Metalhead with Teaching Jobs (Teacher/Pastor)
메탈리스너인 영어선생님, 웰니스 전도사인데(이젠 살 찌고 푹 퍼짐) 전도사는 아니고 목사입니다.

좋아하는 음악은 리프가 쫄깃하고, 시원시원한 사운드 좋아합니다. 보컬은 고음이 시원하던지, 그렇지 읺더라도 힘있거나 개성있는 보컬이 좋고, 미드템포보다는 아무래도 빠른템포를 좋아라 합니다. 그래서 그런지, 둠메탈 계열에는 크게 끌리지 않습니다. 프록쪽도 상당히 좋아하지만, 그 중에도 좀 시원시원해야 귀에 꽂히더군요.

블랙메탈은 사운드적으로도 맘에 안들어서 안 듣지만(의도적인/예술적인 지저분함), 완전 불경스러운 밴드의 음악도 퀄리티가 좋다면 엄지척은 보내줄 수 있는 리스너입니다. (데스메탈은 사운드적으로 좋은편입니다)

방구석 리스너지만, 항상 밴드를 하고 싶어합니다. 새로 들을 음악 개척이나, 기존에 듣던 음악들에 대한 평가를 열람할 때, 메탈킹덤에 오랫동안 신세를 지다 처음 가입하게 되었습니다. 감사합니다.

Helloween을 워낙 좋아했고, 롤랜드 그라포우도 좋아했고, 마스터플랜은 요른란데가 나갔대서 안 듣다가 본 작을 접했다. 1~3번 트랙이 있던 키스케의 후반부 앨범 Pink Bubbles Go Ape를 은근히 좋아했지만, 어딘가 촌스러운 프로덕션과, 이게 메탈인지 하드락인지 애매했던 느낌이 아쉬워서 결국엔 듣는걸 포기했었던 기억이 나는데, 첫 3연타를 두고서, 1차적으로는 "확실히 메탈스러워졌다"는 점에서 나는 호평을 주고싶다. 처음 The Chance부터 Mankind를 듣는데, 위에 언급한 애매함이 없어진게 맘에 들었다. 나머디 앤디의 트랙은 조금 더 보컬분과 맞는 편이란 생각이들었다. 하지만, 원 보컬과의 대비가 아닌 사운드 방향성 자체를 두고서는 저는 보컬이 찰떡으로 맞았다 충분히 생각되었다.

생각해보자, Helloween시절 곡을 재편집 했다지만, Roland Grapow가 자신의 밴드 Masterplan에서 새로운 보컬과 작업을 했다는 점만 염두에 두고 이 앨범을 평가한다면, 그렇게 혹평 받아야 할 작품인가 싶다. 앞에 언급했던 세 곡은, 어설픈 메탈과 하드락의 중간선에서 확실히 메탈쇠질이 입혀지니까 이제는 마음이 편하다. "이 편곡에 키스케 보컬이 있었으면 좋았을텐데"하는 생각이 없지는 않지만, 철갑버전이 이미 되버린 이 버전에 Rick Altzi의 거칠거칠한 보컬이 그렇게 나쁘지는 않다 생각되었다. 앤디 데리스를 두고도 처음에는 키스케와 비교하면서 까던 사람들이 있던걸 기억한다. 앤디도 물론 초반기에 키스케의 곡들을 부를때 어색함이 크긴 했지만, 자신의 곡에서는 그 곡의 주인이란게 확연했던 보컬이 아니었나 싶다. Rick Altzi가 부른 앤디데리스의 곡들은 키스케 곡들보다는, 그래도좀 더 잘 맞긴한거 같다.

