의견을 피력하며 스스로 선택할 권리를 주장하며, 그런 의미에서 현대 기독교는 개인의 자유를 억압하고 신앙과 사상을 강요하기에 반기독교적 스탠스를 취하는 것이라고 답했다.

다시 음악적인 측면으로 돌아와서 이들이 첫 데모부터 대곡들을 시도한 것은 아니지만, 1, 2집 정규 앨범들을 거치며 때때로 7~8분 이상의 대곡들을 시도하거나 키보드를 적극 활용하는 등 특색 있는 데스 메탈 사운드를 점차 구축해 나갔다.

조금씩 성장해 나가던 이들의 디스코그래피에서 큰 전환점으로 작용한 것은 바로 다재다능한 인물 Dave Suzuki의 영입이었다. 리드 기타, 드럼, 베이스, 백킹 보컬, 작사에 이르기까지 그야말로 못하는 것이 없던 그의 영입으로 인해 Vital Remains는 한 단계 더 진보할 수 있었는데, 가장 눈에 띄는 특징이 3집 Forever Underground부터 등장하기 시작한 스페인풍 어쿠스틱 기타나 5집 Dechristianize부터 대폭 강조된 네오클래시컬한 기타 솔로 등을 예로 들 수 있다. 이렇듯 Dave Suzuki 영입 이후 더욱 대곡 위주의 작곡을 지향하기 시작했던 Vital Remains는 평균 7분 이상의 대곡들로 구성된 데스 메탈을 구사하는 독보적인 위치에 올라설 수 있었다.

그중에서도 이들의 최고 히트작인 5집 Dechristianize는 그 유명한 Deicide의 Glen Benton을 메인 보컬로 내세우며 그야말로 반기독교적 데스 메탈의 어벤져스라고 할법한 라인업을 이루어냈다. 사실 이들은 2집 Into Cold Darkness 시절부터 Glen Benton과 협업할 기회가 있었으나 결국 성사되지 못했던 것이 Dechristianize에 이르러 마침내 성사된 것이며, 마침내 그와 함께하게 된 Tony Lazaro는 Glen Benton의 보컬에 매우 만족스러워했다고 한다.

당시 Vital Remains의 작사는 전부 Dave Suzuki가 맡았었기 때문에 Glen Benton이 가사에 따라 노래를 할 때 Deicide와는 운율 등의 면에서 차이가 있었다고 하지만, 그는 프로다운 모습을 보여주며 무리 없이 보컬 파트를 소화해냈다고 한다. 마찬가지로 Dave Suzuki또한 Tony Lazaro가 작곡한 리프나 드럼 비트를 곧잘 연주해내며 하모니를 추가하거나 멋진 솔로를 더하는 등등 멤버들 간의 협동이 잘 이루어졌다고 한다. 이렇듯 이 작품을 녹음하는 데에 소요된 시간은 고작 2주였다고 하지만 그 결과물은 실로 훌륭한 것이었다.

현재 보유하고 있는 도프 엔터테인먼트 라이센스반에는 인트로인 Let the Killing Begin의 앞에 한국 팬들에게 보내는 Dave Suzuki의 메시지가 담겨 있다. 한국계라고 알려진 Dave Suzuki의 어눌하지만 감동적인(?) 한국어 메시지로 팬들에게 깜짝 선물을 남겨 주었다. 한편 Let the Killing Begin 인트로는 Carl Orff의 O Fortuna와 1965년도 영화 The Greatest Story Ever Told를 샘플링하여 예수의 마지막 재판을 재현하는 분위기를 만들어내고, 곧이어 Glen Benton과 Dave Suzuki의 Let the Killing Begin!!!으로 앨범의 본격적인 시작을 알린다.