결론적으로 일단 본 작이 대단한 작품은 아니지만, 혹평일색으로 평가되야 하나 싶긴하다. ... See More

[English in the end]
뉴메틀 시절의 힙합적인 비트를 새 시대적 스타일(Djent, Metalcore)로 맛깔나게 말아준 수작. 그런데, 매우 팝적이다. 그것도 Rock, Metal과 많이도 동떨어진 R&B/Hip-hop 계열의 그것이다. 힙합이야 뭐 뉴메틀 시절, 아니 Walk this way시절부터 접목해오던 장르라지만, R&B라니 허허허허. 그리고 이 팀의 보컬도 특색이 있는데, 클린/언클린 구분 뿐만 아니라, 클린 보컬 Tyler Carter는 R&B 적인데, 언클린 보컬 Michael Bohn은 단순 스크리밍 뿐만 아니라, 록적인 거친 클린 보컬로 싱잉도 한다. 그리고, 둘 다 그루브가 좋다. 장르와 추구하는 음악 때문에 그루브가 중요해진 스타일이라, 이것이 큰 특색으로 다가왔다.

The Realist가 첫 곡으로서 앨범에 대한 총평을 전반적으로 잘 설명해주는 곡이다. 헤비하게 때려 박는 절, 착 감기는 훅, 그루브에 취한 연주가 돋보이는 중간 악기섹션까지 스타일리쉬함의 끝을 보여준다. 첫 싱글컷에 뮤직비디오까지 나온만큼 제일 좋았던 곡이긴 하다. 다음 곡 Home Soon은 첫 곡과 비슷한 느낌인데, 팝적인 부분은 그냥 싱잉랩 비슷한 창법과 함께 현대 R&B의 모습을 보인다. Young & Dumb는 완전 메탈 악기로 연주한 R&B인줄 알았다. 메탈의 본질인 공격성과 질주감을 잘 챙긴 다음트랙 Lost-n-found도 준수하다 (도입부의 시원함 하나는 최고일지도). Made to Last의 경우도 비슷한 경쾌함이 있고, 상당히 만족스럽다. 이 쯤에서 보니, 리프가 상당히 구성지고 좋다는 게 새삼 느껴졌다.

이래저래 감상을 하다보면 갑자기 턴테이블 스크래치 소리와 함께 Flojo가 시작된다. 첫 트랙부터 종종 들어가는 턴테이블 소리가 가져다주는 힙합적 감성이, 린킨파크 내지는 림프비즈킷 같은 올드스쿨 뉴메탈 밴드들의 추억을 떠오르게 한다.
Hero랑 COMA는 여기서기서 창법적으로 R&B의 접목이 골때리게 살아나있는 곡들이다. 마이클 잭슨의 톡 쏘는 가성(딸꾹질 창법)이 나올때마다 신기하니 웃긴건 지금 들어봐도 여전하다. 기타는 또 무슨 네오소울적인 터치까지 느껴진다.

Rank Rider나 Blue Wall을 들어보면, 후반부라 처지기 보다 앞에서 보여준 차력쇼를 더 섞어서 보여주는 느낌이 있다. 백미를 살려준다. Slow Me Down마저 적절한 마무리를 보여준다. 끝 마무리까지 좋으니 꼭 통으로 청음 추천을 드린다.

다시 말하지만, 메틀코어의 시대에서 젠트, 뉴메틀, 힙합, R&B가 이질감없이 참으로 잘 버무러진 앨범이다. 1집보다 훨씬 귀에 잘 꽂힌다.

A genuinely impressive album that reworks the hip-hop-driven energy of the Nu Metal era through a more modern blend of Djent and Metalcore. What makes it especially interesting, though, is just how pop-oriented it is — and not in a rock-pop or alternative-metal kind of way, but through heavy incorporation of contemporary R&B and Hip-hop aesthetics. Hip-hop itself has long been intertwined with heavy music since the Nu Metal boom — arguably even earlier, going back to tracks like “Walk This Way” — but hearing R&B integrated this naturally into Metalcore still feels oddly refreshing.
The band’s vocal chemistry is one of the album’s defining strengths. It is not simply a clean-versus-unclean setup. Clean vocalist Tyler Carter approaches melodies with a distinctly R&B-inspired sensibility, while unclean vocalist Michael Bohn does far more than straightforward screaming. He frequently shifts into rough, rock-oriented clean singing as well, adding another texture to the mix. More importantly, both vocalists possess an excellent sense of groove. Since groove becomes essential in a style that blends Metalcore, Djent, Hip-hop, and R&B, this ends up being one of the album’s strongest characteristics.
“The Realist” works perfectly as an opener because it essentially summarizes the album’s entire identity. Crushingly heavy verses, instantly addictive hooks, and an instrumental midsection overflowing with groove all combine into something absurdly stylish. It was also the lead single with a music video, and honestly, it remains the standout track on the record.
“Home Soon” follows with a similar atmosphere, though its pop side leans even more heavily into modern R&B through sing-rapped vocal phrasing. “Young & Dumb” almost feels like pure R&B performed entirely with metal instrumentation. The following track, “Lost-N-Found,” successfully preserves the aggression and forward momentum that define metal at its core, and its opening section may honestly be one of the most exhilarating moments on the album. “Made to Last” carries a similarly upbeat energy and remains highly satisfying. By this point, it becomes impossible not to notice how consistently strong and well-crafted the riffs throughout the album really are.
Then, out of nowhere, “Flojo” begins with turntable scratching effects. Those recurring scratches that appear throughout the album evoke nostalgia for old-school Nu Metal bands like Linkin Park and Limp Bizkit, reinforcing the album’s underlying hip-hop identity.
“Hero” and “COMA” are perhaps the clearest examples of how bizarrely effective the album’s R&B fusion can be. Every time those sharp, Michael Jackson-style hiccup falsettos appear, they still sound amusingly unexpected even now. The guitar work occasionally carries subtle Neo Soul touches as well, which only makes the stylistic crossover more fascinating.
Tracks like “Rank Rider” and “Blue Wall” prevent the latter half of the album from losing momentum. Rather than slowing down, they feel like an extension of the musical flexing already established earlier in the record, preserving the album’s highlights all the way through. Even “Slow Me Down” provides an appropriately satisfying conclusion. The ending lands so well that the album genuinely feels best experienced front to back in a single sitting.
Again, this is an album where Djent, Nu Metal, Hip-hop, and R&B are blended together within the framework of modern Metalcore with remarkably little stylistic dissonance. Compared to the band’s debut album, it is far more immediate, memorable, and addictive on first listen. ... See More

[English in the End] 리뷰를 쓰기 전에, 앞서 점수를 매긴 분들의 (내가 준 점수 90점에 근접한) 기존 평점이 맘에 들었다 . 1집과 2집에서의 맘에 들었던 콘의 사운드는 그 시작점부터 실험적이고 도전적인 부분이 있었다. 본 작을 듣기전에는, 이들의 첫 두 앨범이 별 생각없이 명반이라고만 생각했지만. "실험적" 과 "도전적"이라는 키워드가 귀에 착착 감긴다는 것은 아닐수도 있다는 생각이 처음들었다. 본 작은 그들의 초기작 보다도 귀에 착 감기는 맛이 있다. 귀에 잘 감긴다는 표현을 했다고 해서, 3집처럼 팝스러운 맛이 생겼다는 말을 하려는것은 아니다. 사운드가 명료하면서도 너무 빙빙 돌리지 않는다는 것이다.

종종 여러 앨범 리뷰들에서 언급한 바가 있지만, 메탈은 "공격성"이 가장 최우선 되야 한다. 뉴메탈이고 메탈코어고, 일단 악기와 보컬로 후드러패줘야 제맛이다. 특히 뉴메탈이라면 그루비하게 떄려줘야 하는데, 철컥철컥 거리는 베이스와 드럼, 그리고, 보컬 조나단 데이비스의 콧구녕에 착착감아가며 살랑살랑거리다가도 묵직하고도 광기넘치는 스크리밍으로 무자비하게 때려준다.

잘 때려박느냐는 기준 하나로라면 아주 맘에 드는 결과물이 나왔다. 대충 헤비하면 되겠지도 아니다, 정말 잘 준비되고 정리된 방식으로 때려준다. 전체적으로 통일성 있는 질감과 색깔을 가진 앨범인데, 자기복제적이지도 않다. 참 묘하다. 첫 곡 Right Now에서 신나게 헤드뱅잉을 했고, 분명 첫곡이 계속 연장되는 느낌이 있었는데, Deep inside에서 실험적인 사운드를 보여주며 잠시 색다름을 경험하게 해준다. "우리 Korn이야, 우리 닉값이 있는데 뻔한 전개만 보이겠니?"하는 모습이다.