이어지는 타이틀곡 Dechristianize는 시작하자마자 광폭한 연주와 두 보컬의 절규가 더해지며 곧바로 청자의 정신을 뒤흔든다. Glen Benton의 걸쭉한 보컬로 기독교에 대한 날 선 비난을 뿜어내며 훌륭한 리프들과 질주감 속에서 곡을 이어나가다 느닷없이 네오클래시컬 메탈의 영향이 느껴지는 스윕 피킹 솔로가 치고 나오며 신선한 충격을 준다. 곧이어 템포가 전환되고 한층 더 비장미를 더하는 스타일로 분위기가 전환되며 훌륭한 완급조절을 선보인다. 이후 다시 도입부의 구성이 되풀이되다가 후반부에서 다시 비장미를 돋우는 전개로 분위기를 고조시킨 뒤 수미상관적인 구성으로 완벽한 마무리를 선사한다. 곡 막바지에 백마스킹으로 삽입된 정체불명의 메시지가 담겨 있는데 Tony Lazaro에 따르면 특별한 뜻은 없고 Glen Benton이 “I'll crush your bones...Dechristianize you!” 등의 표현들을 스튜디오에서 장난식으로 내뱉은 말을 녹음한 것이라고 한다.

뒤를 잇는 곡 Infidel은 한층 더 직설적인 스타일로 몰아붙이는 곡이다. Dechristianize와 마찬가지로 도입부부터 격렬하기 짝이 없는 연주를 선보이는데 Dave Suzuki의 통통 튀는 드럼 사운드가 은근 재미있다. 이 곡에서도 멜로딕한 속주로 이루어진 솔로들이 계속 등장하여 짧지 않은 6분대의 곡을 좀 더 풍성하게 만들어 준다. 특히 곡 후반부에서는 드럼+리드 기타+배킹 보컬+베이스를 전부 소화한 Dave Suzuki의 다재다능함을 엿볼 수 있다.

인트로를 제외하고 앨범 내에서 가장 짧은 Devoured Elysium은 비록 짧지만 대곡들에 뒤지지 않는 임팩트를 남겨준다. 격렬함 속에서도 귀에 착착 감기는 리프들이 인상적이며, 역시나 멜로딕한 리드 기타 플레이가 어우러지는 비장미가 독보적이다. 곡 중후반부에선 육중한 브레이크다운으로 한 번 더 이목을 집중시키고, 마무리까지 깔끔하게 소화해내며 비교적 짧아도 있을 건 다 있는 구성을 보여준다.

5번 트랙 Savior to None... Failure for All...도 마찬가지로 이전까지의 스타일을 유지하며 빡세게 달려주는데, 한편 이 곡에서는 중독성 있는 후렴구 파트 등이 기억에 남았다. Glen이 Your lord...을 선창하면 Dave가 뒷부분의 가사를 이어받는 부분이 재미있었고, Savior To None... Failure For All 을 되풀이하는 후렴구 파트도 인상적이었다.

이어지는 곡 Unleashed Hell은 "Vaipro diabo seu filho da puta!"라는 문장을 거칠게 내뱉으며 시작하는데, 포르투갈어로 ‘지옥에나 가라 개자식아!’라는 뜻이다. 아무튼 이 곡도 초반부터 내달리다가 중반부 즈음부터 리드 기타가 주도하는 비장미를 연출하는 스타일을 보여주는데, Dave의 쏟아지는 리드 기타 멜로디가 특히 인상적이었다.

한편 앨범 후반부로 접어들며 다시 7분 이상의 곡들이 등장하기 시작하고, 그 첫 번째 곡인 Rush of Deliverance에서 대곡다운 뚜렷한 완급조절을 느낄 수 있다. 이 곡도 맛깔나는 리프들과 멋진 멜로디가 훌륭하게 조화를 이루고 있으며, 제법 탄탄한 구성도 눈여겨 볼만하다.

여덟 번째 곡 At War with God 또한 여전히 강렬한 모습을 보여주는데, 이제는 슬슬 늘어지는 것 같다 싶다가도 적재적소에서 솔로가 터져 나오며 분위가 전환되는 곡 구성 덕분에 집중력을 유지해나가며 들을 수 있다.

대미를 장식하는 10분짜리 마지막 대곡 Entwined by Vengeance는 타이틀곡 Dechristianize와 함께 Tony Lazaro가 개인적으로 애착을 지니고 있는 곡이라고 한다. 그만큼 도입부부터 좀 더 캐치한 리프가 돋보이고, 거칠게 몰아붙이는 전개를 펼쳐나가다가 어쿠스틱 기타 솔로가 등장하며 분위기를 바꾼다. 3집 Forever Underground부터 등장하기 시작한 스페인풍 어쿠스틱 기타가 다시 등장한 것인데, 마지막 비밀병기로 숨겨두다가 이 마지막 곡에서 사용한 느낌을 준다. 그 뒤로 이어지는 비장미 넘치는 전개 역시 Dechristianize에 못지않게 멋진 멜로디가 수를 놓으며, 곡 막바지에는 도입부가 되풀이되는 수미상관적 구조를 통해 앨범의 클라이맥스를 장식한다.