그러다가, Did my time에서 다시 보여주던 것을 마저 보여준다. 별거 있나, 그루비하게 때려주는 거다. Did my time의 중반부에서 공허한 세션 사운드에서 외로이 울부짖는 조나단 데이비스의 보컬에 모든 세션이 다시 합류하며 전개되는 부분은 언제들어도 편안한 만족감을 준다. Everything I've Known에서도 "잘 하는거" 마저 하기가 계속 되는데, 너무 좋다. "형 잘하는 거 마저 해."라는 말 밖에 안 나온다. 공부하거나 독서할때 끼고 들을 정도가 된다 이쯤이면. Play Me에서 Nas의 피쳐링도 꽤 좋은 선택이었다. 조나단 데이비스 본인이 솔직히 랩을해도 큰 상관은 없었겠지만, 자기는 "Ah~"거리면서 몽롱하게 목소리를 깔아버리는것도 좋은 선택이었다.

후반부 Let's Do This Now, I'm Done, Ya'll Want A Single(여기서는 장난기도 느껴지지만, 장난없이 때려준다), When Will This End에서도 여전히 서두부터 언급한 정말 자기 잘하는 것을 계속 하는데, 너무 편안~하게 들린다. 진짜 자기가 잘하는거만 하고 앉아있는게 느껴진다. 본 앨범을 통해 Korn은 맞는 옷을 잘 찾고 소화한 모델마냥 자기들이 깔아놓은판을 무한히 즐겼고, 청자인 나에게도 계속 와닿았다.

결론을 내보자면, 이들은 모두 명작과 실험들을 모두 시도해보고, 메타인지가 끝난 상태로 자신들이 가장 잘하는 것을 보여줬다. 시간이 꽤 오래 지난 지금와서 1~2집은 추억하는 작품이 되었고, 본 작은 종종 챙겨듣는 작품이 되었다. 가장 자기다운 작품이 꼭 뻔하다는 평으로 끝나지만 않는다는 좋은 예시가 된 작품. 마지막 한마디만 첨언하자면, 정통메탈처럼 일렉솔로가 종종 보이진 않지만 심심하지 읺은 플레이가 돋보인다.

Before writing this review, I found myself liking the existing ratings given by other reviewers—many of which were close to the score I gave (around 90 points). The Korn sound that impressed me in their first and second albums had experimental and challenging elements right from the beginning. Before listening to this album, I had simply regarded those first two albums as classics without thinking much about it. But for the first time it occurred to me that the keywords “experimental” and “challenging” do not necessarily mean something that immediately sticks in the ear. This album, however, has a more instantly gripping quality than their early works. By saying it “sticks in the ear,” I am not suggesting that it becomes pop-oriented like their third album. Rather, the sound is clearer and more direct, without unnecessarily circling around its ideas.

As I have mentioned in several album reviews before, the most essential element of metal is "aggression". Whether it is nu metal or metalcore, the instruments and vocals need to hit hard—that is where the real appeal lies. Nu metal especially should strike with groove. Here, the clanking bass and drums lock into a groove, while vocalist Jonathan Davis wraps his nasal tone around the rhythm, sometimes drifting lightly and seductively, then suddenly unleashing heavy, almost insane screaming that strikes with brutal force.

Judged purely by the standard of how hard it hits, this album delivers a very satisfying result. It is not simply “heavy enough.” The impact comes in a well-prepared and organized manner. The album has a consistent texture and color throughout, yet it never feels like mere self-replication. That balance is quite intriguing. I found myself enthusiastically headbanging from the opening track “Right Now.” For a moment it feels as if the momentum of the first track simply continues forward, but “Deep Inside” introduces a more experimental sound that briefly offers something different. It is as if the band is saying, “We’re Korn—we’ve built our reputation. Did you really think we would just follow a predictable formula?”