이렇듯 이 작품은 1번 트랙 인트로를 제외하고 평균 7분이 넘는 대곡들로 구성된 한 시간에 달하는 데스 메탈 대작이다. 보통 올드스쿨 데스 메탈 밴드들의 앨범 러닝 타임은 대개 40분대 내외이며 대곡 위주의 작곡 또한 보기 어렵다는 것을 고려하면(프로그레시브/둠 계열과 혼합된 경우는 제외) 이들의 곡과 앨범 구성이 갖는 특색은 실로 독보적이라고 말할 수 있을 것이다. 물론 이들의 대곡 지향적인 시도가 최대치에 달했던 것은 4집 Dawn of the Apocalypse였지만, 이 작품은 더욱 혁신적인 시도를 더하며 다른 올드스쿨 데스 메탈 밴드들이 지지부진하던 2000년대에 오히려 이들의 전성기를 누리게 해준 앨범이다.

다만 이들 후기작들의 대곡 위주 곡과 앨범의 긴 러닝타임에서 오는 어쩔 수 없는 피로감은 다소 호불호가 갈릴 수 있는 요인이라고도 생각한다. 가장 대표적인 사례인 Metallica의 경우처럼 대곡 위주의 앨범 구성은 흔히 양날의 검으로 작용하곤 하는데, Vital Remains의 경우 단점을 보완하기 위해 멜로딕한 솔로와 좀 더 다채롭고 비장미 있는 구성을 선보였다. 그렇지만 그럼에도 한 시간짜리 데스 메탈 앨범을 정주행하는 것에서 오는 약간의 피로감은 미처 지우지 못한 느낌을 주기도 했다. 특히 전작 Dawn of the Apocalypse와도 달리 중간에 쉬어 가는 짤막한 트랙조차 없이 모든 트랙들이 강강강강 정공법을 택하고 있어서 이러한 피로감은 어쩔 수 없다는 생각이 들었다.

개인적으로는 녹음 측면에서 메인 보컬의 목소리가 리듬 기타에 비해 다소 커서 몇몇 리프들이 잘 들리지 않는 느낌도 약간 있었다. 하지만 이러한 단점들은 굳이 끄집어낸 지엽적인 문제이며 어디까지나 이 앨범은 분명히 크게 성공한 작품이라고 생각한다. 이 작품의 영향력을 보여주는 일례로 이 작품 이후 Glen Benton의 본가 Deicide에서 좀 더 멜로딕한 솔로가 강조되었으며 특히 The Stench of Redemption 앨범에서 Vital Remains 못지않게 멜로딕한 솔로가 등장하는 것을 들 수 있을 것 같다.

물론 이 작품이 성공한 이유를 데스 메탈의 스타 Glen Benton이 참여했다는 것에서 찾을 수도 있겠으나, 개인적으로는 작품의 성공 요인을 꾸준히 성장해오며 점차 혁신적인 시도를 계속해온 밴드 내부적인 측면에서 찾고 싶다. 이들은 정규 1, 2집부터 7~8분대의 대곡을 첫 번째 트랙에 배치하는 등의 시도를 했을 뿐 아니라 때때로 키보드를 활용하여 더욱 스산하고 웅장한 분위기를 연출해내기도 했다. 또한 Dave Suzuki가 들어온 3, 4집에서는 어쿠스틱 기타 솔로와 점차 멜로딕해지는 기타 솔로, 그리고 아예 대곡 위주로 만들어가는 앨범 구성을 보여주었는데, 이와 같이 이들은 안주하는 법 없이 지속적으로 변화해나가며 혁신을 추구해 온 것이다.

마찬가지로 5집 Dechristianize에서의 혁신적인 면모는 네오클래시컬한 기타 솔로의 대두와 에픽함과 격렬함이 공존하는 스타일로 이루어졌으며, 여기에 Glen Benton이라는 유명 보컬이 제 역할을 탁월하게 수행하면서 이전까지 볼 수 없었던 특색 있고 거대한 데스 메탈 앨범이 탄생하게 된 것이다. 결론적으로 이 작품의 성공은 끊임없이 새로운 혁신을 추구해온 Vital Remains가 얻을 수 있었던 값진 성과라고 요약할 수 있겠다.

안 그래도 격렬한 데스 메탈에 대곡 위주의 구성과 한 시간에 달하는 러닝 타임까지 더해지면서 필히 늘어지고 지루해지는 것을 피할 수 없을 것 같았지만, 이들은 멜로디가 부각되는 솔로와 이에 맞게 전환되는 곡의 완급조절을 통해 염려스러웠던 점을 100%는 아니더라도 상당 부분 극복해 냈다. 특히 적재적소에 배치된 Dave Suzuki의 솔로들은 마치 기름진 음식을 먹을 때 마시는 청량 음료 수준으로 기가 막힌 조화를 이루며 자칫하면 쉽게 물릴 수 있는 한 시간짜리 데스 메탈 앨범의 성공을 가능케 한 일등공신이라고 생각한다.

솔로 등을 제외하고 작곡의 99%를 담당한 Tony Lazaro의 역량 또한 무시할 수 없을 것이다. 밴드의 유일한 원년 멤버로서 그는 앨범들을 만들어 오며 이전 앨범들이 성공했다고 해서 거기서 멈추지 않고 항상 더 좋은 음악을 만들어내기 위해 노력했다고 한다. 그는 인터뷰에서 Dechristianize 녹음 당시 미처 수록되지 못하고 남은 곡이 있느냐는 질문에 “우리는 필러 트랙은 만들지 않는다. 우리가 가진 것들은 100% 전부 앨범에 담아냈다.”라고 답한 것처럼 음악에 모든 열정을 쏟아붓는 인물이다.

실제로 그는 Dave Suzuki가 12년간 밴드에 재직한 이후 개인적 사정으로 인해 밴드에서 탈퇴하기 전 “우리 둘 중에 한 명이 밴드를 그만두게 될지라도 나머지 한명이 꼭 밴드를 계속해나가자”라고 결의를 다졌다고 하며, 이를 증명하듯 Tony Lazaro는 계속해서 밴드를 이끌어나가고 있다.

하지만 Dave Suzuki의 빈자리가 너무 컸던 것인지 Vital Remains는 2007년 발매된 6집 Icons of Evil 이후 2021년 현재까지 새 앨범을 발매하지 못하고 있다. 2010년대의 몇몇 인터뷰에서 Tony Lazaro는 그동안 투어 등의 사정으로 인해 계속 앨범 제작이 지연되었으나 이번엔 진짜로 곧 녹음을 시작하겠다고 밝혔지만, 이런 말은 몇 년 단위로 되풀이되며 팬들은 10년이 넘도록 새 앨범을 애타게 기다리고 있다. 이들을 위해 약간의 변명을 하자면 물론 이들이 계속 놀고만 있었던 것은 아니다. 2020년 1월까지 이들은 계속 투어를 돌았고, 2018년에는 최초로 동남아시아 투어를 돌기도 했다. 또한 그들은 미발매 신곡 ‘In A World Without God’를 2015년~2016년 사이에 공연하기도 했고, Tony Lazaro는 자신이 이미 20여 곡의 작곡을 마친 상태라고도 했다.

하지만 결정적으로 2020년 Tony Lazaro의 건강이 악화된 것이 밴드의 가장 큰 위기가 되고 있다. 그는 2020년 4월 뇌종양 진단을 받은 이후 급격히 건강이 악화되어 결국 뇌수술을 받아야 했고, 수술 이후에도 당뇨와 뇌수막염 진단을 받는 등의 심각한 상황을 견뎌내야 했다. 이러한 상황 속에서 그의 의료비 등을 지원하기 위한 모금 행사가 진행되었고 여기에 Dave Suzuki 또한 모금을 독려하기 위해 미공개 음원을 한정적으로 발매하여 돈을 보태기도 했다.