Then “Did My Time” returns to the familiar approach once again. And really, what more is there to say? It simply grooves and hits hard. The middle section of “Did My Time,” where the instrumentation drops into a hollow, atmospheric session sound while Jonathan Davis cries out alone before the band re-enters, always provides a comfortable sense of satisfaction. In “Everything I’ve Known,” the band simply keeps doing what they do best—and it sounds fantastic. The only thought that comes to mind is, “Just keep doing what you’re good at.” At this point the album even works well as something you can listen to while studying or reading. The decision to feature Nas on “Play Me” was also quite effective. Jonathan Davis could probably have handled the rap himself, but instead he wisely chose to lay down those dreamy “Ah~” vocal textures while Nas took care of the rap section.

In the latter half of the album—“Let’s Do This Now,” “I’m Done,” “Y’all Want a Single” (which carries a playful tone but still hits hard), and “When Will This End”—the band continues doing exactly what they do best, just as mentioned earlier. And it all sounds extremely comfortable. You can almost feel that they are simply sitting back and doing what they excel at. Through this album, Korn feels like a model who has found the perfect outfit and wears it effortlessly, fully enjoying the stage they have created for themselves. That confidence reaches the listener as well.

In conclusion, by this point the band had already tried numerous experiments and produced their share of classic works. With that experience behind them, they now seem to have achieved a clear sense of self-awareness and simply present what they do best. Looking back after so many years, the first and second albums have become works of nostalgia, while this album remains one I revisit from time to time. It serves as a strong example that a band sounding “most like itself” does not necessarily mean the result will be predictable or dull. ... See More

[With English Translation] Havok은 Thrash Revival Band가 맞다. 우리가 주로 생각하는 전형적인 그런 밴드가 맞긴하다. 그런데, 자신들이 추구하는 사운드는 분명 확실히 잘 갖추었다. 1집때의 날것이지만 이 시대의 사운드로 풀어낸 매력이 있는 정도였다면, 2집은 확실히 자신들이 보여주고 싶은 모습을 보여줬다. 본작이 보여주는 매력은, 단순한 정갈함은 아니다. 파워와 스피드는 여전하며 정교한 맛이 생겼다는 것이다.

Havok is indeed a Thrash Revival band. In many ways they are exactly the kind of band people usually imagine when they think of that label. However, the sound they pursue is clearly well-defined. If the first album felt raw yet charming—delivering thrash through a modern production—then the second album clearly presents the band the way they want to be heard. The appeal of this record is not simply its cleanliness. The power and speed remain intact, but now there is a sense of precision and refinement added to the attack.

트랙별 리뷰(Track-by-track review):
1. 오프닝 트랙이 이런 맛이 있어야지. 묵직하고 시원시원하게 달려준다. 후렴구에서 올드스쿨 쓰래쉬/하드코어적인 Gang-yell이 들려오는건 뭔가 귀여운 맛이 있었다. 솔로부분이 생각보다 묵직하게 때려박기보다는, 멜로디나 느낌이 잘 살아있다. 이 앨범의 솔로 섹션들은 전체적으로 계속 완전 달리기 보다, 스피드는 유지하되 솔로가 더 돋보이도록 빠져주는 센스가 잘 살아있다.
2. 잘 짜인 리프에, 왠 놈의 변박을 시작부터 하나 했는데, 있는 척은 거기까지다. 이후는 복잡할거 없게 달린다. 인트로에서 보여줬던 은근한 프록스러운 촘촘함이 조금 더 살았으면 좋았을텐데 하는 아쉬움이 있다. (7번 트랙이 이 아쉬움을 달래준다)
3. 발랄한 인트로 리프가 절까지 이어진다. 스트레이트한 곡이다.
4. 인트로부터가 비장한 멜로디에 취해 노래를 듣고 있었는데, 갑자기 Slayer의 오마주가 튀어나오고 그 분위기로 마무리 된다. 내 말만 보고 이 곡을 들어보면 헛웃음만 나올것이다.
5. 또 신나고 가열차게 달려주는 트랙이다. 본 작 리프의 매력은 여유있음이다. 약간 여유있게 진행되는 리프에 은은하게 화음을 붙여주니 새로운 매력이 느껴진다. 꼭 복잡하고 촘촘한게 전부는 아니다. 리프다 거의 다 한 곡!
6. 오... 미드템포다. Havok의 미드 템포여봤자 쳐지지 않는다. 전 곡에서 보여준 은은한 화음이 여기서도 그 매력을 이어간다. 베이스도 상당히 매력진 곡이다. 솔로로 넘어가는 브릿지 부분의 몰입도도 일품인데, 이 곡의 솔로는 또 트레몰로바의 아밍이 다 했는데, 두고두고 기억에 남는다. 희안하게 기억에 남는게 많다.
7. 가열찬 더블페달과 함께 촘촘하게 때리박는 리프가 일품이다. 이 촘촘함이 중반부 솔로넘어가는 섹션에서는 살짝 프록스러운게 테크니컬 쓰래쉬같은 면모도 슬쩍 보인다. 분위기를 확확 전환하는 부분에서는 Revocation이 떠오르기도 하였다. 하긴, Havok이 실력이 모자른 밴드는 아니었긴 했지만, 이 곡에서 좀 더 자신들이 실력이 있다는 것을 보여준거 같다. 보컬 Sanche의 지르면서도 싱잉이 살살 들어간 후렴구가 멋드러졌으니 참고해보시라. 갈아마시면서도 살살 바이브레션을 넣을수 있는 보컬이 얼마나 있을까.
8. 오! 이건 정말 미드템포다! 6번트랙 보다 더욱 차분한 감이 드는 미드템포 곡이다. 그루비한 곡도 잘 만드는구나 싶었다. 정말 제대로 된 미드템포 곡이다. 중간중간 달려주는 부분도 시원하니 좋았지만, 이 곡은 그루브가 다 한 느낌이다. 6번의 연장선이 맞다! 어정쩡함은 1도 없다. Havok도 이렇게 쪼개는걸로 신명난 헤드뱅잉을 유발할 줄 아는 밴드였다는 것을 또 처음 느꼈다. 기묘하게 꼬아놓고 그루브는 베이스와 드럼에게 떠맡긴 아웃트로 솔로까지 맘에 들었다.
9. 6번에서 8번으로 넘어간 그루브 메탈적인 요소를 그대로 이어나가는 트랙이다. 후반부는 이런 매력을 보이기로 결심했나 싶다. 그리고, 맘에 든다. 무슨 감정선 잡는답시고 축축 처지는 곡들 보다 훨씬 백배는 낫다. 쓰래쉬 밴드는 쉬어가려면 이런거나 좀 해라.
10. 앨범과 동명타이틀의 곡. 1~9번의 트랙에서 보인 매력들이 여기저기서 모두 나뉘어서 보인다. Time is up!이라고 외칠때마다 느껴지는 묵시록적인 메세지는, 앨범의 대미를 장식하기에 부족함 없다 느끼며 청음을 잘 마쳤다.