그 뒤로는 2021년 현재까지 Vital Remains에 관한 별다른 소식은 없지만, 무소식이 희소식이라는 말도 있듯이 Tony Lazaro의 건강에 더는 문제가 없기를 바랄 따름이다. Dave Suzuki의 탈퇴 이후 멤버들이 자주 바뀌었던 Vital Remains는 현재 2008년 영입된 베이시스트 Gator Collier와 Tony Lazaro만이 남아 있으며 사실상 활동이 중단된 것이나 다름없는 상태이다. 하지만 최근 몇 년 사이 20~30년여 만에 새 앨범을 발매한 몇몇 올드스쿨 스래쉬, 데스 메탈 밴드들(Possessed, Exhorder 등)의 사례를 보면 이들도 음악에 대한 열정만 있다면 언젠가는 반드시 돌아오지 않을까 기대해 보고 싶다.

97/100 ... See More

우리가 만든 세상을 보라

노르웨이의 밴드 Vulture Industries는 Dead Rose Garden이라는 고딕 록 밴드로 출발하였고, 2003년에 라인업 및 밴드명을 변경한 뒤 현재까지 활동하고 있다. Vulture Industries라는 이름은 자기 자신의 시체를 뜯어먹는 산업화된 세계에 대한 비유라고 한다. 이들의 음악적 스타일은 아방가르드/프로그레시브 메탈로 분류되지만, 밴드의 프론트맨 Bjørnar E. Nilsen에 따르면 그들은 한 번도 ‘아방가르드함’을 추구한 적이 없다고 한다. 결국 이들의 음악은 장르적 특징에 구속받지 않는 다른 밴드들과 마찬가지로 장르라는 틀에 맞추려 하기보다는 자기들만의 음악을 추구하는 경우로 볼 수 있겠다.

그렇다면 이들이 들려주는 음악이란 무엇인가? 물론 이들의 음악에서 워낙 다양한 스타일을 복합적으로 느낄 수 있기 때문에 단번에 정의를 내리는 것은 힘들고 반드시 할 필요도 없지만, 굳이 표현하자면 Arcturus에 고전적이고 극적인 느낌을 더해 마치 스팀펑크를 연상시키는 독특한 음악이라고도 할 수 있겠다. 또 한 가지 특이한 점은 이들의 음악은 Devil Doll의 극적인 구성과 다채로운 보컬 스타일에서도 영향을 받았다는 것이다.

실제로 프론트맨 Bjørnar는 Devil Doll의 Mr. Doctor가 자신의 우상 중 하나라고 밝혔으며 심지어 이 앨범 The Tower를 Mr. Doctor에게 보내 피드백을 받기도 했다. Mr. Doctor는 이 앨범을 호평하며 이들을 격려해 주었고, 본작에 수록된 Devil Doll의 Eliogabalus와 Sacrilegium의 일부를 커버하고 편곡한 Blood Don't Eliogabalus에 대해서도 좋은 감상평을 남겨 주었다고 한다.

이와 같이 이들의 3집 The Tower는 발매 당시 상당한 호평을 받으며 이들의 명성을 더욱 알리는 계기가 되었다. 그들은 이 앨범을 발매한 뒤 이전보다 더 활발한 투어 활동을 하며 바쁜 일상을 보내느라 4집 Stranger Times의 제작이 지연될 정도였다고 한다. 또한 2017년 발매된 Stranger Times 역시 The Tower의 연장선에 있다고 봐도 무방하다 싶기에 이들에게 이 작품이 지니는 가치는 무척 크다고 할 수 있겠다.

작품의 테마는 우리 인간이 탄생시킨 현대 자본주의 사회, 즉 ‘The Tower’에 대한 풍자적인 비판이라고 할 수 있다. 앨범 커버에서도 알 수 있듯이 이 사회라는 탑은 멀리서 보면 흉측하게 뒤틀려 있지만, 이 탑에 이끌려 그 안으로 깊숙이 들어가고 계단을 오를수록 탑의 부조리함에 점차 동화되어 간다는 것이 밴드의 설명이다. 실제로 사람들은 자본주의 사회를 배금주의, 물질만능주의라고 비판하지만, 그 말을 하는 사람들조차도 사회라는 탑 안에 갇혀 탑을 오르기 위해 온갖 노력을 하며 살아간다는 점에서 이들의 말에는 뼈가 있다고 할 수 있겠다.

첫 번째 곡이자 타이틀곡 The Tower는 색소폰이 더해진 강렬한 인트로로 관심을 끌고, 곧이어 밴드의 가장 큰 특색 중 하나인 멋들어지는 보컬과 역동적인 전개가 펼쳐진다. 또한 분위기의 상승과 하강을 반복하는 드라마틱한 곡 전개와 탑의 정상으로 치닫는 곡의 클라이맥스가 마음을 사로잡는 킬링 트랙이었다. 탐욕스러운 사회를 탑에 비유한 가사 또한 앨범의 테마를 직접적으로 드러내며, 특히 탑의 다섯 개의 규칙 부분이 가사나 음악적으로 모두 인상적이다.

Rule number 1
Each man is what he owns
Whether or not one truly exists is a question of having things
Rule number 2
Things have purpose while the only purpose of flesh is to possess them
Rule number 3
What one does not possess it is mandatory to land
Rule number 4
The bond is the marrow of your bones
Rule number 5
Debt is inherent and the birthright of the young

이처럼 직설적인 비유를 통해 자본에 의해 지배되며 인간은 도구화되고 소외되는 현대 사회에 대한 풍자를 담아냈고, 가사의 나머지 부분 또한 인상적인 부분이 많았다.

Why did we build it?
Because they hate us.
Why do they hate us?
Because we built it.

예를 들어 이런 식으로 우리 인간이 스스로 만든 사회에 대한 자조적인 비판을 담은 면모는 개인적으로 N.EX.T의 세계의 문을 떠올리게 만들기도 했다.

한편 두 번째 곡 Divine - Appalling에선 좀 더 정돈된 분위기 속에서 곡을 시작하며, 이 곡에서도 절묘한 완급조절이 돋보인다. 역시나 보컬의 독특한 음색이 인상적이며 기타 리프와 키보드 멜로디 또한 수준급이었다.

10분 가까이 되는 대곡 The Hound는 개인적으로 앨범 내에서 가장 선호하는 곡이다. 이 곡은 탑의 정상 아래를 지키고 있는 한 늙은 사냥개를 다루고 있는데, 이는 한때 잘나갔지만 이제는 퇴물로 전락하여 잊히고 있는 사회 속의 개인 혹은 집단을 의미한다고 볼 수 있겠다. 이 곡에서는 보컬 Bjørnar의 역량이 가장 잘 드러나며 마치 뮤지컬 배우처럼 노래와 연기를 함께하는 느낌을 준다. 또한 좀 더 진중한 분위기 속에서 천천히 진행되는 곡의 전개에서 극적인 면모를 중시하는 이들의 스타일을 단번에 확인할 수 있다. 죽어가는 사냥개의 마지막 울부짖음을 담아내는 것만 같은 곡의 클라이맥스와 마무리도 인상적이다.

반면 네 번째 곡 Blood on the Trail에선 업 템포로 보다 격렬해진 진행을 보여주고, 캐치한 코러스로 흥을 더한다. 키보드와 기타 솔로가 약방의 감초 역할을 하며 전반적으로 내달리는 분위기 속에서 곡을 마무리한다.

짤막한 발라드풍의 곡 The Dead Won't Mind는 재즈의 느낌도 일부 느낄 수 있는 곡이다. 우중충한 분위기 속에서 보컬이 곡을 이끌어가며, 헌신짝처럼 쓰고 버려지는 ‘시체’들을 다룬 섬뜩한 가사도 기억에 남는다.

이전 곡과 자연스럽게 이어지는 느낌을 주는 A Knife Between Us는 고전적인 느낌의 건반의 울림과 3박자 리듬이 두드러지다가도 급격히 분위기가 고조되기도 한다. 이러한 예측불허의 곡 진행 속에서 자유자재로 대응하는 보컬의 역량이 인상적이다.

일곱 번째 곡 The Pulse of Bliss에서는 조금 더 멜로디가 강조되며 앞서 보여준 극적이고 다채로운 곡 전개 또한 등장한다. 특히 보컬 멜로디가 매력적이고 곡 자체의 완성도도 나쁘지 않았다.

어두운 분위기 속에서 진행되는 Sleepwalkers에선 잠깐이지만 찢어지는 하쉬 보컬이 등장하는 등 약간의 변화를 주기도 한다. 앨범의 마지막 클라이맥스를 장식하듯 고조되는 곡 후반부의 전개가 마음에 들었다.

잔잔하지만 칙칙하고 어두운 분위기 속에서 진행되는 마지막 곡 Lost Among Liars는 뮤직비디오에서도 잘 드러나는 디스토피아적인 느낌을 살리고 있다. 역시나 곡의 분위기와 절묘하게 맞아떨어지는 보컬이 곡을 주도해 나가며 서서히 연착륙을 하듯 앨범을 마무리 지었다.