1. This is exactly the kind of flavor an opening track should have. It runs forward with weight and clarity. The old-school thrash/hardcore-style gang-yells in the chorus are oddly charming. Interestingly, the solo section does not just hammer away heavily; instead, it preserves melody and atmosphere quite well. Throughout the album, the solo sections show good sense: rather than keeping the tempo at full sprint, the band slightly pulls back while maintaining speed so the solos can stand out more.
2. The well-constructed riff opens the track, and one wonders why they start with a strange time change. But the “showing off” ends there. After that, the song simply charges forward without unnecessary complexity. Still, it would have been nice if the subtle progressive tightness hinted at in the intro had been developed further. (Track 7 somewhat makes up for that.)
3. A lively intro riff carries through the verse as well. It is a straightforward, energetic song.
4. The intro begins with a solemn melody that draws you in, but suddenly a Slayer-style homage bursts out and the track ends in that atmosphere. If you listen to the song only with my description in mind, you will probably laugh at the sudden shift.
5. Another track that runs energetically and enthusiastically. One of the charms of the riffs on this album is their sense of breathing room. When a slightly relaxed riff is combined with subtle harmonies, a new kind of appeal emerges. Not everything has to be dense and complicated. This is essentially a riff-driven track from start to finish.
6. Oh—mid-tempo. Even Havok’s mid-tempo does not drag. The subtle harmonies heard in the previous track continue their charm here as well. The bass line is also quite attractive. The bridge leading into the solo is immersive, and the solo itself—especially the tremolo-bar work—becomes very memorable. Strangely, there are many moments in this track that stick in the mind.
7. The aggressive double-pedal drumming and tightly packed riffs are excellent. In the mid-section leading into the solo, that density becomes slightly progressive, hinting at technical thrash. The rapid shifts in atmosphere even bring Revocation to mind. Of course, Havok was never a band lacking in skill, but this track particularly demonstrates their technical ability. Pay attention to vocalist Sanchez in the chorus—he screams yet blends in a subtle singing tone. Few vocalists can grind their voice that harshly while still adding controlled vibrato.
8. Oh! Now this is truly mid-tempo. Even calmer than track 6, this one proves that Havok can write a proper groove-oriented song. The occasional bursts of speed are refreshing, but the groove really carries the track. It clearly feels like a continuation of track 6, yet without any awkwardness. It was surprising to realize that Havok can also create the kind of segmented rhythms that provoke intense headbanging. The twisted structure and the outro solo—while the groove is left largely to bass and drums—are particularly satisfying.
9. This track continues the groove-metal elements that appeared from track 6 through 8. It almost feels as if the band deliberately chose to explore that direction in the latter half of the album. And it works well. It is far better than those overly sentimental songs that drag the mood down in the name of emotional expression. If thrash bands want a breather, they should try something like this instead.
10. The title track of the album. Many of the strengths displayed in tracks 1 through 9 appear here in different forms. Every time the line “Time is up!” is shouted, the apocalyptic message becomes clear. It closes the album with authority and leaves a strong impression.

*보컬에 대한 고찰(Thoughts on the vocals): David Sanchez는 쓰래쉬 보컬 중 가장 매력적인래쉬 보컬 중 가장 매력적인 한 사람이 떠오르게 한다. Testament의 Chuck Billy이다. 육중한 그로울링 중심 톤의 왕덩치 인디언 아저씨와 이 젊은 라띠노 친구가 비슷한 구석이 무엇일까? 거칠지만 싱잉이 가능한 보이스라는 점이다. 그런데, David Sanchez의 음역이 더 넓고 표현가능한 폭이 좀 더 넓다 느껴진다. Chuck Billy의 육중함은 마초적인 미에 있어서는 필립안젤모 이외에 견줄만한 보컬을 본 적이 없지만, 표현의 폭에서는 조금 단순하다는 느낌이 들때가 있다. 그런 점에서 David Sanchez의 보컬은 듣기 재미있는 보컬이다. 1집부터 살살 두각을 드러냈던 보컬이 더 빛을 발한거 같다.
David Sanchez is one of the most compelling vocalists in thrash metal. Listening to him sometimes brings to mind Chuck Billy of Testament. At first glance, it seems odd to compare a massive, growling-voiced Native American frontman with this young Latino vocalist. Yet the similarity lies in their ability to combine harshness with actual singing. However, David Sanchez seems to possess a wider vocal range and greater expressive variety. Chuck Billy’s sheer heaviness—matched perhaps only by Philip Anselmo in terms of macho presence—is undeniable, but his expressive palette can sometimes feel somewhat straightforward. In that sense, David Sanchez’s voice is more fun to listen to. The vocal potential that already appeared on the debut album seems to shine even brighter here. ... See More

[괴물급 신인보컬 Dino Jelusick의 개인밴드 처녀작, 대단하다!] (English in the end)
유튜브에서 Jelusick의 본 앨범 곡 Healer를 듣고 뭐 이런 저중고음역을 다 찢어먹는 괴물보컬이 나왔나 싶었다. 그리고, 뒤이어 판테라 트리뷰트 라이브를 하는 것을 보았는데, 이건 또 뭔가 싶었다. 개인 앨범이 나왔는데, 자기가 하고 싶은것을 함에도, 꽤 조화로운 사운드가 돋보였다. 나는 원래 보컬이름으로 된 밴드 앨범을 별로 안 좋아한다. 보컬 한명을 위한 세션밴드가 뒤에 딸려있는 느낌일 뿐이라 그렇다. 김경호나 박완규 같은 아티스트들의 개인 앨범들을 보면, 보컬을 위한(대중성도 고려했겠지만) 곡들로 구성이 되어있는 것을 볼 수 있다. 김경호의 Shout를 두고도, 리프가 멋지거나 솔로가 멋있다는 것이 기억에 남지는 않지 않는가.

그런데, Jelusick은 Dino Jelusick의 미친 목소리를 맘껏 즐겨볼 수 있는 사운드를 보여주지만, 모든 곡이 제대로 된 헤비메탈이라는 점이 정말로 돋보인다. 살짝살짝 터치감이 있는 프록적 요소들(적절하게 키보드 차용하는 부분까지)도 아주 훌륭하다 싶다. 판테라 트리뷰트 공연을 볼 때 부터 돋보였던 거지만, 그루비한 곡에서 보여주는 파워가 상당한 편인데, 길게 늘이는 노트등의 끝처리도 훌륭하지만, 멜로디 표현을 위한 싱잉도 노련함(Died 같은 곡 등등)까지도 돋보이는 보컬이다.

한창 넘실대는 그루브 속에 표효하는 Dino의 미친 보컬에 취해있던 중, What I want와 Acid Rain은 Dino식의 달리는게 무엇인지 보여준다. 시원하게 달려주는 드럼과, 그 와중에 중간중간 피킹하모닉스를 잔뜩 뿌려주는 일렉기타가 이 앨범의 헤비함의 농도는 여전히 찐하다는 것을 보여준다. Dino의 경쾌한 곡들이라니, 죽인다. 듣는 내내 째졌다. 운동할 때 들으면 아주 기분 좋다. 뒤이어 Healer가 등장한다. 안 그래도 화끈한 Dino의 보컬인데, 이 곡에서는 쌓아가며 터트리는 모습을 보여준다. 이 곡의 클라이막스는 본 앨범에서 놓치면 안 될 정점이다. 퀄리티가 더 멋져진 2집이 등장했음에도, 최강 트랙과 최강 보컬 모먼트는 이 곡에 다 있다고 해도 과언이 아니라 본다.

The Great Divide같은 발라드곡들을 들어도 쇠냄새는 여전히 진동한다. 근데, 감수성과 우수에 넘친게 왜곡됨은 없다. 아름답다. 헤비메탈 보컬리스트다 아름다우면서도 무한히 멋지고 강할 수 있다는 것에 참 신기함을 느꼈다.

뒤를 이어 나온 Fly High Again은, Youtube에 Healer와 함께 뮤비가 올라왔던 트랙이다. 이 앨범의 마지막에 묵직하게 때려주는 곡으로, 무난하이 듣기 좋게 미드템포로 때려박아주는 헤비한 곡이다. 시작에 곡 제목을 부르짖는 것 등이, 딱 라이브셋에서 부르겠다고 의도하고 만든 곡 같다. Chaos Master는 전곡의 분위기를 조금 더 경쾌한 절과 신비로운 코러스를 보여주는데, 곡 마지막까지 살살 비틀어주는 멜로디가 예술이다. Dino Jelusick의 작법들이, 메탈 특유의 스트레이트한 헤비니스에 프록적 터치를 보여주는 경우가 많은데, 앞으로도 이런 부분이 기대가 크다. 프록메탈은 아니지만 양념이 살살 잘 베인 헤비메탈, 마치 1등급 한우나 한돈을 가져와 고기 자체의 육향 살려줄만큼의 은은한 양념이 느껴지는 갈비나 불고기같다고 해야겠다.

또한, Dino Jelusick씨가 보컬에 정말 자신이 있다고 느껴지는 부분 중 하나는, 중간중간 드럼과 베이스만 얹어놓고 노래부르는 부분이라 느껴진다. 그루브를 느끼기 위함도 있지만, 그 구간에서 자신의 빡센 목소리로 채워주는데 이 부분들이 참 기막히게 들어줄만 하다. 이래저래 썼지만, 2집은 더 무시무시하고 스트레이트 한 작품을 들고 왔단게 경악스럽다. 100점이 아닌 이유는 그가 더 잘할 수 있는 부분들이 있기때문에, 1집 특유의 실험적인 부분들이 보이기도 했어서라 해두겠다. ... See More