보너스 트랙 Blood Don't Eliogabalus는 이들의 1집 수록곡 Blood Don't Flow Streamlined와 Devil Doll의 Eliogabalus와 Sacrilegium의 일부분을 커버하여 결합시킨 곡이다. 이 곡을 처음 들을 때 곡명을 보고 설마 했었다가 진짜로 Eliogabalus와 Sacrilegium의 일부분이 갑작스럽게 나와서 적잖이 놀랐던 기억이 있다. 그리고 사실상 짜깁기임에도 생각보다 자연스럽게 잘 이어지는 느낌이었는데, 그 유명한 Mr. Doctor의 마음을 움직이게 한 특색 있는 커버라고 생각한다.

이처럼 이 앨범은 어둡고 극적인 분위기와 드라마틱한 구성을 통해 탄생한 이들의 특색이 가장 잘 드러나는 작품이다. 보컬 Bjørnar의 독특한 음색과 창법이 이들만의 스타일에 크게 기여했다고 생각한다. 물론 Arcturus의 전 보컬 Kristoffer Rygg과 유사하고 사람에 따라 호불호가 갈릴 만하다고 말할 수도 있지만, 뮤지컬 내지는 연극 느낌을 살리며 마치 Mr. Doctor를 연상시키는 다양한 목소리를 담아냈다는 점에서 높이 평가하고 싶다. 또한 디스토피아적인 분위기와 가사에 고전적인 느낌을 더해 만들어낸 스팀펑크적인 스타일은 이들만의 특별한 장점으로 봐도 무방할 것 같다. 이런 스타일은 Arcturus, (후기)Enslaved, Solefald, Faith No More 등 이들의 선배 격인 밴드들과 비교해 봐도 뒤지지 않는 특색을 지니고 있다고 생각한다.

또한 아방가르드라는 수식어(비록 밴드는 부정하지만 편의상)가 붙은 것에 비해 그다지 난해하지 않으면서도 다채롭고 역동적인 곡 구성으로 보너스 트랙을 포함해 한 시간 이상 달하는 분량을 지루하지 않게 이끌어 나간다. 작곡이나 연주 면에 있어서도 나름 탄탄한 모습을 보여주며, 거칠고 강렬하게 고조되는 느낌이나 우중충하게 내려앉은 느낌을 오가는 탁월한 완급조절이 돋보였다. 건반, 색소폰, 하모니카 등의 다양한 악기의 적절한 활용도 이들의 특색을 더하는 데 일조했다. 여기에 프로듀싱 장인 Jens Bogren과 Enslaved의 멤버였던 Herbrand Larsen가 참여한 믹싱 및 마스터링 또한 분위기를 잘 살려냈다. 추가로 커버 아트 및 디자인을 담당한 Costin Chioreanu 또한 앨범의 색과 딱 맞아떨어지는 비주얼을 보여주었다.

그리하여 이 작품은 뚜렷한 특색과 매력을 갖춘 2010년대 최고의 프로그레시브 메탈 중 하나라고 말할 수 있을 정도라고 생각한다. 물론 독보적인 최고라고 부를 정도까지는 아닐지라도 이들만의 컨셉, 분위기, 음악은 무척 매력적인 편이라고 말하고 싶다. 개인적으로는 익스트림 메탈의 색채가 비교적 강했던 1, 2집이나 메탈의 색채가 조금 더 빠진 4집 사이에 있는 이 앨범이 가장 적절하다는 인상을 받았다. 좀 더 특색 있는 프로그레시브 메탈을 맛보고 싶다면 강력히 추천하는 작품이다.

이들은 2017년 4집 Stranger Times, 2019년 싱글 Deeper 발매 이후 꾸준히 활동을 이어오고 있지만, 이들 또한 작년부터 시작된 코로나 19 위기를 피할 수는 없었다. 하지만 이들은 온라인 스트리밍 공연과 LP 재발매 등을 통해 가능한 선에서 활동을 계속해나가고 있다. 1집 이후 지속적인 변화를 추구해오며 독자적인 스타일을 개척해온 이들의 행보가 과연 앞으로는 어떤 식으로 나타날지 기대해 본다.

96/100 ... See More